“青春”作伴戏为媒.docVIP

“青春”作伴戏为媒 　　从2004年4月至今的六年间,由白先勇制作,集合两岸三地文化界、戏剧界精英共同打造,江苏省苏州昆剧院演出的青春版《牡丹亭》,已经在全世界巡回演出了一百八十七场,观众人数达到三十万人次以上,在学术界及文化界产生了巨大的轰动和影响。可以说,该剧的演出堪称近年来中国戏剧界影响最大、最受瞩目的事件之一,更有论者将此概括为“青春版《牡丹亭》现象”。而该剧在制作、排练和演出过程中所体现出的昆曲教育理念和人才培养模式,也值得研究。 　　 　　激活“青春”传承经典 　　 　　昆曲艺术具有鲜明的江南文化特色,青春、俊秀、优雅的生旦表演与其艺术特色紧密相关。明清之际,很多文人雅士都曾倾情于那些年轻貌美的昆曲艺人的表演,纷纷文以赞之,不吝笔墨。张岱在《陶庵梦忆》中说:“余历年半百,小?葑孕《?老、老而复小、小而复老者,凡五易之。”可见,张岱为了保持其家班演员的青春化,甚至不惜花费重金,数易班中主角。而白先勇先生制作《牡丹亭》,同样也把“青春”当作了最大的卖点。 　　那么,何以要采用“青春版”的概念?白先勇先生有着一番独到的理解:“第一,《牡丹亭》本身就是歌颂青春歌颂爱情的;第二,起用青春俊美的青年演员来演出,这不仅与培养昆曲的接班人有关,而且与解决昆曲的传承危机也密切关联;第三,从观众学的角度着眼,希望借青春版的号召力吸引并培植大量的年青观众,向校园进军,走进大学,再争取走向世界;第四,归根结蒂是为了激活昆曲事业、昆曲市场,为了振衰起疲,企盼古老的昆曲剧种能恢复青春活力,希望昆曲的生命永葆青春!” 由此可见,“青春版”的制作理念与培养青年昆曲演员和青年昆曲观众的意图是直接关联、密不可分的。 　　回想当年,昆曲的演员在老化,昆曲的观众也在老化,昆曲艺术渐渐远离了现代观众的审美视野。因此,对于昆曲事业来说,既要培养青年演员,也要培养青年观众,因为这两方面是相辅相成的。如果没有足够的观众,演员就没有足够多的机会登台演出,其表演不经过舞台上的不断锤炼,也就不可能有所进步。《牡丹亭》是一部历演不衰的昆曲传世经典,的确是剧目上的首选。所以白先勇提出“青春版”昆剧的理念,就是意在借制作《牡丹亭》这出经典大戏,选拔和培养一批青年演员,以青春焕发、形貌俊美的年轻演员来吸引和培养年轻观众,激发起他们对青春和美丽的向往和热情,最终,完成古典美学与现代剧场的接轨。 　　在此制作理念的指导下,青春版《牡丹亭》在编、导、演等方面加入了一定的创意:首先在剧本修改上,剧组没有聘请专业的戏曲编剧,而是邀请台湾中央研究院中国文哲研究所华玮研究员等人共同组成编剧小组,将五十五折的原著精简为二十九折,分上、中、下三本,三天连台演完,自第一出《标目》到最后一出《圆驾》,总体上保持了剧情的完整性。其次,以往《牡丹亭》的诸多演出版本,皆以杜丽娘的旦角戏为主,而“青春版”还原汤显祖原著精神,加强柳梦梅的戏份,生旦并重。例如,突出了柳梦梅的《拾画》和《叫画》两折巾生代表作,合并成三十分钟的独角戏,与上本杜丽娘的经典折子《惊梦》和《寻梦》平分秋色,两相呼应。另外对于如何来完成“案头”到“场上”转变过程问题,白先勇邀请了有“巾生魁首”美誉的汪世瑜担任总导演。此举可谓匠心独具,因为一个演了五十年《牡丹亭》的“柳梦梅”,不但熟悉昆曲表演的各个层面,而且能够准确地把握昆曲的美学精神,有助于将昆曲的程式手段和写意性舞台调度有机糅合;其它方面,剧组还集合了台湾一流的创意设计家共同投入创作,如王童(美术总监、服装设计)、林克华(舞台、灯光设计)、吴素君(舞蹈指导)、董阳孜(书法艺术)等等。然而究竟怎样才可达到使文学剧本精美绝伦的情致呈现到舞台上这一目标,白先勇说:“我们一方面尽量保持昆曲抽象写意、以简驭繁的美学传统,但我们也适当利用现代剧场的种种概念,来衬托这项古典剧种,使其既适应现代观众的视觉要求,同时亦遵从昆曲的古典精神。” 　　由此看出,这样的制作理念与制作班底,为青春版《牡丹亭》的成功演出奠定了基础。从专业昆曲教育的角度来说,白先勇借“青春版”来培养青年演员,以戏育人,的确给剧团青年演员的“持续性”教育开辟了新的模式,提供了优质的保障。另外,与筹备和创作同步的还包括演员的系统化和个性化培训。 　　 　　“魔鬼”集训“拜师”学艺 　　 　　青春版《牡丹亭》采用的人才培养模式,与戏校模式和学馆模式“先教后学”的教学方式有本质的区别,其教育对象不再是对昆曲艺术一无所知的孩童,而是对昆曲表演积累了一定基础的青年演员,这便属于“先学后教”和“温故知新”的教学方式。2003年初,白先勇等一行来到苏州昆剧院,在商议制作青春版《牡丹亭》的同时,观看了一批青年演员表演的传统折子戏,从中选取了七位青年生旦演员作为杜丽娘和柳梦梅的候选人。这些演员出身于戏校,同时都有几年舞台经验