音乐课题研究论文(五篇)：音乐表演的真实性探讨、浅析双簧管演奏的体会….docVIP

音乐课题研究论文（五篇） 内容提要： 1、音乐表演的真实性探讨2、浅析双簧管演奏的体会3、关于西方民间音乐发展状态的思考4、小议西路庐剧的音乐表现风格5、声乐作品中词曲关系研究 全文总字数：14844 字 篇一：音乐表演的真实性探讨 音乐表演的真实性探讨 近年来的学术实践也表明，音乐表演首先是一种体验性的艺术，实证性研究在认识论层面的价值固然令人信服，但其最终无法全面涵盖表演艺术直接触及人类情感体验的实质机制，因此，从音乐表演艺术本体论角度深入把握其可知可感的内在规律，是这一学术领域继续掘进的必然要求。 国际音乐表演理论的研究，自20世纪80年代之后，体现出“传统的历史研究逐渐与分析哲学、美学、心理学等研究方法结合，越来越体现出多样化的跨学科性质”②。尤其是非西方音乐表演理论研究的介入，使这一学科的研究视域逐步跳出欧洲经典音乐理论的框架，非西方音乐表演艺术的“作品”及其体验特质，不仅充实了传统表演艺术理论的分析素材，而且在理论视角上也进一步饱满化，于是，针对音乐表演实践的艺术真实性问题，率先成为这一领域的理论焦点。其具体表述是“相对于‘作品’，如何表演才算是真实”。按照彼得?基维的说法，所谓音乐表演的“真实性”包含四层含义:一是忠实于作曲家的表演意图;二是忠实于作曲家生活时代的表演实践;三是忠实于作曲家生活时代的表演音响;四是忠实于表演者个人原创性的而非仿效的表演方式。③基维的提法，突破了19世纪古乐复兴运动所设想的围绕作品展开的音乐存在观念，将其延伸为作品、作曲家及其所处时代的表演结构。 可以看到，国内外音乐表演理论，其出发点不同，但都有整合实证分析与主观阐释理路的趋势。如何“合理”、“正确”地演奏一支弦乐四重奏，才能符合作曲家海顿的创作意图，重现18世纪的表演技巧和音色?这已经不是一则表演者必须照搬的铁律。在特定时空中创作产生、流传的音乐，并不一定需要把在特定情形下设计出来的力度、速度、音色、语气固化下来，作为绝对精准的模本去重现;更不用说，附着于音乐背—后的表演氛围、听众期待、表演价值等历史存在物，更是难以捕捉并固化的。约翰?凯奇的《433″》要求钢琴家在一定时间内静坐在钢琴面前做“无声”的表演，每一场的观众听到的是不同的现场声音:呼吸声、观众席的骚动声、演奏厅中轻微的回响等等，这时候，何谓表演文本、表演符号、表演声音，乃至表演的作品?如何重现这一作品的“原貌”?这些问题顿时会导致一种理论上的虚无，也可以说，颠覆了以往文本意义上的重构作品真实性/原貌的思维动力。凯奇采用的是一种极端的做法，但他对浪漫主义时期以来围绕西方音乐作品形成的“本真表演”的实证传统提出了反思。此外，作为一种表演体裁，爵士乐的表演，也对传统意义上的“本真表演”和“作品”提出了挑战:当每一次表演时，音乐素材的呈现主要来自乐手们当下的音乐感受和表达习惯时，固化的文本和实践概念再次被消解或重构。 与西方古典(实际意指“经典”)时期以来对表演文本、实践和真实性重构的历史认识相对照，中国语境中的音乐表演，更早表现出这种独立的历史存在。对历史时期曾经存在过或流传下来的中国音乐如何看待?如何付诸实践?如何评价其实践?传统中国音乐家或者历史典籍，对这一问题基本上采取了稳定连贯的态度。即所谓“五帝殊时，不相沿乐”。数千年来形成的针对古乐的表演传统，连圣君治下的贵族音乐都要求有不断更新的解读，何况是主要以娱乐形式存在的民间世俗音乐?所以说，20世纪以前的中国音乐表演对象，“变动性”是其主流性格，定谱、定腔、定声只不过是一种时间片段存在，一旦表演功能、场合、表演者有所变化，表演文本就会合法地流动。从这个意义上看，中国20世纪以前的音乐表演传统，恰恰为西方自1800年以来确立起来的与表演有关的观念和概念，提供了极有价值的参照对象，也成为西方音乐表演理论开始反躬自省的思想资源之一。 这样的学科进路可以有多种选择，也可能会出现具体理论描述与实践上的复杂冲突。一首作于18世纪的康塔塔，能否仅仅参照艺术观念、复古乐器、声音想象等因素在21世纪的当代中国得到合理的重构?或者反过来假设，一首明代民间小曲是可以根据上述相同的因素复现于西方音乐厅?这样结果的“真实性”显然令人置疑。也就是说，产生于不同时间、不同空间的艺术“作品”中的异质性因素不是那么能够轻易重构的，其最关键的问题根本不在于上述表演诸因素的组合，而是如何把握人类音乐体验的超时空性。准乎此，则18世纪和21世纪的东西方音乐听众，是有可能在类似的作品或表演实践过程中获取相近的音乐体验的。 于是，海顿的交响乐，凯奇的先锋音乐实验，巴赫的康塔塔，明清无名氏的小曲，经过上述因素的细致考证分析，给以跨时空艺术观念的反复探究、协调，会产生对当代人真实而有意义的艺术体验。所以，文献的、思想的、乐谱符号的、情感体验等方面的分析与阐释