钱宪倓——抽象与造型.doc

邱汉桥作品赏析——抽象与造型不于局部的描画并不意味着对局部的忽略，在强调整体气势的同时，注意某些细节的精到，譬如他很注意干大笔扫，至梢头笔又十分讲究，似不经意中透出苦心经营，远取其势，近取其质，而达到整体讲求大势局部严谨准确磅礴寓精微的视觉效果。也能游刃有余地出大幅画气势依然很大，气旺神畅能达到于此主要取决于早年严格的技法训练，厚积薄发方能笔无妄下，从心所欲不逾矩。 邱汉桥国画作品 《金湖湾放歌》 中国画的造型问题，一句看上去很简单的“似与不似”，却包含了中国文化最重要的中庸思想，它把写实与写意、抽象与具象、表现与再现之间的关系，很深刻地揭示了出来。它要求画家不能静态地、纯客观地看待描写对象，太“似”就媚俗了但又不能离开客观对象，“不似”则欺世。所以在这个“似与不似”之间，有一个非常微妙的“度”。这个“度”，在物理学上叫“张力”。 “似与不似”的造型观念也体现了中国画的写意精神写意是中国画的本质和核心。写意不是简单地去描绘含混不清的图像和意念，也不是表达似是而非的所谓“形象，而是通过具有人文精神内涵的笔墨，书写一个画家在对民族、时代、社会、自然、文化等进行深邃的体察之后所形成的一种精神、一种意识、一种凝练的感情。因此中国画对造型的要求不同于具象的描摹和抽象的“不似”，形象和物象在中国画里只是一种载体，重要的是表现超乎形象之外的人的感情和内在的气质，表现心灵深处的幽情。和任何一种画种相比，中国画是最抒情的艺术，因为它重视人之精神的直接抒发。 在审美取向上与传统文人画的“萧淡简远”拉了很大距离，艺术不能人云亦云，“吸收传统”。他的画与明清文人画在表面形式上确实有所不同，但总体审美范畴没有滑出“文人画”的传统。他强调用笔、用墨要雅，用色也一样。色难，艳而不俗更难，颜色要用得亮，要雅，要透明，要大气。他认为他还是走在“传统出新”的路上，只是明清以前的东西更多一些而已。认为现在的时代能够纵览古今中外的东西，古人能吗？其次，他的个人气质也和他人不一样在认识问题的方式上与他人也显得不同，他重视生活，画生活画感受，画生活的精神实质，画自己的精神，自己的思想自己的见地艺术是要表现自我的，就想与前人、同辈人在形式上拉开距离，但是他固守的又是中国传统文人画的精神。每个人的路都不一样的，他从这条路走觉得是可行的，别人走可能不行每个人的情况不一样，这是客观存在强求不得。 邱汉桥国画作品 《圣山绕祥云》 在争论中发展，在怀疑中前进，是从20世纪一直到今天中国画的生存状况。但中国画在今天无疑也是一个类似春秋战国那样群雄起的时代，黄宾虹、齐白石、徐悲鸿、都是比肩前贤的重要人物。对于我们这个时代的画家来说，战术上虽然各异，走的路不同，但“条条大路通罗马”，战略指向仍然是为中国画拼杀出一块生存的空间。认为中国画还是要强调传统，坚持文人画书写的表现方式，从不用制作之类的手法。当然有传统不一定画得出好画，但一张好的中国画一定得有深厚的传统这不光是个技巧问题，最根本的是思想，其精神包含“胆识、悟性、学养”。 说，当下中国画最值得关注的是如何在新的境下，用新的形式固守传统文画的精神这也是他一生的守望。现在，中国画坛有两个方向背离这种传统精神的倾向：一是高调“创新”，为新而新，这是以抛弃的方式背弃。我们需要的是在现代意义上的守望，用现代的形式来固守传统文的笔墨与精神。处在21世纪，整个社会是信息社会，好多情况无法预料。作为视觉艺术，中国画处在一个大变革的时代，变很重要，变则通。个人考虑是，中国画一定要变，要用变的形式来固守和弘扬传统的民族文化精神。