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中国画的美学特征 中国画的美学特征（意境、格调、气韵） （一）意境 在中国绘画理论中，把作者思想感情的表现叫做“意”，把画面形象叫做“境”，二者的有机结合便形成意境。 对意境的理解是中国画创作与欣赏的基础，特别是在文人画中，意境往往是评判画品高低的关键。 中国意境具体体现在以下方面： 1、比兴 “借物咏情”或者“以物喻人” 2、诗中有画，画中有诗 中国画特别是文人画,常常是诗画相结合,具有“以诗为魂”的美学特征,把诗作为画的题材,把画作为诗的背景。 王维，文人画的始祖，本身既是大诗人，又是大画家，他的作品被誉为“诗中有画”“画中有诗” 3、书中有画，画中有书 中国画特别是文人画，不是描，不是画，而是写。绘画中运用的笔法和书法相通，书法的笔墨变奏、骨力、风神、气势、韵律、刚柔、起伏、缓急、张弛，构成了中国画的意态美、动态美和含蓄美，使绘画获得笔墨之外的形象和意境，达到画以外的灵动和气韵。 4、以形写神，得意忘形（最高美学原则和审美理想） “以形写神”最早由东晋人物画家顾恺之提出，强调线是表现人物形合神的载体，准确的形和美的线条能使人物神气溢出。顾恺之的传神理论成了中国人物画的最高审美原则。 “以形写形”强调绘画对象的神似，最早表现在山水画的审美中，在宋代院体花鸟画中得到了完美的体现。 “写意传神”强调笔墨简练，重在取神，不求形似。 5、简约空灵 中国画美学传统中有空灵、简约之美，空是虚，是无，是静穆；而灵则是实，是有，是灵气。简约是说寥寥数笔而意趣盎然，即以其简化的线条传达极其丰富的意蕴，从而使人想象于无穷。 中国古代文人画深受儒释道三教的熏陶，具有澹泊旷达的胸襟，超然物外的人生观和宇宙观，他们的绘画观是自我与自然的两相浑忘。因此中国的抽象写意绘画体现为人与自然的和谐。 (二)格调 中国画的笔墨技法规律称为“格”，由技法的运用所形成的情趣韵致叫做“调”，意境统率格调，格调表现意境。 1、用笔——书画同源，以线造型（最基本和最重要的技法） 中国画用笔与西洋画用笔最本质的不同在于绘画认识论的渊源不同，中国画植根于诗词和书法，追求的是意境，西洋画植根于建筑和雕塑，追求的是空间感和立体感。 2、用墨——水墨为上，墨分五色 笔墨是中国画独有的特征，也是中国画的精髓和魅力之所在。传统中国画的基本工具是笔墨和纸绢。 画画时主张以墨为主，以色为辅，用笔时线条几乎都是墨线，色彩只起到辅助作用，中国画去掉色彩画面照样十分完整，而去掉墨线，便不成其为画了。 墨分五色，最浓曰焦，次曰浓，次曰重、淡、清,指由浓到淡的各种层次。 破墨，指以淡破浓，以浓破淡或以水破墨、以墨破水，使画面墨色浑然，虽一片墨水，但其中有浓淡变化，互相渗透。 积墨，是指一次又一次，都等干后再染，积之使其深厚； 泼墨，指用墨如倾，随笔挥洒，再随机应变，加以整理。 3、设色——随类赋彩，色不碍墨 “以墨为主，以色为辅。色之不可夺墨，犹宾之不可夺主也” 北宋王孟希的千里江山图 三、章法 章法，即构图，或经营位置。强调虚实相生，置陈布势。在中国画中，不论山水、人物、花鸟都十分讲究取景与构图，取法自然，决不对称。 1、取势 （1）“三远法” （2）“以大观小”山水画 “以小观大”花鸟画 （3）散点透视法：中国画家不像西洋画家那样站在某一位置不动，只画眼下所见的对象，而是不受时间和空间的限制，把各种景象融汇于尺幅画面之中。 李唐宋万壑松风图 2、虚实 在中国画中强调虚实相生、以简胜繁，达到虚与实的高度和谐与对立统一。 3、无法而法，乃为至法 即学会了前人的方法以后，形成自己的方法，自己的方法似乎无法——不因袭任何前人，但又处处符合审美的最高原则，这就是最高的法，也是最高的章法布局。 北宋王孟希的千里江山图 四、气韵 1、六法 传统的中国画理论主要是从魏晋时期由谢赫提出来的较为系统的六法论，即气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写。他是在总结前人经验的基础上，最早确立了绘画的美学体系。六法以气韵生动为首，气韵即神韵，是衡量艺术的优劣的标准 2、四品 朱景玄《唐朝名画录》，提出：神、妙、能、逸四品 逸品，就是无法而法，随心所欲而又处处符合规矩，无需苦心经营，而是天生而就，效果出乎意外，而且无法临摹复制； 神品，精心刻画，得到了自然对象的精神本质，如画松的苍劲挺拔之气； 妙