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浅析艺术歌曲《乡愁》的艺术风格及演唱处理

摘要:余光中的《乡愁》是文学作品中的经典。这首诗情深意切,既表达了作者渴望祖国的统一,又将乡愁描写得淋漓尽致。艺术歌曲《乡愁》是一首声乐独唱曲,本文将该作品的歌词、旋律和钢琴伴奏作为研究对象,全面分析了该作品的艺术风格,同时还从技术和艺术这两个层面上阐述了该作品的演唱处理方式。

关键词:艺术歌曲《乡愁》艺术风格演唱处理

一、《乡愁》的美学特征

余光中的《乡愁》是文学作品中的经典。余光中1949年随父母迁香港,次年赴台,在20多年后的1971年,余光中先生已经47岁,没有回过大陆的他思乡情切,在台北厦门街的旧居内赋诗一首。写完后,诗人热泪盈眶,沉吟良久。

《乡愁》凝结了余光中的强烈感情和深情厚谊。这首诗分四句,共88个字,每句均为三、十、四、五的节奏出现。这首诗分四个小节,作者按照时间的顺序通过暗喻将乡愁喻为邮票、船票、坟墓和海峡,表达了乡愁的主题。全诗用时间来表示顺序,像一条红线贯串全诗,概括了诗人漫长的生活历程和对祖国的绵绵怀念,层次的渐递使主题由模糊逐渐鲜明,流露出诗人深沉的历史感和发自心底的对祖国母亲的呼唤。

二、艺术歌曲《乡愁》的艺术风格

该作品共分四段,前三段旋律相同,最后一段达到高潮,之后又回到音乐主题,最后在高八度的尾声中结束全曲。《乡愁》这首作品,无论是旋律、力度、速度、节奏都能与诗歌完美地融为一体。

全曲采用小调式进行,无转调。速度为中速稍快,用叙说的情感演唱。曲调多以二度、三度级进进行,很少出现超过五度的跳进,这都表现出乡愁感情叙说的平缓与深沉。前奏在艺术歌曲中作为情感的铺垫,使演唱者和听众进入《乡愁》的意境。在前奏中,第1、2小节旋律线基本相同,而和声发生变化,表现了歌曲情感的积累。

从和声走向上看,第一小节使用i级小三和弦,第二小节使用I级与IV级大三和弦,第三至第七小节和声在v级到i级变化。短短的前两个小节,和声进行了多次转变,从小和弦转为大和弦,表現出乐思的变化。《乡愁》的前奏具有复调的特征,低音部分不是一般作品的柱式和弦类型的长音,而是等分节奏的一段低音旋律。右手高音部分的旋律与左手低音伴奏旋律的融合,强化了和声效果,使得旋律更加丰满,也进一步刻画了《乡愁》感情的交织与浓重。

节奏、节拍是音乐的要素,对于音乐有着非常重要的意义。不同的节奏可以表现不同的音乐风格和情绪。节奏可以脱离旋律而单独出现,但是旋律不能离开节奏而单独存在。节奏组织起音乐,同时使整个音乐有序化。全曲采用不多见的八十二拍、八九拍和四三拍混合拍子,而没有采用八三拍子这种单拍子。其音乐节奏的本质“是人对事物在实践中有序变化的心理体验”。[1]不同的节奏在不同的节拍里,产生了不同的音乐情绪。《乡愁》前奏使用了八十二拍、八九拍和四三拍,第1、2、4、5小节旋律部分节奏型基本相同,而拍号、旋律不同,不拘泥于固定的节拍,显示了节拍是为作品服务的性质。

三、《乡愁》的演唱处理

第一句的演唱应注意,第一句作为开头,最为重要的就是要在开口前先把气息放下来不能提气,因为此时一旦抬肩提气后果便是喉位上提,当呼吸得不到有效的支持时声音出现逼紧,就难以得到好的声音效果。歌唱家琼·萨瑟兰指出:“歌唱基本上是吸气、支持和发射出去,就那么简单。”[2]此时最好是采用呼吸均匀的胸腹式联合呼吸法来进行调解。

第一至三句在演唱时较多地使用的是胸腔共鸣,因此打开喉咙向下叹,通过胸声的共鸣帮助表现出作者对“小时候”的深切的回忆。在演唱技巧的感觉体验上,要感觉让声音落下来,落到腹部的呼吸之上。沈湘先生就找到胸声指出:“一起音就要张开大嘴,贴着咽壁看着‘嗓子眼儿往下吸着唱,让声音落下来,落在喉底的胸口上。”[3]在摆好胸腔状态后,口腔的状态的正确咬字造型对于清晰表达作品是十分重要的。

第四句是全曲的高潮所在,因此第一个“而现在”的现和第二个“而现在,乡愁啊,乡”这几个字都一定要保持积极兴奋的打开状态,后背后腰要充分打开,小腹的收缩、呼吸要给予连贯的持续控制。

另外,还要运用想象与意境进行二度创作。

拿到《乡愁》这首声乐作品时,不能急于开口就唱,首先要把歌词朗读几遍,在朗读的过程中体会它所反映的特定意境和情感色彩。“歌唱的技巧,就在于解决内和外的关系。内,在于练心,发挥主观情思的作用;外,在于练口,表现客观艺术的形象”。[4]因此,在开始钢琴烘托情感意境的前奏部分,首先要把自己置身于台湾岛的新竹南寮渔港岸边,在银色的星月之下眺望着不远处大陆的平潭岛岸,心中随着海面粼粼波光激荡起思乡的惆怅。在前奏开始时,演唱者即要进入音乐状态。伴随着真挚的情感与想象进行演唱。第一段的第一个字音是c1处于中音区,在演唱时一定要注意把握音准和保持积极的状态,带着懵懂的记忆,诉说小时候对于身在远方故乡母亲的爱与思念。第二段虽然与第一段的旋律一样,但此