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人工剧团 　　经典是什么？历史长河中的经典会一直存在下去吗？经典被赋予的人文价值和精神内涵是如何在艺术作品中得以体现的？透过艺术家张巍的影像和对其的采访，让我们看看存在于我们每个人思想意识中的那些经典，在艺术作品中是如何被一步步消解入无，又是如何涅磐而重生的。 　　一种没有粉尘没有碎屑的消解正在悄然发生，就如同一场没有硝烟的战争，这是当代艺术对现实经典的解构过程。有的艺术家仍在做着传统美学的卫道士，而更多的艺术家则纷纷揭竿而起，成为更具个性的思考个体，于后者来说艺术家张巍更具有代表性。 　　张巍初学的是油画，而在采访中谈及世界影像领域里艺术家的作品及风格却如数家珍。这种大步的跨跃，让张巍转身成为了影像艺术家——当然这一转身并不如何华丽，也非仅扭动一下身体那么轻松。如果专业背景称得上正统，那么转身就要经受得了脱胎换骨的疼痛。这也是先锋艺术必经之痛，要外解传统，必先自我涅槃而后重生。 　　因着对摄影的酷爱，张巍忍痛一转十余年，这期间摄影与生活只能算是惨淡经营。在影像圈里，像张巍这样的艺术家已经是很成熟的艺术家了，有自己明确的拍摄方向和风格，还可以申请到一些拍摄项目的基金，然而其工作与生活状态依然不尽如人意。“我现在每年的收入基本只能是维持日常生活和创作，靠摄影发财是不可能的。对于喜欢的人来说，能卖得出作品，能够坚持做得下去，有钱能开拍就已经很幸福了。”张巍如是说，言语中透着满足。 　　然而，作为当代艺术最先锋的观念摄影，受到如此际遇，这也是摄影之痛，摄影人不免同病相怜。“但国际上的影像收藏已经热了起来，只是在中国不一样，大家目前还是更认同绘画作品。”张巍对影像发展的国际大环境依然抱着比较乐观的态度。 　　正是这种态度与坚持，让张巍找到了自己的艺术语言与风格。“以人为本”是张巍影像创作的长线，从最初的创作中张巍认识到自己最感兴趣的是人，之后便抽丝剥茧，专注于以人为主的创作。《人工剧团》个人风格承接便源于此，且更追求“画面简单，背景单纯，以突出人物本身。”而这组作品是要追根溯源，还是因为艺术家骨子里恋着油画艺术语言的形象造型？像《人工剧团——不知名妇女肖像》以及《人工剧团——未命名的习作》都取材于经典油画。 　　因为摄影是比较写实的技术，张巍把拍摄《临时演员》时积累下来的200多个肖像经仔细挑选和电脑后期拼贴组合，将油画中的人物和我们不曾亲眼见过的政治人物、明星，再现得栩栩如生。这就是当代影像艺术对经典的解构与消解，说是简单，打破了的经典，需要艺术家用非凡的艺术才能和完美的艺术形式，以及时间来粘合，从而建立起新的艺术风格与时代。 　　“作品制作时让人物大小更接近于真实比例，更像一幅摄影作品，要让人感觉像真实的照片又有些不像，一张奇怪的照片背后，是为了让人产生更多思考，但又要让人忽略电脑后期技术的因素”。作品中的每一个细节组合都需要作者认真推敲，以符合最后的观念定位，推导出自己独特个性的作品。 　　个性化发展是当代艺术的特点之一，而个性中也总会有共性的堆积。采访中张巍也谈到，不管我们是如何保持独立的思考，总会受到周围环境的影响。“我这种拼贴的方式，古斯基把这称为‘绘画摄影’。杰夫·沃尔也是这种拼贴手法的大师。”“中国摄影群体里目前细究起来，每种风格都能找到影响的出处，每位艺术家都会经历这个过程，当经历这个过程后就会找到自己。在找到自己的主线后一直走下去，才能走出去”。 　　《数码摄影》：您是什么时间开始《人工剧团》创作的？ 　　张巍：是2009年开始的，之前《临时演员》作品拍摄积攒了很多人物素材。当时是在北京电影学院租了个摄影棚，拍选20～30个临时演员，希望能拍出一组自己认为有力量的肖像照来。简单的化妆，拍摄也很快，还给点费用，所以在电影学院门口接活的人群中很快就传开了。那段时间正好是在过年放假前，做临时演员能接到活的也不多，结果来了200多人。看大家来了又不好不拍，很快身上的钱全部用光了，最后自己只能借钱回家过年。 　　《数码摄影》：把这么多普通人的肖像组合到一起，这样的作品意义在哪里？虚拟化名人又有什么寓意？ 　　张巍：融合，把中国普通人融入到原本经典图式中。我最初想法是由此而产生，即把现实生活中的人拿到艺术创作中来。当时我在网上找到了一张希特勒的小照片，就用素材人物的局部拼出了现在新形象，感觉挺好玩。虽然融合之后的形象也非常像原来的经典图式，也表现出经典的样子，却是虚拟的身份，这表现出来的是普通人的图景。 　　《数码摄影》：一幅作品中通常会用到几个人物照片素材？ 　　张巍：不一样，像其中一幅大概用了7～8张人物的面部形象合成。 　　《数码摄影》：形神兼备的效果，如何得以实现？ 　　张巍：后期。胶片，数码化扫描，电脑拼贴合成。这些作品头发、眼睛、眉毛都不是一个人的，甚至双眉都是不同人的眉形