浅谈沃尔夫林的形式分析理论——以拉斐尔和伦勃朗为例 .pdfVIP

浅谈沃尔夫林的形式分析理论——以拉

斐尔和伦勃朗为例

摘要：海因里希·沃尔夫林在其著作《艺术风格学：美术史的基本概念》中，

以文艺复兴时期和巴洛克时期的绘画、雕塑、建筑为例，提出了五对包含着辩证

关系的基本概念：线描和涂绘、平面和纵深、封闭的和开放的、多样性的统一和

同一性的统一、清晰性和模糊性。本文将以文艺复兴时期画家拉斐尔和巴洛克时

期画家伦勃朗为例，简要谈谈沃尔夫林的形式分析理论。

关键词：沃尔夫林；形式分析理论；拉斐尔；伦勃朗

瑞士著名美术史学家海因里希·沃尔夫林的美术史研究特色是不过多把视线

放在艺术家身上，而是着眼于艺术品本身，力图创建一部“无名的美术史”。在

《艺术风格学：美术史的基本概念》中，沃尔夫林提出了五对基本概念作为准则，

通过对于文艺复兴时期艺术与巴洛克时期艺术之间的对比，阐述了自己对于风格

与形式的看法，同时也为巴洛克艺术正名。事实上，沃尔夫林很大程度上受到了

李格尔的“艺术意志”与菲德勒的“艺术是根据主观知觉来创造艺术形式”的影

响，我们也把布克哈特、菲德勒、李格尔、沃尔夫林等人称为艺术科学学派。沃

尔夫林的研究手法并不是对理论的思考或是对价值的判断，而是扎根于对具体作

品的形式特点进行敏锐观察，从视觉出发，最终又回归视觉。笔者将对拉斐尔与

伦勃朗的绘画语言进行比较，浅谈沃尔夫林的形式分析理论。

一、线描和涂绘

沃尔夫林认为，西方16世纪的绘画是描绘的，而到了17世纪则转变为涂绘

的。两者的区别是，绘画的外轮廓是否是实在且果断分离的。线描当然注重物体

必须具有明确的边界感，形体因这明确的线而被塑造出来了，而涂绘的手法因不

必有边缘线显得融为一体因而具有整体性。

在拉斐尔1513年所作的《西斯廷圣母》中，作者通过强调轮廓线而使得人

物和背景明确地分离了。圣母蓝色的裙子被如同刀刻般的边缘线强调，而圣母怀

中所抱的婴儿的肌肤看上去也并不柔软，因强硬的线条的力量，画中的人物与其

说是有肉感，倒不如说是有着大理石雕刻般的肃穆感。就连绿色的帷幔与圣母脚

下的阴影也有着明确的轮廓线，于是塑性的清晰性因线描而被体现了。

而伦勃朗1634年创作的《扮作花神的沙斯姬亚》则无需再用线条来指导形

体。如果说观看拉斐尔的画作我们需要明确的边界线来告诉我们：这里是头发、

那里是衣服，那么观看伦勃朗的作品便完全不再需要了。沙斯姬亚的头发几乎融

入进了背景的黑色之中，衣服的皱褶不再以线条提示而是以涂绘的块面来进行。

线描的绘画告诉我们的眼睛应该如何把物体与物体区分开，而涂绘的绘画则让眼

睛和大脑都在看到画面的时候运动了起来，眼睛是具有自由意志的，涂绘让画面

变得更具有趣味性，于是“入画的”概念便产生了。线描带来塑形感，于是带来

了清晰性，明确的边界与质感带来“触觉的”感受；涂绘则因轮廓线的不确定调

动眼睛的运动带来了“视觉的”感受，因此沃尔夫林认为，相较于古典艺术，巴

洛克艺术可能更接近于入画的。

二、平面和纵深

拉斐尔1510所绘制的《圣体争辩》中，采用了平面构图，所有人物几乎都

是在统一平面中一字排开。在古典艺术时期的所有艺术家都采用了平面构图法，

人物居于同一水平线上。达芬奇的《最后的晚餐》也是如此。在拉斐尔1509年

的《雅典学院》，即使建筑绘制出了明确的透视关系，但所有人物依旧是同等大

小地展示在观众面前，仅有些许人物之间的遮挡关系，但依旧谈不上纵深之感。

伦勃朗1642年绘制的《夜巡》同样是群像画作，与文艺复兴时期的不同之

处在于透视短缩法与空间幻觉被已被完全掌握或是显示出来了，两条向中心移动

的斜线加强了画面的生动性，削弱了平面自身的拘束感。人物的主次关心不仅仅

是靠居于画面中心来体现，还有描绘的精细程度，光线的使用等。古典艺术连续

的平面与巴洛克艺术强调纵深与运动感很难说孰是孰非，孰优孰劣，仅仅是不同

的再现方式罢了。

三、封闭的形式和开放的形式

封闭的形式追求的是一种严谨的构图，我们从拉斐尔的所有作品中都能看到，

没有哪一副不是对称且平衡的，重心绝不会偏斜向哪一边。封闭的形式的空间关

系是明确而完善的整体，具有极强的稳定性，垂直线与水平线绝不仅仅作为方向

而存在，它们支撑着整个画面，我们看到这样的作品内心是平静而满足的。而开

放的形式则是一种松弛的形式，拥有着自由的空间格局，是非对称的。在伦勃朗

1632年《杜尔博士的解剖学课》中，我们能看到整个画面的重心是向左倾斜的，

7个学生与解剖用的尸体的上半身都被安排在左侧，右侧仅有杜