Monumenta独一无二与Daniel Buren“古怪”.docVIP

Monumenta独一无二与Daniel Buren“古怪” 　　巴黎大王宫（Grand Palais）这座一百多年前巴黎世博会的主会场，在见证那段法国辉煌历史的同时，为当今的艺术提供了极为重要的展示场地，每年一次的巴黎国际艺术博览会（FIAC），巴黎艺术展（Art—Paris）以及Mounumenta展等等。 　　一年一度的《Monumenta》在2012年5月10日开幕。这是世界上独一无二的展览形式，《Mounumenta》组委会每年都会在世界范围内挑选邀请一位当代艺术家在大王宫内13500平米，45米高的中殿大堂实现一件全新的作品。在如此庞大的空间里实现一件作品，这会让多少艺术家望而生畏。然而，从2007年的德国艺术家Anselm Kiefer，2008年的美国艺术家Richard Serra，到2010年的法国的Cristian Boltanski 以及2011年英籍印裔的Anish Kapoor，大王宫已经成功举行了四届《Monumenta》。特别是Anish Kapoor 2011年的作品《Leviathan》，在六个半的星期内接待了27万人的参观，创造了展览的辉煌成绩。 　　2012年，法国本土著名艺术家Daniel Buren来到大王宫，带来了他的彩色作品《Excentriques—古怪》，把观众带入到一个五彩斑斓的缤纷世界。上百个彩色圆形顶盖充满了整个T型中殿大堂。而这些半透明的红色、蓝色、绿色、黄色顶盖与黑白色的立柱彼此交错，却大小不一，貌似一片彩色的森林。这样的色彩造型无不让人联想到极简主义和抽象主义造型。然而，Daniel却是把这种色彩，声音，灯光，影效结合起来，完成自己的这个作品特色。这件作品在白天的自然光线和夜晚的灯光下呈现出不同的视觉效果，而当游客身处这件作品中时，艺术家安置的37种语言的音效装置把参观者又引入到另外一种作品体验，正如这件作品的类型“travail in situ—现场作品”那样，一切作品的理解和欣赏只有在作品现场才能实现。 　　Daniel Buren1938年出生在巴黎近郊的Boulogne—Billancourt市，他从60年代中期开始用白色或是彩色的竖条纹进行视觉艺术创作，常常用一些工业化相互交错的垂直布条，艺术家通过对这种载体有感应的严格缩减，带来一种关于绘画的或是关于表现方式的更宽泛的反思，也是关于艺术家参与其中的物理空间和社会空间的反思。他的作品有条不紊的提问关于接纳它和被构思的场所—有关这个??代艺术术语“现场作品”（travail in situ）的特性，同时开展容纳作品的方法结构和内容与形式比例的绘画性根本研究。 　　多年来，尽管Daniel的作品常常被批评家们尖酸刻薄的数落，但是1986年他依然在巴黎著名的皇宫花园Palais Royal实现了备受争议的作品《两个平台》，同年，并代表法国出征威尼斯双年展，捧回了金狮奖。去过巴黎卢浮宫对面皇家宫殿花园的朋友一般对Daniel的这件作品并不陌生，那就是坐落在这个花园庭院里的黑白条立柱，它们高低不同的有序的占据了整个院落，正是因为这样的展出方式，让许多的游客流连穿梭在这件作品之中，从不同的视角去观看解读这件作品。 　　解读Daniel的作品，我们可以通过三个特征领略：颜色，现场和光线。 　　颜色：Daniel的作品中无处不在。纯色块，这样的色彩经常出现在观念艺术和极简艺术中，Daniel努力摆脱色彩的抄袭应用和装饰性鉴赏，说明他完全恪守自己的论调—“从一定的方法上而言，艺术从来没有中断过对装饰的关心”。在使用一些工业化的预制条纹布以后，他开始自己在布或是纸上印制多种色彩的条纹，甚至印到一些像玻璃、木头、金属或石块等材料，去营造自然或是电子的光线。 　　现场：现场艺术的概念从1965年就融入他的艺术创作中，这意味着他的作品诞生在它所处的位置上，而不是在工作室实现到展厅展示。他通常同时带来一些图像经验和快速的对比，例如“绘画环境似乎一直比绘画本身更重要更丰富”或是内容的决定性特征没有经过争论被遗忘或是被忽略还是被接受，正所谓“作品自己会说话”。有一种观念抵触着Daniel的这种反抗，“地点作用于作品，这是一种强大的方法，即使是美术馆也要服从于作品的这种约束和牵连”，也经常深深地触动着他展出的作品。 　　通过“现场艺术”这个概念，他试图颠覆这种关系，最终作品自身转换成了现场。正因为这样，作品应该简单扼要的回答：观念、制作、展览三者应该被场地制约，有效地在其现场位置上实现。这个方法意味着工作室的消失和习惯尺寸的弃用，一直到展览结束“现场”都几乎是不可避免和替代的因素。 　　光线：所有这些作品材料的色彩（透明的，半透明的或是反光的）和光线是不能被存放和描述的，同时，形状和影子以及恰到好处的色彩无时无刻不在转换着作品和它的环