通俗化交响乐常识.docVIP

通俗化交响乐常识 作为一个音乐领域的专业词汇，“交响乐”这个词，已经为大众所熟知。并在认知上把它与一种宏大的音响效果——多种西洋乐器的合奏所形成的音效相联系。 交响乐中各个位置的乐器分布：我们以指挥为圆心，整个交响乐团是以扇形分布的。指挥台比舞台稍高，这样的分布有利于乐队各个位置的乐器演奏者都能看到指挥，从视觉上明确收到指挥无声的手势符号，完成演奏中的联动配合。 交响乐所使用的乐器：提琴分为四类，小提琴，中提琴，大提琴，低音提琴，每一类乐器都是和自己的同种乐器扎堆分布，小提琴音域较高，按照人听觉选择的特征，用来演奏音域较高的旋律部分，效果特别鲜明。在音域上，从高到低，依次是小（提琴）→中（提琴）→大（提琴）→低（音提琴），相应的，琴弦也越来越长，琴身（木头箱的部分）也越来越大，所以，小、中是“扛着”拉的，而大、低是立在地上，“戳着”拉的。仔细观察,可以发现,提琴族乐器有弦的一面有两个对称的镂空雕刻的孔,中间直而略有弧度,两端弯曲,称之为“F孔”，演奏的时候，声音通过这里传出共鸣箱，于是，“F孔”的朝向就是观众所在的方向， 演奏员左手执琴脖子，右手拿弓，观众面向指挥的后背时，小提琴就在指挥的左边集中分布。 音乐中的语言：音乐中的语言是压缩的，而且是经过年复一年音乐家们的选择而留下的“经典词汇”，总称为“音乐表情术语”：主要由速度、力度、表情、风格和少量其他术语组成。主要是法语、德语、意大利语中的“音乐类高频词汇”。意思大多是：不同层次的强、弱、柔和、高八度或低八度演奏、左手、右手、快、中、慢等等。在实际作品中，除使用既定的外语词汇外，也可使用母语来标注，这样便有了更生动准确的表达。 关于乐章间不能鼓掌和何时鼓掌的问题：进过音乐厅，听过交响乐的朋友基本上都听说过这样一条“规矩”——各乐章之间不允许鼓掌，只能在乐曲最后鼓掌，于是听得很辛苦，数着乐章听，对照节目单上的名称听，还不一定能数对，大家像有了默契似的，鼓掌前互相看看，别人鼓自己再鼓，别人不鼓就不当出头鸟。其实，只要我们注意观察，思考，善于总结，还是不会出这种莽撞的“丑”的。 首先，以乐章为计数单位的西洋交响乐，每个乐章都比我们平时听到的流行歌曲和中国传统音乐都要长得多，从五分钟到二十多分钟都是有可能的。 其次，长度都比较没准儿。同一作曲家的不同作品，每个乐章的长度也都是不一定的。一部交响乐中，各个乐章的长度也不一定。遇到不同的指挥，不同的处理也会在速度和长度上体现出区别。即便是同一指挥、同一曲目，不同的演出场次也会产生长度的差异。 从乐曲本身来说，西方交响乐作品的旋律编织与中国作品有着明显的区别。中国人重视旋律，从开始就可以明确捕捉到旋律，然后是旋律的发展、演绎、变形等等但所有的一切都是围绕主旋律进行的，这旋律就像一首歌的歌词，词义贯穿，很容易就能识别出来。而西方交响乐往往结构复杂，其乐曲的创作程式与中国音乐大不相同，跟踪主题往往会 “跟丢了”，盖因为西方交响乐中不止有“主题”，还有“副题”，有二者亮相的 “呈示部”，二者拉抻变形的“发展部”，最后是直达终点的“再现部”。这三个“部”，究其特点，出现是开始，变化时发展，统一是结尾，大齐奏或整齐的准备接近结尾。 还有一些独立的乐曲，完了就可以鼓掌的：如“XX交响诗”、“交响诗XX”，“第X交响乐第N乐章”，还有就是有题目，如“XX进行曲”，“ XX波尔卡”，“ XX舞曲”——在节目单上就一行，未体现分乐章结构，都是这一类单曲体作品。维也纳新年音乐会大体就是这样一个一个的单乐章音乐小品串联而成，每每单章结束，观众必报以热烈的掌声。 再次是中外作品的不同。中国人重视声乐化、歌唱性的旋律，也重视音乐的声乐属性。中国作品，一般是亦歌亦乐，载歌载舞，只要是能吹、拉、弹、打的曲子，一般都能从头至尾随演奏哼唱出其大致旋律，器乐化的作品和器乐炫技片段不是没有，但是较少，且不占主流。多是艺人临时起兴，即兴而为。 而在西方音乐中，器乐很早就脱离了声乐而单独发展，在技巧和旋律形态方面也越来越远离声乐旋律的特点，说的直白些就是无法用人声唱出、唱全、唱出器乐的效果。 上面都是本人在学习和了解音乐中一点个人认识，希望起到一个抛砖引玉的作用。也希望能够缩短大家意识里对于交响乐的距离感。