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中国式抽象是一种病 李心沫 奥利瓦先生用了两个耸人听闻的大词“伟大的”与“天上的”来形容中国的抽象艺术。好像世界级的艺术大师的作品也少有如此殊荣，“伟大”似乎已有足够分量，已经为人类文明贡献了巨大的创造力，新思想和不朽的杰作，达芬奇，米开朗基罗那样的艺术可称伟大的艺术吧？但作为“天上的”就更加令人费解，是否这样的作品就如同天籁一样具有着常人不可企及的精神力量和超凡气质？似乎在艺术史上还少有这样的形容，哪怕是康定斯基的抽象也是表达人类的情感和精神世界，中国的艺术最高的境界也不过是“自然”。 那么作为伟大的并且是天上的抽象究竟是什么样子呢？在被奥利瓦先生层出不穷的溢美之词的覆盖下，我们相遇的是如此寒酸的中国式抽象。 我现在大学里所教的课正是设计基础，设计也是我在大学时代所学的专业，传统的设计基础课包括平面构成，色彩构成，立体构成等等 。上个世纪初期，这些就是包豪斯设计学院的基础课程，而康定斯基，克利等一大批艺术家正在此供职。 我随便拿一幅学生的课堂作业，都比这些所谓的“伟大的天上的抽象”好。并且这些抽象画不过是平面构成里面最普遍，最初级，最简单的构成方式——“重复”还有“发射”。在早期的抽象绘画里这种形式已经成为滥觞，在设计领域，这些形式也已经成为一种陈词滥调。我们看下这些图例就会一目了然。 平面构成练习 孟禄丁作品 刘旭光作品 王南溟的字球 如果是一批西方的艺术家在这个时代画出这样的画，那肯定是被列为毫无价值的货色，莫说学术价值，即使是行画，也不会有很多人理睬，因为那色彩和形式都没什么新奇之处。那为什么中国人学过来，并且生搬硬套用了水墨或油彩一画就不一样了，就成为了伟大的天上的抽象？难道中国人真有如此神奇的功能？很明显，这是在用文化的差异在掩盖艺术的真实。 不是中国人画的抽象画的多么好，而是因为是这些抽象是中国人画的，并且中国人的思维是和西方不一样的，因为中国有太极，那么这些中国人画的抽象画就被赋予了中国的精神和文化意义，正是这些文化的意义使这些苍白的绘画具有了无与伦比的意义。 由此看来画的怎样并不重要，重要的是谁画的。并且不管这些艺术家是否了解禅道，也不管禅道是否主宰过他们的艺术精神，哪怕仅仅是为了制作而制作，这些绘画也与禅道脱不开关系。而这些绘画在未产生之前就已经具有了禅道的意境，因为这些画是中国人画的，而在概念里，中国人都是精通玄学的；中国人都是追求平淡的，内敛的，宁静的，不张扬的，平和的，与自然和平共处的。其实自古以来能够达到一种超脱澄明境界的都是少数的人，即使是身居佛门的人，能够参悟到那种至高境界的也是寥寥，何况艺人。所以东方学的幻象始终横亘在中西文化之间，而东方式的自恋也在助长着自我的文化没落和迷狂。 在这些作品里面我没有看到奥利瓦所说的时间性，如果绘画的时间性仅仅是指一个艺术家劳动的过程，并且因此确认了这些抽象的观念性，那是非常低级的，因为每一件作品都有这样的性质，就是都是劳作的过程，一个伪作者的作品也是劳动过程。时间性我只有在那些书写性极强的作品中看到，比如中国的书法，还有某些表现性极强的绘画。它具有一次性，不可重复性。而我们看到的中国式抽象恰恰是没有时间性的，因为在那里艺术家已经降低为一个建筑工人，他们只是重复着一个动作，把砖头一块一块的摞起来的工作。如果艺术家让自己降低为工人，可以不用大脑，只用手来作画，并美其名曰表达一种观念，并把这个不用大脑的活的产物称作伟大的艺术，那我觉得没有什么比农民插秧更艺术的啦。 那让我们回望一下艺术的历史，看看什么是真正的抽象艺术。 抽象源于俄国，是作为对学院派作为统治地位的现状的一种革命式反叛。它是“非客观性”的和“非描述性”的，主题被作为附属的部分以便强调其造型或者表现手段。康定斯基是第一位抽象画家，但在他之前，抽象绘画已存在了，维尔德和其他一些画家的作品就已经没有主题了。20世纪的抽象有两个侧翼：一是康定斯基德抽象表现主义，一是马列维奇的几何抽象。这两翼都是是俄国人确立的，并且两个人都试图表现一种精神上的幻象，这与俄罗斯的民族文化与宗教信仰有关系。也就是说，我们把西方的抽象简单的理解为是单纯的“为形式而形式”是存在误区的，艺术从来都不曾与它后面的精神相分离，也就是抽象并非没有观念，并非没用承载内容与意义，只是它所承载的是更加纯粹和神秘的体验和追求，那是用具体的形象所无法表达和涵盖的，因而会出现抽象，抽象与具象或者意象，都没有孰优孰劣，都是为了表达所选择的途径和方法，人与世界具有复杂和多样性，那是用一种方式无法表达完全的，所以艺术会出现如此多样的形式。其实具象与非具象一直是并行在艺术发展的脉络中的，只不过在某个阶段和时期它更占优势而已。我们经常出现的问题就是把他们对立起来，这是东西方共同存在的问题，还有内容与形式，精神与媒介，从来没有脱离开内容的形式