论中国画形式语言的写意特征.docVIP

论中国画形式语言的写意特征 　　一、写意中国画理论的美学思想根源及写意理论的提出 　　道家和玄学的重“意”而轻“言”、“象”，以“意”为本的认识论、方法论对中国绘画艺术的审美、创作和艺术表现等方面都有深刻的影响。魏晋时的理论家谢赫在《画品》中提出的“六法”是中国绘画理论中最早、最基本的系统绘画原则，“气韵生动”是第一法，也可以说是六法总则。谢赫认为气韵主要是指作品体现出来的气质风韵，而衡量作品是否有气韵，关键在于作品整体上是否生动，也就是说，只有作品中充盈了生机和活力，作品整体才会具有“气韵”。 　　因此中国画从它诞生之初就不以单纯追求自然万物外在形态的逼真再现为目的，而是以客观事物的外形结构和运动规律为表现契机，注重创作者主体情感和精神对客体的映照，这种不似之似的创作观念和方法映射出中国画家天人合一、物我相溶的浪漫情怀。 　　元代汤亘在《画鉴》的《画论》中说：“画梅谓之写梅，画竹谓之写竹，……何哉？……画者当以意写之，不在形似耳。”汤重的论述强调的是与书法同源的“写”的手段和直抒胸襟的“意”的表达。“写意”这一特有的理论指导了中国绘画的创作。 　　二、中国画写意性在形式语言中的体现 　　中国传统美学观念以艺术的方式呈现出来，在中国绘画中，艺术意象的呈现方式能突显出时间的流动与生命、情感的变化。那么中国画形式语言是如何来写意的呢？ 　　首先来看用笔，吕凤子先生在研究中国画笔墨的表现性时用极为简约的文字总结了情感对于笔墨的意义――“所以在造型过程中，作者的感情就一直和笔力融合在一起活动着，笔所到之处，无论是长线短线，是短到极点的点和由点扩大的块，都成为感情活动的痕迹。”“懂不懂‘用笔’应该是指熟悉不熟悉怎样使力与感情相融合的技巧，不是仅指知道不知道使笔与力相结合的方法而言。”中国画笔墨和色彩有它独特的语言表达形式，是实现中国画最高审美理想“气韵生动”的富有个性特征的语言。 　　元代赵孟?提出以书入画的主张，以书法中丰富的笔法入画，达到变描为“写”。创作方式的发展变化，使中国传统绘画的艺术语言变得更丰富、更具有表现力。 　　在宋代及以前的绘画中，线条的主要形态为圆润流畅和紧劲连绵，如铁线描、行云流水描等。宋代李公麟白描《维摩诘图》中，人物所着服装线条严谨准确，宛如行云流水，就是这类描法的典型代表。 　　纵观元代及以后的中国画作品，我们会发现笔法异彩纷呈。比如元代倪瓒用笔清淡舒朗，作品有平远清逸之趣。而明代的徐渭则把绘画中笔墨的写意精神推向前所未有的高度，在其代表作《墨葡萄图》中，画家以纵横恣肆的笔法宣泄出内心积郁的澎湃生命律动，尽管距今已近五百年，尽管大多数人欣赏得到的是复制品，但只要注目凝神，观众仍会被画中蓬勃流泻的生命力量所震撼。徐渭以笔墨抒写性灵的大写意对后世产生了深远影响，之后的四百多年时间里涌现出陈洪绶、八大、任颐等众多画家，他们都以自己的方式印证了写意中国画笔法在状物、表情方面的独特表现力。 　　现代画家徐悲鸿所画奔马、齐白石所作游虾都是画家在对客观物象进行深入观察的基础上进行大胆取舍、按对象的运动规律用笔，创作出充满鲜活生命力的作品。当代也有一批画家如彭震中等也在积极探索不同的笔墨形态和构成方式以表现当代生活。 　　其次来看色彩，谢赫的色彩理论是“随类赋彩”和六法总则“气韵生动”联系起来理解，“随类”就不仅仅只随客观物象，“赋彩”也不单单只反映物象颜色，而是画家主体精神与物象客观色彩交相融和而形成的“意象色彩”。敦煌壁画中瑰丽的色彩就是“意象色彩”。同时，中国画色彩的运用也可以同水墨一样重视用笔，同样是“写”。王原祁说：“画中设色之法与用墨无异，全论火候，不在取色，而在取气。”这段话说明了色彩与用笔的关系，画面上最重要的是要有气，而气的流畅除了运用色彩，还要通过笔的态与势，情与意来传达，也要讲究笔法而不是任意地涂抹。正如唐代张彦远所说：“……是其彩色，则失其笔法，岂日画也。” 　　色彩材料的发展变化保证了色如墨使技法的实现。宋代开始植物色普遍应用。因为亲水性强，具有与墨相同的透明、流动和渗化的性质，所以植物颜料可以像墨一样被使用，呈现出如墨一样的韵味。 　　宋代刘常画没骨花，“手中调彩色写之”，“染色不以丹铅衬傅，调匀深浅，一染而就”，正是这样用彩如用墨、笔墨与色彩相结合，使绘画语言有了创新。 　　近代恽寿平、任伯年画花卉不勾轮廓线，直接用彩和墨写花、叶、枝、干，具有独特的风格。赵之谦、吴昌硕的点写花卉运用与书法类似的结构，注重墨与色的各种对比与调和，注重各结构间的疏密、呼应和映衬等关系。 　　正是由于画面上“骨法用笔”的纯墨色点线或墨与色的相融一体，形成了中国画形式的特色。 　　三、时代特征在中国画形式语言中的体现 　　现当代，随着人们对西方绘画的更多了解和视觉经验的改变