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一种“陌生化”体验的十种讲法 　　作者简介：王杰泓，武汉大学文学院博士后，武汉大学艺术学系副教授、硕士生导师。本文系作者作为策展人为“方式?方言――湖北美术学院当代油画十人展”（2010年3月于湖北美术学院美术馆）所作的序。 　　 　　在“当代艺术”日益沦为“艳俗”、“恶搞”、“反架上”、“后现代”、“图式复制”、“点子竞争”的代名词的如今这年月，事实上，艺术正不可避免地走向庸俗，走向了与生活的“同一化”――机械、单调而没有新意。正是在此意义上，我曾在《杜尚、博伊斯与当代艺术的强迫症气质》、《观念艺术：“讽喻”的历史哲学》等文中明确指出：当代艺术的最大问题不在背离“架上－审美”传统，也不在“语言-图式”创新性的匮乏，而恰恰在于其自身作为一种“陌生化”存在之批判与救赎特质的缺失。艺术可以复现生活而写实，表现生活而写意，当然也可以疏离生活而抽象化、观念化，但从根本上讲，艺术与生活的关系是异质的，伏根于某种人生匮乏体验（如情感匮乏、精神迷惘、信仰失落等）的艺术，究其实质是对生活的不满与批判，而原本平淡无奇、淡乎寡味的生活也借此获得了一种被美化和被救赎的可能。 　　以此对艺术最朴素的定位为切入点，张立红等10人的当代油画展呈现出一种共通性的可贵的探索气质。他们出生于科班，但甚少学院气；有男有女，但执著于从“我”出发、聚焦于创作“兴奋点”的寻找抚平了性别的差异；成员中既有遭际坎坷、阅历丰厚的70后，也有初生牛犊、无知无畏的80后，但在对艺术抱怀一颗赤子之心、敬畏之心，述写个人特定的“陌生化”体验方面却是殊途而同归的。 　　张立红的作品延续了其在《无所谓》、《有什么》包括《蓝水》系列中的实验性，对确定性主题风格和一种赖以安顿自我的“兴奋点”的寻找使得他的创作同时充满了不确定性，暧昧而难于释读。诚如他自己所说，除非再画个几十张、达到一定的量，否则结论为时尚早。张作喜欢遣用树根、新生儿、青春少年等原本代表生命最纯朴、生动状态的形象入画，但是，瘦削的体形、惊颤的眼神以及蓝、灰、殷红的敷色处理提示着生命的“受伤”。不过与青春残酷绘画有所不同，艺术家的“受伤”体验并不外在于画面，其仅仅呈现为一种只可意会而不可言传的淡淡意味，画面的语言表达本身是第一位的。有意思的是，这样一种个性化的摸索反倒使作品产生出“居间”的新质，即在“恋根”意向与“受伤”体验之间，在青春绘画与技术主义之间，进而言之在观念意向与画面语言、确定性与不确定性之间，艺术家自觉不自觉地把握到了一种平衡，从而令作品呈现出相当的艺术张力。 　　纪辉的作品源于对“文化间性”的理解与思考。作为艺术创作者和社会之一员的“两位一体”，他借用中国传统的形式符号元素，并将其置换到架上油画的创作中，人物的肢体、动作与表情在臆造的山水时空里被悄然放大，写实递渡为写意，宁静中夹杂着荒诞。无疑，艺术家企图借中西艺术语言符号的“嫁接”来审思不同文化间的矛盾冲突以及相互融合的可能。如此之技术处理同样产生出一种居间性和陌生化的效果：作品已非常态的水墨山水抑或架上油画，而是穿梭于中西两种图像之间、游离于两种艺术形式的边缘，个中所裹挟的对传统文化与西方文化、个体人与社会人、现实与理想、记忆与梦幻等等诸如此类的芜杂体悟，启人遐思。 　　画面是思想的形态学。解读王顺刚的作品无法回避其介入意识与观念诉求，但是，与时下热衷于猎巫、猎奇、猎艳或者沿袭光头、大头、卡通图式不同的是，他的作品表现出一种简洁的叙事性。主题上，艺术家关注外部物质世界挤压下个体的生存状态与情绪体验，并且择以一种讲故事式的直白方式直呈这种体验。而在画面的处理上，他将人物尽量缩小、不作细部特写，将色彩压缩至极简、近乎单色，同时“故意”运用溅、洒、刮等手法，造成粗糙的“坏画”感。此外，作者很注意作品命名的趣味性与直观性，譬如《骑墙记》、《找天使》、《莫名的兴奋》、《不高兴的鸭子》等，然而，简洁而有趣的命名恰恰反衬出主题的灰色与忧郁，正如作品形式的轻松与直观实质在转喻内涵的沉重与压抑一样。 　　韩继中自谦是画画的后学者，但这反而给他的创作带来一种“意外”的单纯与质朴。他的作品以单色（如绿、黄，或蓝）为主，突出精细的手工描绘。无论是含苞待放的麦子，葱翠欲滴的叶子，抑或是类似于茎叶状的臆想中的麦枝，画家均耽思一虑，一笔到底，一色到底，力求画面整体的极简与静穆。然而，刻意的手工无掩于艺术家观念的诉求：作品中的麦子一律呈透明状，宛如塑料而迥异于生活中我们所见的充满生命活力的麦子――这是对生存“异化”的某种提示。倘使我们进一步将一个个单幅平面连缀成一组有变化的图像（就像看电影那样），从黄到绿再到蓝，我们似乎还能从画面形象的更迭、递渡体味到画家心理的纤微变化，其中包含着他对用色的理解，也包含着一种对生命复苏的渴望…… 　　风景入画是中国山水画的传统，而范洪涛的