当代戏曲创作如何实现艺术与市场双赢初探.docVIP

当代戏曲创作如何实现艺术与市场双赢初探 　　内容提要 随着戏曲观众的流失,越来越多的人关注戏曲如何在保持传统的基础上,适当创新以吸引更多的年青观众群。本文以近年来在上座率及口碑上均取得较好成绩的昆曲青春版《牡丹亭》和黄梅戏《徽州女人》为例,对这一问题进行探讨。 　　关键词 戏曲 改革 艺术 市场 　　 　　当代社会文化娱乐方式的多样化,使传统戏曲已经不再具有它诞生之初的那种庶民性,也就是普及性。尤其是在广大青年一代中,不懂戏不看戏的大有人在。但戏曲创作出来是给人看给人听的,戏曲要不断传承下去,就尤其需要更多的年轻观众去看去听,只有这样,才会避免出现像有的学者担心的,10年或者20年后戏曲成为彻底的博物馆艺术的情况。因此无论是活跃在戏曲舞台上的表演艺术家还是以从事戏曲理论研究的学者,都非常关注戏曲的改革和创新。而这种关注改革和创新的焦点都是寄予在保持戏曲传统本质的情况下,如何利用现代剧场和现代舞美,使戏曲拥有更丰富的表现力,吸引更多的观众尤其是年轻观众走进剧场。要做到艺术与市场的双赢,达到既叫好又叫座的效果,我认为,可以从以下几方面着手。 　　 　　一、扎根传统以确保其戏曲本性 　　 　　这里所谓的传统,主要是能体现戏曲本质的一些东西。戏曲改革创新不能丢其本质,本质变了就不是戏曲。本质变了不仅不能吸引年轻的观众,反而是即使吸引了年轻观众也会对他们造成误导,更会让老戏迷老票友们丧失观戏听戏的热情。那么,戏曲的本质属性又是什么呢?戏曲的本质不是它所讲的故事,不是激烈的矛盾冲突,不是深刻的主题。如同著名文艺理论家克莱夫贝尔所言“艺术是有意味的形式”,戏曲的本质也在于它的形式,或者说在于戏曲这门艺术区别于其他艺术门类的不同的艺术语言。戏曲的艺术语言不是纯粹的唱也不是单纯的舞,戏曲在于它是融唱、做、念、打于一炉的,在于它的综合性、程式性、虚拟性。而这些特性又是通过戏曲演员的表演体现出来的,戏曲重表现而非再现,日常生活化的语言在戏曲中变为非生活化的唱,即使是念白也是与日常用语完全不同的韵律化的散白和韵白。日常生活化的行为动作在戏曲舞台上都体现为演员舞蹈化的身段动作,有时戏曲为了区分它与现实生活的不同,突出它的表现性,还常常在舞台上表现与生活甚至是与剧情本身毫无联系的纯粹的绝活舞功,这一切都是通过舞台上的戏曲演员的表演而体现出来的。正如傅谨在他的《中国戏剧艺术论》中指出“演员的表演才真正是戏剧之所以为戏剧的根本”。综合性、程式性、虚拟性是所有传统戏曲的特征,而作为剧种与剧种之间最重要的区别则在于声腔和主伴奏器乐的不同,尤其是声腔的不同。昆曲用“启口轻圆,收音纯细”的昆山腔演唱,俗称水磨调,京剧是皮黄腔,黄梅戏唱的是黄梅调,各种声腔都极具地域色彩。只要遵循了这些传统,遵循了这些本质上的东西,当代戏曲创作(无论是改编还是原创)就不会误入歧途,不会导致话剧加唱的不伦不类的舞台呈现。 　　昆曲青春版《牡丹亭》和黄梅戏《徽州女人》能够每到一处都引起轰动效应的根本原因也就在于它们没有背离传统,没有背离昆曲和黄梅戏的传统。从总体印象上看,传统昆曲带给我们的印象是它是唯美的,是富于水乡气息的,是非常古典和雅致的,它的这些特点决定了它特别适合表现精致唯美的爱情故事题材。著名文化人白先勇改编的青春版《牡丹亭》深谙其道,在改编剧本时秉承“只删不增”的原则,力求保证原汁原味。其音乐主要依据清代叶堂编订的《纳书楹曲谱》,保证了声腔韵味的纯正。剧中主要演员都是苏州昆剧院的演员,扮演杜丽娘和柳梦梅的演员还特别拜昆曲表演艺术大师汪世瑜和张继青为师,进行了一年多的魔鬼训练,在唱腔、身段、舞蹈上都基本还原了昆曲的原貌。与昆曲不同,黄梅戏只有两百多年的历史,在传统戏曲中属于相对晚出的剧种,但它却可以说是相对流行的剧种。黄梅戏带给我们的是一种清新自然,极其生活化极富情趣的审美感受,《徽州女人》虽然融入了很多现代化的东西,但是作为戏曲而言,它时空的虚拟性没变(剧中时间跨度30年),表演的程式性没变,身段动作也依然是非生活化而是舞蹈化的。在唱腔上,根据曾经创作出经典剧目《天仙配》和《女驸马》的著名作曲家时白林先生的指点,《徽州女人》在唱腔上有很大改进,但它并没有背离黄梅戏传统,时白林说“《徽州女人》毕竟是黄梅戏艺术向建国50周年献礼的大戏,作曲家在全剧整体音乐(包括描写音乐和配器)的布局上,非常注意音乐唱腔表现的深度、力度、广度和剧种风格。” 　　 　　二、合理创新以求其审美现代性 　　 　　笔者认为,审美现代性在艺术作品中包含外在的艺术语言层面与内在的艺术精神层面两方面。外在层面的审美现代性即是指艺术语言(手法)的创新,没有与时代脱轨。内在层面的审美现代性即作品传达的精神意义与现代人的心灵是相契合的,能够打动我们、感染我们,从而让我们通过艺术作品有所思有所得