解析演奏者的音乐思维.docxVIP

　　一幅景色秀丽的油画，山中有水，水中有山，相映生辉，富有神韵，引人入胜。 　　一首好的音乐作品，也应如此。 　　演奏者作为二度创作者，把作者的创作意图、音乐思想透彻地理解后并完美地演奏出来，使欣赏者与之产生共鸣，这应该是一个较复杂的过程。 　　演奏者拿到一首作品，最先需要理解的是作者及创作背景。 　　一首乐曲是由不同时值、不同力度的音符组成的，就像颗颗珍珠被串成项链一样。 　　在串的过程中，演奏者对音乐作品的旋律、节奏、和声以至力度、音乐等方面要具有一定的想象能力。 　　从心理学角度讲，想象分创造想象和再创造想象两种。 　　作曲家通过艺术创作，将不同音高、音值、音量、音色的乐音按一定形式组织在一起，借以表现丰富的思想感情和内容，这一过程中运用的是创造想象。 　　演奏家通过对作品的理解和感受进行艺术再创作，运用所擅长的乐器，真实而创造性地将作者的乐思再现给观众，这一过程运用的就是再创造想象。 　　对演奏者而言，音乐再创造想象有两个含义一是对作品的意境、形象的想象，二是对作品声音的想象，是以原有表象或经验为基础而创造新的声音形象的心理过程。 　　所谓表象，就是客观事物留在人脑的印象，分听觉表象、视觉表象等。 　　内心听觉这一心理过程在很大程度上受原有表象的数量和质量的影响，也就是说，原有想象越多、越好、越鲜明，音乐再创造想象的内容就越丰富，内心听觉能力就越强。 　　所以，演奏者应该多听，而且听的范围要广些，数量要多些，质量要好些。 　　对演奏者而言，内心听觉的培养和训练尤为重要。 　　音乐是声音的艺术，无论用语言怎样来形容和描绘都代替不了音乐，音乐凭听觉器官来感受、认识，不同音响组合具有不同的音乐表现意义。 　　培养内心听觉能力是为演奏服务的，演奏者是让听众欣赏的，没有充分的技术手段把思想感情表达出来，就不可能感染听众。 　　同样，如果没有正确的构想和内心听觉，再好的技术手段也不可能得到准确的运用。 　　演奏者用内心构造的画面去引导自己的演奏，不断地追求和完善乐曲的表达。 　　这一练习的过程有了目标，从而增加了演奏者的兴趣，激发了演奏者极大的演奏动力。 　　演奏者演奏作品进行艺术再创作时，必须酝酿形成一定的内心听觉，用内心听觉指导演奏。 　　演奏者在演奏作品之前，就作品的曲式结构、力度、音色、音质等也应有一个全面的思考和想象，只有这样，才能使演奏真正富有艺术感染力。 　　演奏是为了表现作品的感情，而作品的感情靠声音来表现，演奏者演奏作品时将感情、声音、技术紧密地联系起来，对将演奏的作品形成良好的内心听觉，以情带声，以声传情，达到演奏的最佳状态，力求完美地表现音乐，并与听众融为一体。 　　所以说，内心听觉的培养和形成是在积极想象的基础上，将演奏与思维、想象相结合，为塑造完美的音乐形象服务的。 　　什么是思维呢？思维是人的大脑神经系统活动中的高级的、复杂的认识活动，是解决各种问题的重要的、关键的心理活动。 　　在乐器演奏中，要使演奏进入较高的音乐艺术境界，演奏者必须具备良好的音乐思维。 　　我们常常会遇到这样的情况在学生的专业测试中，同一首作品由两个学生分别演奏，结果是大不相同的。 　　一个学生音乐表现力强，从其演奏的第一个音开始，老师就感觉出他是很有想法的，具有很灵敏的音乐思维，乐感素质强。 　　另一个学生在演奏中却常出现错音，声部之间的节奏、速度脱节，不协调，演奏缺乏应有的表现力和感染力，从表面上看演奏进行顺利，可是给听众的感受却是枯燥无味。 　　这种现象的出现，除了演奏技巧的问题、经验不足、心理紧张、注意力不集中之外，关键在于演奏者的音乐思维反应迟钝、不灵敏，手中的乐器是与演奏者分离的，演奏仅仅是一个乐器操作的过程，死板沉闷。 　　这说明了演奏者的乐感素质太差。 　　著名钢琴家傅聪曾讲没有独立的思考就不可能成才，任何真正的艺术都是从那里头出来的。 　　良好的音乐思维不是与生俱来的，它是一个漫长的受各方面因素影响的潜移默化的过程。 　　一个从小学习乐器的孩子，从第一天学琴开始，就应该有计划有步骤地训练他的音乐思维能力。 　　例如，学习钢琴演奏，一般先要学习弹奏的方法、每个手指的弹奏姿势、力度等。 　　练习的过程也是音乐思维训练的过程，无论弹奏小作品还是大的作品，都应该有音乐思维，对于弹奏音符的音色和力度、乐句的呼吸和节奏等方面都要重视，要有自己的想法节奏是否符合乐曲风格特点的表现；是否服务于音乐内容的形象；乐句强弱色彩是否有对比；乐句呼吸是否做得从容且有层次变化；速度是否按每一乐段具体要求来体现；每一乐段的音乐表情是什么；演奏整首乐曲的音乐线条是否清晰；连音是否做得到位、连贯；乐曲中跳音是否在手指和力度控制上有讲究，有弹性；华彩乐句技术与音乐流畅性是否统一等。