現代雕塑探讨.docVIP

抽象雕塑在中国的发展至今不过20余年，今天，在很多大中型城市都能见到一些标志性的抽象雕塑矗立在非常醒目的位置。但说句实话，绝大多数作品的艺术水准实在让人不敢恭维。造成这种现象的原因是复杂的，但最根本的还是对抽象雕塑的理解存在偏差，这既包括创作者也包括接受者。在西方现代艺术中，存在着抽象、表现主义和幻想三种主要的倾向或趋势。其中，抽象的倾向最为突出，它不仅在绘画中有着充分体现，在雕塑的发展过程中也呈现出一条清晰的脉络。抽象雕塑经过几代艺术家的不断探索才逐渐形成自己独特的艺术价值，它们体现的是雕塑家在创作中对雕塑语言的回归。 在西方现代艺术史上，对雕塑语言的探索明显滞后于绘画。由于受到自身材质的限制，传统雕塑家的创作主要依赖于政府、宗教和民间团体以及富有的赞助者的委托，创作者的创作观念更多地受制于委托者的意愿，难以自由地发挥。因此，自意大利巴洛克雕塑大师贝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）以降，雕塑逐渐沦为在绘画之下的次等艺术门类。直到19世纪末，法国雕塑家奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin）的出现才使雕塑重又焕发出蓬勃的生命力，经过20世纪艺术家的共同努力，雕塑终于得以与绘画并列成为主流艺术门类。非常值得一提的是，在这个过程中画家对现代雕塑所产生的影响甚至超过了雕塑家。 保罗·塞尚（Paul Cezanne）被称为西方现代绘画之父，而西方现代雕塑则是从罗丹开始的。但是，罗丹不像塞尚那样是位新风格的开创者，他所致力的是要复兴中世纪的教堂艺术，渴望创作出米开朗基罗般的具有雄浑力度的作品。因此，他和他的追随者，如布德尔（Antoine Bourdell）、马约尔（Aristide Maillol）等人，虽然都是伟大的雕塑家，但是他们对现代雕塑的直接影响并不大。倒是继承了塞尚艺术理念的立体主义者为现代雕塑开辟了更加广阔的天地，其中最具影响力的就是巴布罗·毕加索（Pablo Picasso）。英国美术史家赫伯特·里德（Herbert Read）指出，在现代雕塑中一直存在着两种不同的倾向，一种继承罗丹提出的“以深度造型”为主导的传统，比如亨利·摩尔（Henry Moore）雕塑中所体现出来的现代性仍然停留在与米开朗基罗同样的形式传统之中；另一种则是对完全不同的“纯粹形式”的绝对价值的追求，也就是走向抽象的追求，如构成主义雕塑家瑙姆·嘉博（Naum Gabo）等人就与摩尔的理想完全不同[1]。本文主要探讨的是后一种倾向。 1890年8月，年仅19岁的法国画家莫里斯·德尼（Maurice Denis）在《艺术与评论》杂志上发表了一篇题为《新传统主义解说》的文章，提出了几乎所有人在试图解释现代艺术时都要采用的著名定义：“记住，一幅画在成为一匹战马，一个裸女，或某些轶事之前，实质上是用各种色彩按一定的秩序覆盖的一个平面。”[2]在这段话里，德尼指出了绘画的基本要素即色彩和平面性，当这些要素按照“一定秩序”加以组合的时候就成为绘画，而这是比绘画的叙事性更为重要的。事实上，现代绘画的发展过程就是逐渐排除其中的文学性和叙事性的过程，通过对自身语言的纯化最终走向抽象。雕塑的语言或者说基本的要素就是体积、空间以及三维特性，如果套用德尼的定义，雕塑就是空间中各种体积按照一定秩序组合而成的三维作品，至于它所表现的主题则退居其次。 在毕加索之前，也很多画家都在曾尝试过雕塑创作，比如亨利·马蒂斯（Henri Matisse）。马蒂斯是将雕塑作为一种整理自己思想的辅助手段来进行的。他认为罗丹过于专注对逼真细节的表现而忽略了整体，因为整体并不是各个细节相加之和。他在1909至1929年创作了四件女人体背部浮雕，从最初的关注人体关节的动态和肌肉起伏的表现，逐渐简化细节，最终女人体完成了向抽象构成的转换，成为几个概括的几何形的组合（图1）。这种简化过程实际上就是对雕塑语言逐渐走向纯化的探索。 相比之下，毕加索对抽象雕塑的贡献是决定性的。毕加索第一件真正的立体主义雕刻是1909年至1910年创作的青铜《女子头像》（图2）。这件作品可以看作是其分析的立体主义绘画的三维表现。他将对象的结构打散之后加以重新组合，从而使作品具有了一种传统雕塑无法获得的动态效果。而雅克·利普希茨（Jacques Lipchitz）的作品就是在毕加索开创的风格上的努力，他用更加概括的几何形组成人体，与其说是塑造出来的不如说是堆砌构造而成。 毕加索在1912至1913年间创作的雕塑已经非常接近抽象了。而且，从这个时期起，他开始关注表面的肌理效果，并将一些随手找到的废物，如油毡、木块、绳子等用到自己的雕塑中，最具代表性的就是他创作的《吉他》（1912）和《苦艾酒杯》（1914）等，它们成为后来现成品雕塑的源头。马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）在毕加索完成《吉他》的第二年