浅析交响诗《查拉图斯特拉如是说》音乐传统基础.doc

浅析交响诗《查拉图斯特拉如是说》音乐传统基础交响诗（Symphony）这个名称，产生于19世纪50年代左右。由匈牙利杰出的作曲家李斯特（Franz Liszt1811-1886）所创。它的源头应该说是贝多芬(Ludwig van Beethoven 1770-1827)的序曲。贝多芬著名的《爱格蒙特》序曲、《科利奥朗》序曲和《莱奥诺拉》第三序曲用器乐明晰地表现了戏剧事件,将丰富的音乐素材凝练地浓缩于单乐章结构之中，使这种为戏剧配乐的管弦乐曲具有可以独立于原剧作的性质。以至后来贝多芬创作了单独用于音乐会的序曲。这些作品无疑启发了交响诗的产生。交响诗中的“诗”字，在拉丁文、希腊文中均作“制作”“创作”作品来解释，也指每首作品的标题均含诗意，因为其内容和形式都是因一幅画、一尊雕像、一部戏、一首诗、一个景、一个人、一种思想、印象或是其他单靠音乐无法说明的事物启发而作 交响诗是19世纪浪漫乐派时期最重要的体裁之一，是在奏鸣套曲的基础上发展而成，其核心是将奏鸣套曲各乐章功能缩减在一个不间断演奏的单位时间内，使它们结合成一个紧密的音乐整体。它将音乐之外明确的诗意观念传达给听众，使听众去想象更为具体有形的事物的画面。它用标题或诗来揭示乐曲内容与意境的客观存在,如某部戏剧、某种自然景象、某一历史事件、某件绘画或雕塑艺术作品等某类客体。交响诗的出现为作曲家们开辟了一块新的领地,在这块领地上，他们可以尽情地发挥自己的想象。许多作曲家用这种体裁进行创作，但对它的理解却并不一致。取其共同点，可以归纳为四个特征：1.以交响手法写成。2.大多是单乐章。3.均为标题作品。4.具有描写性，其情节背景和标题一般取自神话、民间传说、著名的文学作品或历史事件等。李斯特认为使用这种，单乐章、多乐段、相对自由的结构，能够摆脱传统思维方式的束缚，使形式更紧密地与内容联系起来。同交响曲相比，交响诗在形式上要自由得多，作曲家们在创作时可以根据内容的需要决定作品的结构。施特劳斯在继承了李斯特这一体裁形式的基础上，并进一步地发展与创新，使这一体裁臻于完美 一、单乐章标题交响诗的创作形式 李斯特的交响诗既像交响曲那样体现其更宽阔深厚的思想内涵，同时又比交响曲更精炼集中。李斯特借用了柏辽兹主导动机的创作手法，创造了单乐章曲式结构，以多段不同速度和性质的音乐互相冲突又紧密相随（类似交响曲四个乐章间的结构关系），音乐不间断地展述从而融合成一个有机的整体；内部同时包含了奏鸣曲式的三部（呈示部、发展部和再现部）逻辑性结构，但又根据内容所需而自由处理音乐材料间调性安排及结构关系。李斯特创立的标题交响诗不同于柏辽兹的标题交响曲，他认为标题交响诗不是简单的交响诗与所配标题之间的描绘关系，更多的是一种喻意深长的情感体验，突出的是原作那显现或隐含的诗意及作曲家内在的情绪的表现。李斯特13首交响诗正是这种理念的实践，并将标题音乐的原则与内涵引向深化 交响诗是源于音乐会序曲的独特的标题器乐体裁,对标题音乐的发展有很大的推动。理查#8226;施特劳斯继承并发展了这一创作形式，把传统的奏鸣曲式作为整个作品的基本框架，通过调性的变化进行创新。同时，在音乐中寻找更加赋予诗意和表现力的东西。在《查拉图斯特拉如是说》中，理查#8226;施特劳斯以尼采的同名散文诗为基础，交响诗除去引子的每个乐章标题都出自尼采的同名著作，标题作为根据音乐的内容对作品结构进行自由划分，充分体现了作曲家在尼采“超人”哲学影响下，对世界的认知和感悟。在传统的奏鸣曲式的结构上，作曲家利用一系列非常短小的乐章形式，德国民间歌曲二段、三段体结构，来展现作品的诗意内容，与音乐内容达到完整统一。[1] 二、戏剧性的创作手法 瓦格纳（Richard Wagner 1813-1883）是位歌剧交响化的作曲大师，他对西方音乐发展所做出的突出贡献正体现在这一方面。与其说是他写了四部音乐剧，还不如说是四部伟大的交响音乐。瓦格纳最大的贡献就是让音乐动机通过调性上的对比和频繁转换，描绘出前人所未表现过的无数形象生动、情感丰富深刻的音乐画面，他把浪漫派的和声发展到了顶峰，除此之外，在配器手法上取得了突破性的创新，特别是在铜管乐器组的运用和扩大方面做出了极为突出的贡献 理查#8226;施特劳斯使交响诗赋予瓦格纳式歌剧的戏剧因素，把瓦格纳市的激情发展到了极限，转而用一种松弛的、技术高超的喜剧风格取而代之。瓦格纳“乐剧”的创作技法（调性的对比冲突）对施特劳斯的交响诗创作也有很大影响。在作品《查拉图斯特拉如是说》中理查#8226;施特劳斯借鉴瓦格纳这一创作手法，通过两个主要动机（代表大自然的B调和代表人的C调）的矛盾冲突，使音乐内部的紧张力度扩大，曲终B调和C调的反复交替出现，而未解决，也给听者留下了悬念。这种交响诗戏剧化的创作手法使音乐形象