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音乐与美术的通感

本文作者：黄继文单位：湖北美术学院美术学系

众所周知，美术与音乐起源于艺术并同属于艺术，是我们人类艺术的两大学科。从理论

上来说它们似乎是两种殊不相关的艺术，音乐是通过音响诉诸人们的听觉感官，是听觉、时

间艺术，美术是通过线条和色彩诉诸人们的视觉感官，是视觉、空间艺术。但是在现实的艺

术活动中，所谓音乐中的画面和绘画中的音乐感，往往是艺术家们经常谈论的问题。比如：

美术中的术语“色彩”一词经常作为音乐用语出现在音乐理论文章中；音乐中的术语“节奏”

一词也往往作为美术用语出现在美术理论文章中。人们在欣赏、谈论艺术作品时，也常常会

说，这首乐曲简直像一幅美丽的风景画，或者说，这幅画简直像音乐一样迷人。艺术理论家

们认为这些描述并不单纯是一种文学性的描述或比喻，而是在长期艺术实践和艺术感受中形

成的一种感性的艺术经验。这种经验表明了音乐与美术之间存在着某种联系通感，一个是有

形无声，一个是有声无形，两者联系紧密，相互协调，相得益彰。

首先，人们认为，音乐中的旋律是以时间为画笔在不同音高位置上勾画出来的线条。这

一认识很恰当地说明了音乐中抽象的旋律线与美术中组成具体可见形象的线条基本的关系，

也证实了音乐与美术间的那种通感。正因为如此，抽象派的美术作品十分地接近于音乐，作

品中的点、线、面仿佛都是在向人们歌唱。如俄国画家康定斯基（WKandinsky）就是用点、

线、面的组合、构成，参照音乐的表现语言用绘画来传达观念和情绪的鼻祖。他倡导美术应

成为视听联觉的产物并始终把绘画看成是一种唤起听觉的“内在音响”，主张从听觉角度来

体会绘画的色彩。例如，他认为“黄色——像喇叭或大鼓”、“蓝色——类似笛子、大风琴

或大提琴”、而“紫色——如同英国号”。他在《论艺术中的精神》

（ConcerningtheSpiritualinArt）和《点、线、面》（PointandLinetoPlane)等著作里都

阐述了类似观点，从而奠定了用音乐来影响绘画的美术抽象主义理论基础。康定斯基的《作

曲》(Composition)和另一位抽象派画家荷兰的蒙德里安(PietMondrian)的《百老汇的爵士

乐》(BroadwayJazz)，这两件绘画作品都是用绘画表现音乐美的典型代表作，也是音乐美术

通感的有力佐证。

其次，从物理学的角度来说，音乐与美术的通感也是客观的存在。音乐中的声音和美术

中的色彩都是一种波动，即声波和光波。牛顿(Newton)在研究色谱的同时还得出一个有趣的

假设，他发现红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种颜色恰好相当于C、D、E、F、G、A、B七个

音调。他的根据是：七度音符1、2、3、4、5、6、7之间的比例为：差一点，七种颜色中红

与紫的比例也正好是：差一点。尽管这个推测还不足以将音乐色彩与美术色彩——对应起来，

但人们依然根据感觉在它们之间设下某种对应关系，使得声音和色彩都能给人们某种如明朗、

暗淡等各种不同的感觉。一旦某种声音和颜色能给人相似的感觉，人们就会自然地把它们联

系在一起。从实际中可以看出：我们人类在日常生活或艺术创作活动中已经潜移默化或下意

识地接受了这种认识并以此形成了某种共识，即音乐与美术之间存在着通感。

再次，人们常说音乐就是流动着的建筑，这从另一个角度也说明了音乐与美术之间的通

感以及都具有造型性的特点。美术中的造型用线条和色彩在空间中组合成一种特定的结构位

置，音乐则是通过无形的音响造型象征性地体现出上下、前后、远近等空间感，虽然这种造

型并不是真实而存在于人们的想象空间里，但它可以通过人的感官在内心体验中转化为清晰

的视觉形象。比如穆索尔斯基(Mussorgsky)的钢琴组曲《图画展览会》

(PicturesAtAnExhibition)，里面的十个组曲全部是以画的单位来命名的，叫作为与“图画”

有关的十组钢琴套曲。德彪西(Debussy)交响乐作品中最具代表性的作品之一《大海》

(TheSea)，直接就被称之为交响乐“素描”。这部交响乐“素描”是德彪西的管弦乐，由于

其特有的“印象主义”风格追求，“三幅素描”在主题的陈述上大多追求短句式。乐曲的结

构在某些要素方面背离了传统，在调式方面多，他惯于采用中古调式、五声调式及全音阶，

使得不同调式、调性形成纵横式结合，已达到不同调式色彩的相互交织。而在配器上，注重

“色彩性乐器”的使用，使得独奏乐器演奏主题曲时往往具有装饰乐队色彩的美术效果，这

种效果也正