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从形状到风格：艺术家探索和解释好的装饰性混凝土设计《从形状到风格：艺术家探索和解释好的装饰性混凝土设计》是由纳路特混凝土密封固化剂，环氧地坪漆编辑整理的。有一个着名的平装书被称为“风格的元素”由斯特福克和白色。许多作家珍惜它作为一个指导，清楚和简洁地写作，同时避免常见的语法错误。手册本身就是一个清晰的模型。?当我厌倦了参与市场营销艺术的伎俩，我在艺术画家背后有26年的工作室和艺术班。与世界画廊和评论家相比，什么承包商要我在地板上生产，是一种清新的常识。十五年后，我决定向承包商?-?学生教一些设计和组合的原则。了解艺术家对填充空间的看法真正有助于选择材料和结构。因此，我承担这一系列文章，介绍承包商的风格要素。?艺术家在他们的作品中使用两大类形状：几何（人造和常规）或有机（反复无常，常常是不规则的）。在艺术理论中，形状涉及艺术家如何传达他们的主题，包括现实的图像，抽象和无形的作品。康乃宾斯基，“即兴26（划船）温西康定斯基，“即兴26（划船）”，1912年，从120大抽象艺术画，由DoverP提供约翰·辛格顿·科普利（Chris Singleton Copley）在1765年完成的一只松鼠（上图）的男孩的肖像，是一幅逼真的图像的例子。整个照片都是锐利的，皮肤，毛皮和面料的纹理都是一样的。这个现实主义是收藏家和公众已经习惯了几个世纪。“无形的”并不意味着没有人反对这种风格的绘画?-?许多人也是大声的。但是，这并没有阻止艺术家使用符号或手势而不是摄影效果图来代表他们的主题。非现象绘画的其他术语是“非表示性”或“完全抽象”。?在1837年由尤金·德拉克鲁瓦（Eugene Delacroix）完成的自画像中，左边的所有地区都有一个松动的画笔。背景简单地用长笔画绘制，他的外套的细节只是建议。?Delacroix希望观众放大他的脸。在这里我们看到艺术的抽象开始。艺术家选择并强调他想要我们关注的内容。坎皮斯基（Wassily Kandinsky）于二十世纪初开始以形状和颜色进行即兴演出。在1912年完成的“即兴26（划船）”（左）中，我们看到一个非抽象的绘画的例子，几乎是无法辨认的。这种方法就像音乐家专注于新的声音和和弦进行，而不是忠实地再现一个熟悉的旋律。你可能会问为什么一个艺术家花费几年的时间才能画出无法识别的形式，以便仔细观察他们看到的内容。简短的答案是，这是一个很多的乐趣，而且在情感上往往更具表现力。无形的艺术没有一夜之间发生。花了将近一个世纪，但在悠久的艺术史上，确实是快速变化的。摄影进入图片在整个欧洲历史上，艺术家的作品是制作皇室肖像，并记录重要的历史事件。最好的艺术家是由富裕的顾客或教会付出的。绘画和雕塑具有重要的意义，并且传承了从老大师传来的沉重传统。然后，照相板的发明改变了一切。摄影的原则?-?通过针孔投影的图像可以在房间的墙壁上倒装一次?-?在470B.C.中首次发现。在中国。然而，花了几个世纪，开发了可以记录图像的玻璃板的便携式相机。在19世纪60年代的美国，马修·布雷迪（Matthew Brady）在内战期间成为我们第一位着名的摄影师。当摄影进入自己的时候，不想沉浸在新技术中的画家从现实的插图中解脱出来，来欣赏他们艺术的其他方面。这导致了被称为印象派的运动。对我们来说，印象派的色彩缤纷和蓝色阴影看起来完全是可信的。但在十九世纪中期，它被认为是令人震惊的违反社会契约的行为。一名记者指责印象派人士“在公众面前投掷一罐油漆”。那些日子里的观众并不习惯看到艺术家的笔触。颜色被静音并逐渐混合在一起。绘画的主题是一个人或事件，而不是艺术家对画笔，光和颜色的热爱。摄影之后的五十年间，广泛传播，一些艺术家甚至更加犀利，开始使用较粗的纹理和较大的纯色无瑕疵，像1905年（右上图）安德烈·德因的亨利·马蒂斯画像。这后来被称为表现主义。我们现在为这样大胆的作品支付天价，尤其是梵高，但是一般大众都不喜欢这样的实验。许多艺术家，如梵高，死于贫穷和耻辱。了解作品20世纪初的另一个运动叫做立体主义，由毕加索和乔治·布拉克（Juan Gris），马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）等人领衔。他们利用色彩，集中于摄影的停止运动效果。他们想要从几个角度立刻揭示其主体的基本几何。杜尚对他的“裸体降序楼梯”第二号臭名昭着。我发现这幅画很幽默，但是当时许多画廊的客人觉得他们无法立即认出的是对他们的智慧的个人攻击。我不知道为什么人们认为他们应该立即理解他们看到的每一张照片。艺术家学习形式和颜色，以他们的风格达到高潮。如果科学家提出长期的方程式?-?他们的工作的高潮?-?我们不明白，我们不会变得愤怒。也许是因为大多数人将艺术分类为娱乐，许多人觉得应该像迪士尼卡通一样无障碍和非发人深省。像康定斯基这样的非现实艺术需要更多的精力和想象力才能在观众身上。与我们考虑