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服装设计教育中美感开发 　　进行美感开发的目的是为了提高服装设计学习者对服装的艺术鉴赏力。只有先学会欣赏，才能进一步学习设计。服装设计师应该具备丰富的艺术、文化、历史知识，这样，才会得到更高层次的领悟以及情感的交流与传达。 　　在服装设计学习中，美感开发应该是贯穿始终的，因为艺术修养的提高是一个长期的、潜移默化的过程。笔者认为，应该首先以下列几种美感形态为主进行美感开发。 　　 　　一、通过分析东、西方的服饰美学理念，来感悟意境之美 　　 　　东西方各民族因为不同文化、不同习俗而产生的不同服饰风格使得世界变得丰富多彩。服装设计师们应该从世界各个角落不断地发掘创作灵感，找到创作的切入点。 　　宗白华先生认为中国美学史上有两种不同的美感或美的理想：一种是“镂金错采，雕绩满眼”；另一种是“初发芙蓉，自然可爱”，即“华丽繁富的美和平淡素净的美”。认为“初发芙蓉”比之于“镂金错采”是一种更高的美的境界，用现代术语来说就是雕琢之美和自然之美。这两种美感和美的类型在整个世界服装史中都曾交替出现过，时代不同，对美的感受和要求也是不同的，也就是说，它具有一定的主观意识性。 　　东方的穿衣理念是“隐身体于衣帛之中”，讲究褒衣博带、华带飞?的超然之美，飞动而流畅的线条是中国古代服饰中最被强调的形态，从结构上来说属于典型的二维造型。西方服饰追求的是强烈的感官刺激，比较注重表现服装的空间造型，现代立裁的三维空间理念就源于此。 　　服装设计是一种以“形、色、质、量”为媒介的造型活动，属于视觉艺术的范畴之内。服装造型首先是以形色媒介来塑造的，西方设计师强调得更多的是“形色”的直观性，是以表现形式与形态为主要目的，因此其作品极具视觉张力。中国古典美学认为形状和色彩的魅力源于对形象的深层意义的直觉感受，即神韵，注重使艺术形象具有超越形象之外的含义。许多东方设计师所追求的禅味，就是通过外在的具象形态延伸出的抽象韵味。设计作品所表达的精神与感受作品者的精神是否能契合，很大程度上取决于设计者对美的领悟及其对视觉因素的感知力。优秀的设计作品所蕴含的深度与意境，能让人产生无限的遐想和精神的满足。 　　 　　二、通过对视觉形象的实践练习，来感知形色之美 　　 　　传统的教学方式着重学习形、色的构成，虽然这些强化训练，能够给初学者提供一些帮助，但服装设计如果过于理性，就失去了设计的根本意义，它应该是感性的、非理性的，因为美的基础是感知。服装设计，虽然也要以形式要素为基础，但是所强调的应该是学习者对形式的感知能力，如对形状的感知，对空间的感知，对色的感知等。 　　服装造型中的点、线、面、体只是一个抽象的概念，只有通过对这些造型要素的形状、大小、色彩、位置、方向、肌理等视觉形象来进行感知。根据形式属性可以把造型元素大致分为结构性和装饰性两种形式。如，线的装饰性形式又可分为纹样中装饰（如图案、肌理等）和有附加物的装饰（如立体花饰、缀挂物等），把服装轮廓线、省线、褶裥线等归于结构线的范畴之内。服装的空间美感只有在人体上才能表现出来，因此可以在人台上进行大量的操作练习，比如，结合东西方的穿衣理念，运用省、褶裥等手法来塑造三维空间与造型，或通过围裹缠绕等穿衣方式在身体上达到三维的效果，在不断的操作练习当中，学生对造型元素的感知程度和视觉思维能力就会得到充分完善。 　　服装色彩的感情因素更为强烈，它们有各自的象征意义，并带给人不同的情感反映，还有，历史上不同文化种族的色彩禁忌和阶级性，仅仅依靠配色技术来进行设计是远远不够的。让学习者掌握一定的设计技巧是必须的，不过，培养他们的创造性思维和感知能力才是教学的根本。在服饰色彩训练中，我们应该抛开僵化的构成练习，进行更多的创意训练，如用色彩来表达喜怒哀乐、安全与危机、理性与浪漫等，这会发掘出学习者更多的感性因素。 　　 　　三、通过对各种艺术形式的学习与鉴赏，来发掘装饰之美 　　 　　我们来看看现代艺术对服装的深刻影响：20世纪初，受新艺术运动的影响，那些有着长长弯曲线条、藤蔓延伸的植物造型的服装刺绣大行其道；20世纪60年代，具有波普艺术风格的大众视觉图像的拼贴组合作为一种全新的图案被广泛运用到服装领域；涂鸦艺术，又使服装面料呈现出最为率意稚拙的返璞归真；近年来兴起的新媒介艺术，使视觉信息的数字――图像化概念深深影响着服装设计领域的方方面面。这些年来中国的书法绘画艺术与服装的融合也是大行其道。书法艺术是包含着哲学、文学、美学意味的文字造型艺术，其韵味十足的造型形象，被中外设计师广泛应用于现代服装设计当中。 　　民族艺术中的服装装饰手法包括手绘、扎染、蜡染、刺绣、镶滚、贴花、补花等，其大俗大雅的配色处理、无限寄寓的图腾纹饰、独具创造性的技艺手段，都可以成为服装设计的灵感来源。被广泛应用于服装设计中的中国