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略谈绘画作品中光色运用 　　内容摘要：艺术家对光色有目的的表现是在文艺复兴以后。到了19世纪末，印象派画家们对光色的研究达到了前所未有的高度，无疑这对艺术进一步发展、推陈出新是一笔宝贵的财富，值得我们借鉴。文章将从达?芬奇、伦勃朗等大师的作品中对此解读探讨。 　　关 键 词：绘画作品 光色运用 明暗 放射效果 　　 　　众所周知，有了光，世界才成为可视的，从而产生视觉艺术。没有光，就没有色。毫无疑问，绘画作品对物象光感、立体感、空间感、质感、量感、色彩的表现都离不开光。光色的表现需要艺术家在实践中不断地研究和探索。有关光和色彩的关系问题，早在1676年依撤克?牛顿就利用三棱镜证实太阳光是由红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七色光混合而成的。在牛顿以后，经过另外一些科学家的研究，证实世界上各种物体之所以呈现色彩，并非由于它们本身具有什么“固有色”，而是由于它们对色彩光波具有“反射”和“吸收”的光学特性。我们所看到的物象色彩是该物象所“反射”出的色彩。 　　值得一提的是，文艺复兴以前的大多数绘画作品中光色特点都略为相似，主要利用颜色画素描，强调素描效果，青一色的棕褐色调，画家对光色的使用也尚未达到真正的自觉。翻开美术史可以发现，奇马布埃和乔托之前的欧洲绘画在用光用色方面甚至与东方绘画差不多，带有线描涂色的味道。而文艺复兴后西方随着科学技术的发展开始了对光色、空间等孜孜地追求，达?芬奇在《论画》中就提倡画家们对光线需作一系列的探索。在绘画中达?芬奇最早使用“明暗对照法”，对自然物象光色不是被动的模仿，而是对光规律的主动探寻，利用光线表现立体感。这时人们已经认识到立体的世界诉诸视觉是光照的结果，而阴影的作用则正是暗示物体的三维特征。在《最后的晚餐》中，光线成为一种主动的力量射入房间，把房间里所有的人物、墙壁和桌面都照亮了，使画面充满着光感、立体感。到了卡拉瓦乔，对光的运用就更加精妙，更富于视觉力量，他笔下的人物、场景，就像是被现代的聚光灯笼罩而呈现在我们眼前。这种高度集中单一的光源所发射的光线空间具有定向性的运动而赋予它们生命感，光线有时追踪黑暗的边界线而穿过物象的表面，从而使统一的物象时隐时现，有时又突然地破坏了物象那熟悉的外形，造成某种超出视觉经验的怪诞形式。强烈的明暗对比所形成的节奏韵律使我们感官大大地兴奋起来。通过眩目的光线，跳跃的影子以及神秘莫测的明暗所激起的冲动，给人的神经以强烈的刺激。可以说，文艺复兴后的17、18世纪是一个注重“明暗对比”的时代，此时画家们无不对绘画的光色有着极大的兴趣和精深的研究，从而产生了一批对后世有影响的欧洲最伟大的油画大师：卡拉瓦乔、委拉斯开兹、拉杜尔、委罗奈丁、伦勃朗、康斯太勃尔、透纳等。而荷兰画家伦勃朗可谓是其中的代表。 　　由于伦勃朗对光产生了极大的兴趣，并继承了卡拉瓦乔的明暗处理方法，以毕生的精力研究光线的独特运用，并创造了超乎寻常的表现方法。在他的画面上，明暗的对比、光的冷暖效果和表现技法有着他一套独特的、与众不同的风格特点。对光的运用、物体空间主次的处理，都是与其创作思想不可分开的，有着强烈的主观情感色彩。人物和场景高度集中在单一的光源下，使画面空间具有定向性的运动而赋予它们的生命感。强烈的明暗对比所形成的节奏韵律，跳跃的影子以及所充满的神秘感，大大地调动了我们的感官神经。伴随着他对光线的极大兴趣和精深研究，进而产生了一整套表述光线的素描意识，塑造方法和色彩表现。他在光照的主体部位使用厚涂法，半暗调子则柔润晕色，作详尽的层次描写。伦勃朗对画面光色的安排极具匠心，在他的画中最亮部和最暗部常常只占很少一部分（据专家测算，亮部和暗部各占八分之一），其余则是大量透明丰富的中间色调子，这是他常用来统一画面的法则，使画面中构图主次分明。光的聚射也极大地强化了画面主题，同时也给观众留下了凝聚的视觉中心，又使画家能集中刻画主体部分。在画中我们通过聚射在人物身上的光线，常常可以感到人物身边那有形或无形的窗户，据说伦勃朗为了集中光线，往往还使用了一块遮窗板，而映射在对象身上的仿佛是傍晚金黄色的阳光，遮光板的阴影加强了对象手部和上半身的半暗调子，达到协调柔和而富于空间的效果，与卡拉瓦乔相比，他让光线更加集中，仿佛是穿过当时光学实验的照射孔射进来一般。 　　当我们细读古典油画时，不难发现，通常讲究画面主体物象的发光，即主体对投射其上的光进行反射，使人感到整个画面是被这个主体的光所映射，或许这也是古典油画往往使用较深暗背景的原因之一。从视觉效果看，要想使一个物体发光，物体本身与周围的对比必须有绝对的亮度，并且光的放射现象还与物体亮部表面的细节表现多少有关，如果这个物体发出的光线的亮度比周围物体强得多，它的表面结构纹理就相对看不清楚，而细节的模糊和消失，又会反过来加强放射效果。伦勃朗为了加强画面物体的放