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从自身创作浅谈中国现代艺术作品个人独特性 　　21世纪以来，我们逐渐从宏观论述的宏观叙事的集体意识转向对日常经验的、个人生命的体悟的艺术表达。中国艺术家们的创作内容及情感逐渐由主流主宰的艺术形式转向以纸笔为媒介表达自己情感世界或者日常生活等内容的创作形式。每一个有意识的画家都在逐渐摸索一条符合自身艺术思想的创作道路。作为一个在校艺术类的研究生，我也在努力向各位优秀画家和大师们学习，同时在不断摸索一条能够表现自身意识的方法以及寻找某种符合内心世界的表达媒介。 　　相信每一个初学者对专业内涵的理解都是懵懂的，只是努力地虚心向老师学习，临习古人绘画的方法，阅读中西绘画发展史，缕清历史发展的脉经。我们作为新的一代未来的艺术家还是稚嫩的，创作意识还不够清晰，创作方法还不够成熟，还需时间的打磨和历练。在这些年的学习和创作中，我也深感时间阅历为我们创作中带来的各种益处。 　　在朱景玄《唐朝名画录》中： 　　“伏闻古人云，画者圣也。盖以穷天地之不至，显明之不照。挥纤毫之笔，则万类由心，展方寸之能，而千里在掌，至于移神定质，轻墨落素，有相因之以立，无形因之以生，其丽也西子不能掩其妍：其正也嫫母不能易其丑。故台阁标功臣之烈，宫殿彰贞节之名。妙将入神，灵则通译……此画录之所以作也。” 　　在《中国艺术精神》中作者认为这段话最大的意义是强调出绘画“实乃补天地之所不至不照”的创造性，而非凡是模仿自然。在古人的画录中都提出了这样的观点，并有很多画家按照自己的意识进行创作，而非机械地模仿自然。我们现代艺术家更需要体现出自己在创作中的能动性，不然艺术创作就没有任何意义和价值可言。 　　在2007～2009年期间，我的艺术偏向于一种探索，不断地探索。2009年开始由一种意识激入脑海，我应该画自己想画的、想要表达的，一直以来我都认为我应该好好练习基本功，不太敢有新的尝试，不知如何往下进行。直至最后一年我才真正意识到我真的该创作自己的东西了。那年我画了一批工笔荷花，单纯的只是为了想画而画，抛开了顾虑，之后又创作了了四五张工笔人物，每一张都需要很长时间的打磨，慢慢地我发现搞创作并不是一件难事，重要的是你是否愿意去做是否正在做。在离开学校的两年里我认为我自己进步很快，我把之前从老师那里学到的知识重新温习，用于创作。然后大量的翻阅画家们的各类作品，主动地吸收值得我学习和借鉴的地方，观展的时候不再是匆匆而过，而是在能吸引我作品前逗留、记录，回去再花时间分析学习。这是在艺术学习道路上的一个成长过程。 　　2011年进入研究生院我开始把技法研究放入到我的绘画创作中，经过1年的创作实验，我了解了自身擅长和不擅长的，努力在创作中扬长避短，发现新意。 　　一直以来我对插画都有着很深厚的感情，一方面从小它就伴我成长，另一方面我喜欢有故事内涵的作品。这么多的插画大师里，我比较欣赏捷克的插画大师阿尔丰斯?穆夏。使我近期的一些作品不管在形式上还是在色彩上，也受到了他的一定影响。 　　穆夏的创作经历几乎就是“新艺术运动”的一个缩影，他的创作涵盖了招贴画、油画、雕塑、书籍插图、建筑设计、室内装饰、首饰设计、彩色玻璃窗画等许多艺术领域。而其中他那些被称为“穆夏风格”的招贴画展现了成熟的追求、极端唯美的新艺术曲线装饰风格，几乎成为新艺术招贴画的同义词。穆夏的作品对后世的商业绘画有着极大的影响并曾经在二十世纪六七十年代重新掀起一股热潮。看过穆夏的作品，你就会明白解放前流行于上海滩的美女月份牌和日本漫画中甜美的女性形象是从什么源头而来的了。 　　穆夏的作品吸收了日本木刻对外形和轮廓线优雅的刻画、拜占庭艺术华美的色彩和几何装饰效果，以及巴洛克、洛可可艺术的细致而富于肉感的描绘。使作品具有很强的形式感，运用柔和而有力的线条和温暖贵气的色调把人物、自然、人造物三者很好的结合，在冷暖色调对比上能尽量做到恰到好处。他用感性化的装饰性线条、简洁的轮廓线和明快的水彩效果创造了“穆夏风格”。经过他的加工，所有的女性形象都显得甜美优雅，富有青春的活力，有时还有一头飘逸柔美的秀发。他的画面常常由青春美貌的女性和富有装饰性的曲线流畅的花草组成。 　　在我的绘画中借鉴了他的一些形式感的东西，在画面结构“稳”的状态下尽量在色彩上寻求新意。抛开具象的写实，运用人物简化的方式寻找画面中的曲线美；主观的在内容上赋予每一张画一个故事，使画面具有情节性。人物的肤质表达也运用西方的光影效果。把西方绘画的光影和插画插图的构图和形式感结合，再运用中国画的一些表达和技法来描绘想象出的内容。我认为这种结合让我在创作中自由了许多，也颇有收获。同时也越来越坚持自身的观点，艺术创作必须个人化，这样艺术作品的表现才会更加生动和真诚。 　　一些青年艺术家提出《中国新人类?卡通一代宣言》：“我们有机会和条件去追求我们的想法及理想的生活方式，是你们上辈老人家