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中国画笔墨语言审美价值及传播摘要：中国画的笔墨语言是中国画家在对生活的体验中，长期积累和提炼出来的艺术符号。这种艺术符号有着独特的审美价值，并蕴涵着深厚的民族文化精神。因此，中国画的发展潜在地促进了民族文化的传播。 关键词：中国画 笔墨 审美 传播 民族文化 20世纪初期，随着“西学东渐”，中国画受到西方绘画的影响和冲击。当时，国人为油画能够逼真地再现物象而感慨，要求用西洋画的写实、写生来改造中国画。笔墨作为中国画的个性特征，也成为讨论的焦点。后来，有关笔墨的争论，几起几落地持续了一个世纪。维护传统的人认为“笔墨是画家的情感象征，是画家的感情波动的记录”。反对传统的人认为“古人的笔墨在我们手中不是武器，而是阻碍了我们接近真实的自然景观”。谁是谁非，时间将会考验一切，但要正确认识笔墨，仍需对它进行全方位的深入研究。本文旨在探讨中国画笔墨语言的审美价值，并在分析审美价值的同时，引出中国画笔墨语言的一个新功能――传播功能。 中国画笔墨语言的审美价值 中国古代许多画家是集诗、书、画于一身的文人画家（尤其是元明清时期）。并且他们多数还参禅、悟道，时时把禅道观念折射到绘画中。于是他们并不关注笔下描绘的对象是否真实，而追求用笔在宣纸上形成的浓淡枯湿、轻重缓急、提按顿挫的墨色变化，他们陶醉于这种“如飞如动”、“高低晕淡”的笔墨关系中。并从中体味到笔墨的审美价值，认识到笔墨关系着作品的意韵和品位，甚至关乎作者的内在品质。 虚实相生是中国画笔墨语言的一大特色。笔墨的虚实效果与工具材料的特性有很大关系。中国画的生宣是渗水性好，受墨极度敏感的纸；中国画的笔有蓄水性强，能产生多种变化的锥形笔头。两者相加，即可承载笔墨表现的极度复杂而微妙的变化。画家通过调配锥形笔头水量的多少，可在生宣上画出浓淡相生、虚实相应的笔墨效果。中国画不但讲究一笔的虚实，更注重整幅画面的虚实关系。笪重光在《画筌》中说：“位置相戾，有画处多属赘疣。虚实相生，无画处皆成妙境。”说出了中国画对空间的审美认识，排除多余而无用的物象，因虚得实，使空白处皆成妙境。无笔墨或用笔松动、用墨清淡处，均为虚。用笔沉着或用墨沉重处，均为实。虚实相生，方成妙境。①所以古人云：“画在有笔墨处，画之妙在无笔墨处。”古人之所以如此看重画面的虚空间，与他们受道家思想的影响有关，认为虚灵胜于充实、简单胜于繁密，并把此观点视为中国画审美的一大指标。虚实观的确立和运用，增强了笔墨的表现潜力。 气韵是评价中国画笔墨语言的另一个极重要的审美标准。“气韵生动”一词最初产生于南齐谢赫的《画品》一书中，并被作为“六法”之首要标准。后来，气韵一直是中国画品评的最高标准。到了明清，气韵问题十分明确地落实到中国画笔墨表现的效果上，成为中国画笔墨表现形式中的统率性因素。如清代唐岱在《绘事发微》中认为，山水之气韵为天地之真气。而绘画中“气韵由笔墨而生”，且有“笔气”和“墨气”两种。“用笔不痴不弱是得笔之气”，“用墨要浓淡相宜，干湿得当，不滞不枯，使石上苍润之气欲吐是得墨之气。”可见，只要笔墨功夫到了家，在作品中达到笔墨形式上的和谐状态，画面气韵方生。范玑在《过云庐画论》中论笔墨与气韵的关系更直接，他说：“用墨之法在于用笔。笔无凝滞，墨彩自生，气韵亦随之矣。”意为画家作画时若有主观精神对笔墨进行促发，笔墨形迹中自然能产生富有气韵的完美效果。可见，气韵成为笔墨表现的最高境界。 是否具有书法的笔意关乎中国画笔墨语言的美学意蕴。中国古代画家许多擅长书法（尤其是元明清时期），于是，他们在绘画创作时，都不自觉地将书法的审美意识注入到中国画的笔墨语言中，并寻求书法用线的意味与具体物象造型特征的对应关系，强调画法与书法在用笔表现上的通神效果。如元代柯九思所说：“写竹杆用篆法，枝用草书法。写叶用八分法，或鲁公撇笔法，木石用折叉股、屋漏痕之遗意。”从此话中我们即可体味出，书法的用笔方式已成为画家们的共识，并确立为中国画用笔表现的主要法则，从而大大增强了中国画的笔墨意蕴。 中国画笔墨语言的传播 中国画的笔墨语言经历了无数画家的实践和研究，最终形成了具有独特审美价值的东方绘画形式。用笔讲究提按顿挫、疾速舒缓、穿插辑让、疏密虚实，用墨要浓淡泼破、含蓄蕴藉、精练儒雅、无斧凿痕。中国画的笔墨不仅仅是纯艺术问题，而且承载着浓郁的民族文化思想，从而造成它的传播功能的多元化。既有一般层面上的技法的传播，又有更高级层面上的对中国文化和审美取向的传播。 绘画技法的传播。中国画不同于其他视觉艺术门类的语言形式（如油画、设计、雕塑等），其笔墨语言的程式化特征较强，为世所公认。程式的形成与画家更多地关注笔墨的审美价值，而较少追求物象的真实性有关。中国画的程式，只要翻翻《芥子园画谱》就可一目了然：各种叶法、树法、点法、水法；