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砚庄网语 （摘自中国书法网，稍有改动） 临习与取法 “世界3-世界2”：传统书法是世界3，而书法传统则是世界2 英国学者卡尔?波普尔认为存在有三个世界。第一世界是包括物理实体和物理状态的物理世界，简称世界1。第二世界是精神的或心理的世界，包括意识状态、心理素质、主观经验等，简称世界2。第三世界是思想内容的世界、客观知识世界，简称世界3。 我认为传统书法是世界3，有那么多的书法作品和那么多的书法理论书籍。它依赖世界1而存在，但它呈现给我们的实质是世界3；而书法传统则是世界2，它是精神的、心理的、意识的、经验的。 正如人类社会不是人与人之间的简单集聚，书法传统也不等于既有作品的简单累加。王羲之、颜真卿、米芾、赵孟頫、董其昌……他们的作品，这些间断的作品是传统书法中的一部分，但作为书法传统又“超越”了这些作品本身。传统是一个整体，而且是一个活的、连续的整体。 然而，独立的书法作品又是怎样上升到传统的范畴呢？拿数学做比方，间断的传统书法作品是坐标系中的散点，而书法传统则是由这些散点虚拟而成的连续的曲线。这也可用放电影来做比喻。一张张间断的拷贝，若静止不动地放在我们面前，我们所看到的也只是拷贝而已。一旦它们在放映机中被连续不断地放映出来，由于我们视觉的瞬间保留映象的特征，于是我们看到了整体故事情节。如果说独立的书法作品是一张张间断的拷贝，那么书法传统就是具有整体性的故事情节。由独立的书法作品上升到传统的范畴，是我们大脑的认识功能的产物。 因此，书法传统不同于传统书法，更不是某几件书法作品。它不是固定的板块，它是不断发展变化的。 “自我复制”：只有较高级别的物质形态，才具有自我复制的机能 （关于中国书画的临摹） 我总以为临摹是中国书画艺术里面非常突出的一种现象。 前段时间和朋友们讨论绘画中临摹和写生这个话题时，有人说，西方的绘画不太主张临习前人的作品，这使我想到了达芬奇。他说：“画家如果拿旁人的作品做自己的典范，他的画就没有什么价值；如果努力从自然事物学习，他就会得到很好的效果。”他认为画家应该是“自然的儿子”，如果临摹旁人模仿自然的作品，那就变成“自然的孙子”了。但中国书画一开始就非常强调临摹，这里面一定有它的理由，也就是继承的必要性问题。 书法是人的产物，所以我基本地反对书法本身有所谓的发展规律。 书法又不完全和人类一样，比如人类从个体上讲，其“复制”的结果好像是没有办法控制的。女人怀孕时，谁也不知道未来的孩子长得更像父亲还是更像母亲，好像只有上帝才知道，一开始可能就被决定了，回也回不去了。 相比而言，书画的临习对象可以经常地变更，主观能动性在这里是可以发挥作用的。 但无论如何，中国书画还是有“自我复制”的性质的。 这个“复制”过程和文学、音乐学习过程差别很大，因为你总不能抄一遍“人间四月芳菲尽......”，就自豪地说把白居易的风格完全掌握了。在书法学习过程中，你要是达到了非常接近原作的程度时，肯定有很多人羡慕你。——是不是书画的学习与运笔动作密切相关的原因呢？我说不明白。 从存在的进化论上讲，只有较高级别的物质形态，才具有自我复制的机能。 物理物质（质子、中子、电子、中微子等基本粒子）是不能自我复制的，化学物质中的无机物和简单有机物也是不能自我复制的，只是到了脱氧核糖核酸才具有了自我复制的机能。 我非常感兴趣的问题是： 1）一旦某种形态的物质具有了自我复制机能时，是不是只有通过这种方式才能维持其种类的发展？ 2）复制这种方式所保留的“时间积累”下来的核心部分应该是什么？ 3）书法的复制到底在复制什么，既然它是如此的重要？（因为我们没有找到哪位书法大家不是从临摹开始的） 4）复制了什么才可以称为“神形兼备”？“有形无神”指的是什么？“但见神采，不见形迹”是什么意思？ “门槛艺术一开始没有自由可言艺术是追求自由一开始没有自由可言，有一个门槛，有一个约束，有一个基本的语言平台，谁都要过这一关。就像唱京剧，得让人感到你是在唱京剧，而不是陕西民歌；又比喝啤酒，第一次真的苦哇、怪味儿，就觉得好喝；又比跳芭蕾舞，要能用脚尖站起来。不一定恰当的例子很多。所以一开始书法的法是别人定的法度，只有到了一定阶段，这个“法”是自己的方法了，那才自由。总之，还是句老话，要由“必然王国”走向“自由王国”。 “非取法乎上”：不是只有从“天下第一行书”才能走出“天下第二行书” （在 [列叙时人]“于明诠”帖中的发言） 我感到，要讨论于明诠的书法，不能仅仅从他的作品本身及其技法就事论事，而应该首先从观念入手。观念上不交流，笔墨语言的交流往往说不到一起去。 我是本期[列叙时人]的主持人之一，又是老于的朋友，我不想就老于的书法水平高低作个人的评价，而是尽可能地思考他的艺术观念、观点，进而到创作方法，从历史的角度，从现实的角度，看看他的这个路子是不是