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绘画的中西方差异 绘画的中西方差异 从绘画来浅论中西方文化差异 20世纪人文科学研究的一大特点是比较文化或是比较文明，而当我们从文化的视角放眼全球的时候，对于本土文化与西方文化我们又要如何的去认识，这对于我们来说很重要！如果要全面的论述中西的差异，有太过于庞杂。所以，我就从绘画这一方面来浅论中西文化的差异。 从总体上讲，中国艺术体现出强烈的写意性、程式化和整体性、运动感，追求内容与形式的高度和谐。西方艺术则体现出强烈的写实性、科学性和真实感，在追求内容与形式的和谐的同时，常常也表现出偏重形式的倾向。中国艺术的所谓的写意，是以主观表现为出发点的艺术表达方式，即以不同的艺术形式描绘客观事物在作者心中的投影，以意统形。不求形似，但见气韵，追求意与境的和谐的交融转换。而西方的艺术呢，其写实性的特点更为明显，西方艺术的美学致思总是趋向于认识外在世界的合规律形式，总是竭力强调满足视听真实之美，更注重外在客观世界的捕捉。这些，都能在绘画中捕捉到一些端倪。 绘画作为中国传统艺术的主要形式之一，历来受到文人的关注和喜爱。中国的画家们流连山水，但并不对大自然做一笔一画的模仿，并不关心对象的数理形式。他们追求的不是“形”，而是“神”，追求的是天人合一。他们所要表现的是那个为意念构造的表象世界，恰是“胸中之竹”，而非用感官捕捉到“眼中之竹”。中国艺术家力图通过有限的笔墨传达“韵外之旨”，“味外之味，不以再现自然、悦人眼目为目的，而是重在“立意”，使作品成为画家修养、人格和情绪论的载体。所以中国画历来偏重表现作者的感情，注重抒写主观感受，不过分强客观，画家所画常在“似与不似之间”，不受拘束。顾恺之《洛神赋图》中的山水景物刻画, 具有“传神”的意义, 为使他们的意趣得以传达而存在的，而决非一般的装饰背景。自然的山水景物千姿百态，能够以丰富的形态进入艺术家的审美知觉，撞击主体的心灵。明朝唐志契说过：“山性即我性，山情即我情，水性即我性，水情即我情。”指的就是画家要表现自己的真性情。这就是我们说的以形传神。 而西方的绘画，是模仿自然，坚持以反映客观为尺度的真实感的原则始终不放弃。“艺术三杰”之一达芬奇说过：“最可夸奖的绘画是最能形似的绘画。”西方人持着天人相分的观点，要求画家以纯客观的方式来把握自然，即画家所画一定要与他所看见的保持一致，用眼睛看见的东西就要画出来，画苹果的话，他不可能画成方的。不断地将客观物质世界一分为二，强调客观地表现现实对象，在于真和美，真指对象的真实、环境的真实。亚里士多德是“模仿”说的代表人物，认为模仿自然是一种求知的认知活动。出于求知的目的，人们把自然模仿下来，创造为艺术。显然，艺术以现实世界为蓝本，模仿的惟妙惟肖、成功地发挥认识功能是其目的。这就西方人所说的以形绘形。 写意的中国绘画里，有自身一套的相应的形式和技法，其标志就是散点透视和用线造型。这我们可以追溯到原始彩陶那时候，中国的原始彩陶的图案变化除了体现出一种有具体形象向抽象图案的表现历程，也有表现出用线造型的倾向，成就了中国艺术散点透视最可靠的基石。中国画不论描绘山水、花鸟人物都离不开线条的运用。画家们总是靠粗粗细细的线条来勾勒造型，然后敷以颜色。这些颜色有时是单黑的，有时是五彩的，它们往往也会被精心区分出干、湿与浓，而这些差别一般都不会被明显地强调。中国画常常是要让观赏者从并不丰富的色彩层次中去领略世界的五彩斑斓，去想象物体的凹凸远近。这种感受不是来自视觉直观，而是依靠了联想和想象的参与。中国画在描绘对象时往往要做人为的夸张与取舍。画家所营造的空间介于二、三维之间，画面的空间透视不用焦点透视，用的是散点透视，而且不那么讲究人体各部分的比例关系，可以用想象的真实来替代视觉的真实。张择端的《清明上河图》就是采用了散点透视的长卷代表，整幅画所表现的完全是移动视点的自由观察，不仅突破了空间的限制，而且呈现出某些时间艺术的特征。中国画在造型的手段上始终以线为主，面为辅，努力把以线为主的构成手段发展到了极致。 而西方的绘画，则是对景写生，要求对象、光源、环境、视点四固定。其画作中的物象界限不是用线条来区分，而是用色彩的深浅、光线的明暗来表现。通过这些色彩的精心运用，画家可以表现出物体的明暗差异，物象的体积、质感和空间感，以及物体在一定光源照射下所呈现出来的视觉效果。西方绘画总是刻意强调色彩的丰富性与结构上的差别。它所追求的，是在色 彩的冷与暖、厚与薄、深与浅、淡与浓等多组关系中，营造出直观的视觉效果。西方艺术努力扩展具象描摹的表现力，为了达到再现客观现实的艺术，西方艺术还广泛的借助了科学手段，几何学、透视学、解剖学、光学、甚至是数学的知识都被应用其中。达芬奇非常强调透视原理对绘画的重要意义，其《蒙娜丽莎》能够描绘出真实