关于器乐演奏中声音的“起音”研究.docVIP

关于器乐演奏中声音的“起音”研究 　　摘要：本文以“起音”为主要探讨对象，通过对不同时期的作曲家、不同的作品阐述了“起音”的重要性。通过对“起音”的种类阐述了其对音乐作品的影响。通过对演奏者的意识及其出发点的论述，以及历史背景的不同简述了“起音”的进化发展过程。最后具体到当今“起音”在实际的演奏中的分类及其演奏方法。 　　关键词：起音；发音；乐器进化；演奏者；作品风格；演奏 　　 　　关于“声音”可以感知的三个部分是“起音”“中间音”“尾音”。借助于这三个部分，演奏者可以尽情地发挥其对音乐的表达能力。如果几种乐器同时录一个音，消除或者剪掉每个音的开始部分，识别到底是哪一种乐器发出的声音就会很困难；如果改变“音头”和“音尾”的顺序的话，识别到底是哪一种乐器发出的声音基本上就不可能。所以“起音”和“音尾”是声音的两个最重要组成部分。 　　许多音乐著作对“起音”的起源有着不同的诠释，而许多的读物和诠释对音乐符号方面都有相互矛盾的地方（包括意思的不同见解，“重音”“保持音”的演奏方法等等）。事实上争论来源于是否应该重视“起音”――这个自然声音中内在不可分离的一部分。 　　相同的一个音乐作品，由不同的乐团演奏会给听众带来截然不同的听觉感受。很多时候区分一个乐团演奏水平的高低，最明显最直接的感觉就是：作品的齐奏开始以及每个声部乐段开始部分是否能统一的在一个点上，所有的乐器所有的声部一起发音。即使这个乐队是由多位高水平乐手组成的。 　　一、分析各时期的作曲家的作品以说明“起音”的重要性 　　在演奏德彪西、勋伯格、韦伯、梅西安或者其弟子的作品时，就会发现“起音”在其作品中变化的频率非常高。在当今20世纪的音乐作品中我们很难找到一个统一的“起音”的特点。 　　在多年的教学生涯中，通过听音乐会和唱片，通过跟音乐专业人士的探讨，我发现对音乐的不连贯演奏、对音乐作品不足够诠释的演奏、用不协调的乐器进行的演奏等很多时候都不是音质的问题，而是“起音”的使用不得当。 　　这一结论很快就改变了我教学的着重点。因此，我对掌握“起音”的演奏花了很多时间去研究。 　　我现在明白：用钢琴演奏柏辽兹或者瓦格纳的作品出现的音乐方面的不合时宜之处，用弦乐器或者木管乐器演奏斯卡拉蒂或者肖邦的作品出现的不合适的地方，用竖琴或者风琴演奏爵士乐的不适之处等等。这些不适之处主要的原因就是：作曲家在创作作品时往往是有针对性的，针对某种乐器、某种音乐风格。所以说声音本质的特点是随着“起音”的改变而改变的。 　　二、“起音”的种类及其对音乐作品的影响 　　声音的开始可以有多种方式：可以简单正确地发个音，如：元音（a、e），或者较重的（te、ke）、较柔和的（se、fe）、带着嘶嘶声的（sh、je）音。发送气音的（ha）、爆破的（pa）、短的（st、sk）等等。 　　一些乐器演奏“起音”非常容易，有些则很难。如果一种乐器能够演奏不同的“起音”，或者每一种乐器有同样的、大量的、都能够听的懂的演出曲目，这就应该引起我们的重视。 　　不幸的是，大部分乐器只能演奏简单、准确的或者敲击的、僵硬的起音（如打击乐器）。有些乐器要花费极大的技巧和努力才只能演奏很大的，嘶嘶声的声音（如木管乐器）。其他的如铜管乐器，演奏微弱的没有“音头”的起音就相当困难，因此其音乐表达能力就显得很有限。 　　“巴洛克”时期的音乐就存在着一个问题，很多乐器无法重新演奏出他们同类乐器演奏出的“起音”。 　　主要原因是： 　　1)他们都是不同时期制造出来的乐器。 　　2)当时的乐器制造水平不可能和今天相比。 　　3)除了制造技术外，其制作的材质（用弓拉的弦乐器，铜管乐器和木管乐器的吹嘴）、演奏者的技巧等都随时期的不同而有所变化。这些所有的改变都归功于“起音”的内在特点。因此，当时的音乐作品的难易程度以及对于音乐的表达能力和今天相比都显得不足。 　　三、演奏者的意识及其出发点 　　值得特别注意的是，大家对古典音乐风格判断的特权不是运用了什么类型的“起音”，这不符合我们判断的标准。以爵士乐为例：对一个特别连音的“起音”选择对于演奏风格来说是具有关键性和决定性的。 　　古典的发音方法看起来更加缜密，或许是因为非常仔细地对其进行了推敲润色。在一种比较老的、严格的传统之下，它要求的不仅仅是每种乐器所有音域的相似“起音”，而且还需要对“起音”进行严格的限制（这一点我们可以跟能够在所有乐器上演奏的大量的“起音”做比较）。 　　另一方面，每个时代都会出现其流行的乐器（管风琴、小提琴、长笛、钢琴、萨克斯、电吉它等）。每一个新兴的乐器与其早期的乐器相比，“起音”的演奏变化范围总要更多些。 　　每一种乐器都有其各自不同的特点，因此作曲家进行创作、编写的风格也就各有千秋。既然是这样的话，只有从音乐乐句的话