浅谈中国画的情感与笔墨.doc

引言 在中国画的艺术领域里，一件有意味的作品诞生，是一个艺术家对自然表象真切心里体验的结果，语言和图式只不过是艺术家的情感迹化。在中国画的创作实践中，人们已经习惯于用眼睛来观察事物，而往往忽略了人的第三只眼睛，那就是埋藏在心灵深处的“心眼”。当自然界变化无常的景象进入眼帘的一瞬间，不单单是“我看到了”，更重要的是“我感受到了”。经过入微观察后内心所构筑起来的理想化的艺术境界，在转化成为笔下具体的艺术形象时，它已经历了一个人从感知的再现（理知）的文化转换过程，主观的情感活动变为具体的艺术图式时，不仅仅融入了个人的语言，符号和样式，同时也投射出了画家具备一种“意象”的笔墨思维，即从自然界的表象中抽取最为本质的东西，在内容要素无法掩盖其心里，通过笔墨，把最纯粹的情感表现在画面上，从而使其作品成为超离物象以外的存在价值。 一、中国画中的情感 中国画能超过时空的界限，经得起时代的更迭，人事的变迁，而不失魅力，仍然具有艺术价值，主要原因在哪里？经历了千百年的国画，它的自身告诉了我们非常重要的事实，画家受着主观情感的驱使，从拿起笔到绘画结束，他的情感移于画中，也就是客观的物质和画家的个性，把“良性”交合一起，才产生一幅有情有景的国画。 如果从画家的情感产生过程来看，大体上是从社会的生活中对某件事产生了情感，再由社会扩大到自然界，于是找到某一种物质既能代表他的情感，又能抒发他们情感，变为理想的境界，畅快地流露自己的想法，用画的语言，详细的传达给观者。但是，画家又不是简单地描摹自然，或者是简单地反映生活。一些成功的作品，画家在抒发情感的时候，总是把某种事物作为追求观念上的形象，把情感详细地倾吐在画中。 中国画离不开自己的传统观念，在国画中具体表现的是“天人合一”的宇宙观。在这种观念下，画家画出的题材不同，形式各样，形状大小不一，能够抒情的国画。谢赫在“六法论”中提出的“气韵生动”，要求画家用自己的情感，生动的构思和绘画。只有这种方法，才可以生动有效地或者是十分深刻地触动欣赏者，对画家的画产生联想，进一步达到参与的感受，尽而实现领悟作者的性灵，正像北宋郭熙、郭恩在《林泉高志.画意》中所说“写貌物情，摅发人思”的道理一样。 画家的情感不是一时一事的浮光掠影，是在长期的社会生活中积累，当拿起笔时，会深刻地，真实地表现情感。在他们笔下，会通过人物的动态、山水的气势、花鸟的姿态等。把喜、怒、哀、乐或者是情感上的寄托和追求表现出来。国画的上下、左右、高低、墨色的浓淡、笔法的逆顺、粗细，这一切都为情的设计和安排的，作者是不会用任意之笔去占有宝贵的画面的。诸如对人物、飞禽、走兽、鱼虫、花卉、山水、甚至烟雾，空白本来是虚无的，在画家的笔下也能变为实体，传达作者的情趣。画家知道用简单的笔法是不会引人入胜的，于是用奇正的笔法去抓住欣赏者，如峭拔的峻峰，起伏的丘陵，高大的绝壁，危峻的岩石，滔滔的江河，都是惊人之笔，紧扣观者的心弦，以此激荡着人们的情怀。 中国人民遵守着自己的文化传统的教育和影响，情感的表现是细腻的，多样的。国画表现情感时，也是如此，画中处处有情，处处有意。画家一点一点的，一步一步的抒发情感。画中的每一部分都是为表现某一种情感服务的，如果有没有感情的部分，它会扰乱作者对情的表现。 中国画本质的东西是重在写意的。所谓“传神写照”，其主要目的要传情。画家的用笔、用墨、构图等。画家都是按照为了表现自己情感的这条主线，精心进行设计和布局的，是一图一形一情的传情方法。国画是内涵形式的传情，传情手段是十分严谨的，是用多种手段去实现传情的目的的。观者要了解作者的传情方法，最基本的手法是步步引向深入，由局部到全局。把观者的情感和注意力引向最高点，最后引起情感的爆发，作者和观者在情感上进行交流。所以，国画在某些方面，真像一篇故事，一首诗，一出戏，有完整的结构和节奏感，有声有色，十分动人。 国画是从现实生活中出现的，作者带着自己在现实生活中，把最典型的情感，用画的形式去完成的。历史和生活总是有重复的，尽管每一次的重复不相同，作为喻意的艺术品，尤其是表现情感的艺术品，是会引起人们的共鸣的。画的本身又能把生活中高兴与不高兴，顺利与不顺，喜与怒，好与坏，丰收与欠收等等。各种容易激发情感的事物，从画中引向生活，从画里引向画外，从画外引向画里，在反复的联想中，使情感不断的加深。家中的一幅字画，挂了几十年了，陈旧了，仍然挂着，没有因此把它拿下来，因为挂着的目的就是为了满足精神上的需要。主人不是在“走马观花”，是生活中的座右铭，有时联想的深度达到十分惊人的程度。 宋代马远的《踏歌图》描绘了幽静而美丽的山湾里，老农踏歌而行，周围峭峰嵯峨，古木多姿，是一幅人物山水画。描写的人物踏足作歌，体现了乡野村民的欢乐。画本身有看不完，想不尽，热烈欢快的情趣，会使你联想到自己已被引向快乐的气氛中去，似