音乐剧声乐作品中戏剧理念研究.docVIP

音乐剧声乐作品中的戏剧理念研究 　　摘要：音乐剧声乐作品本质是一种音乐化的舞台语言，它与话剧台词的艺术要求标准一致，也讲究像说台词一样直接、自然、规范的发声，讲究通过对歌词、音乐的感受和理解，用“动作”表现出人物的思想情感和性格特征。从音乐剧声乐作品中的戏剧理念论述入手，揭示音乐剧声乐作品与话剧台词在艺术要求和标准上的共通性，阐明音乐剧声乐作品演唱及其本身的戏剧内涵 关键词：音乐剧；声乐；戏剧理念；舞台语言 中图分类号：J832；J617 文献标识码：A 文章编号：1004-2172（2016）03-0110-05 “如歌抒咏”――这是一般歌曲留给人们的印象，但音乐剧中的歌曲作为剧中人表达思想情感的舞台语言，不只具有抒情功能。戏剧包含人物情感、故事情节、和戏剧冲突，其中每位人物都独具个性，故事情节的推进具有快、慢、松、驰等各种节奏变化。因此，音乐剧中的声乐作品除去它本身通俗易懂的现代音乐风格特征之外，具有着与话剧舞台语言一致的戏剧特征 在话剧舞台上，语言是揭示人物思想、刻画人物形象、交代情节、展示矛盾冲突、感染观众的重要手段，规范的语音、声音、语言逻辑基本功，是保证演员准确创造出人物形象的必要条件。作为舞台语言的声乐演唱，其艺术上的要求和标准与话剧舞台语言的要求一致，具体地讲，就是音乐剧演唱时的呼吸、共鸣、吐字状态的基本功与话剧演员的要求一致，即话剧演员说话时气息落在什么位置、怎么运用，唱歌时就该落在什么位置、怎么运用；话剧演员说话时声音的共鸣位置在哪里，唱歌时就应在哪里；话剧演员说话时唇、齿、舌怎么吐字，唱歌时也怎么吐字等。音乐剧声乐演唱的目的不是展示声音、技巧，而是表现人物，通过声音和形体动作，把人物的内心情感外化、放大或细化。本文将从“自然音域的规范发声”“情动于衷而形于外的戏剧表演技巧”和“为人物说话而作的音乐”3个方面，论证音乐剧声乐作品所体现的戏剧理念 一、自然说话音域的规范发声 我国声乐教育家沈湘曾指出歌唱时“字在中声区的共鸣状态与生活中说话比较接近”。美国声乐教育家维克托1947年的畅销专著《训练歌声》中也多次引证了歌唱与说话发声方法相似的观点。上海戏剧学院音乐剧声乐教授崔瑞英也曾指出音乐剧演员在演唱时“要将吐字结合通俗唱法，更接近自然的说话状态”。纵观音乐剧的声乐作品，其演唱音域主要集中于中、低声区，即人声的自然声区，体现出与说话发声状态密切相联（参见表1）。在舞台语言的教学中，非常重视鼻、咽腔的基音共鸣训练，通过发出犹如病中呻吟或小孩撒娇般的/ng/音，来体会基音的共鸣声源，从而再在此状态的基础上发出其他语音。在发/ng/音的过程中，我们会明显感到头部，包括前额、面颊、唇以及咽喉内部和胸部的震动，而所有这些被震动的部位正好就是基音的共鸣声源，当它们都被有效激活并上下贯通时，就能发出最佳状态的声音，这也正是音乐剧声乐演唱时的声音共鸣状态。音乐剧常用的“Belt（实唱）”演唱风格，是以胸声即自然说话的音域为基础，要求元音音色的明亮和声音位置靠前，与话剧舞台语言的艺术要求和标准是一致的 在音乐剧最发达的百老汇，音乐剧的声乐理念就是“歌唱就是夸张的说话”，音乐剧通常要求演员在说台词与唱歌曲之间来回转换，如果演员说话是一种音色，唱歌又是一种音色，就会引起观众听觉上的不舒服，破环剧情的连贯。因此，音乐剧的声乐演唱要求以近似说话最自然的声音状态来歌唱，讲究前齿、唇、印堂等靠前、集中的发声共鸣位置，并以富有气息支持和情感的明亮音色作为审美标准，即它和舞台语言一样讲究着气息、共鸣、吐字的规范。不同于歌剧，很多获奖的音乐剧演员，他们都并非声乐专业出生，而是影视剧演员或话剧演员出生，比如中文版音乐剧Mama Mia（《妈妈咪呀》）女主角唐娜的扮演者田水，百老汇原版音乐剧Once（《情难独奏》）男主角盖伊的扮演者斯蒂夫ks Misérables（《悲惨世界》）沙威的扮演者罗杰，才会为本是影视剧、话剧专业出生的演员在音乐剧舞台上脱颖而出，制造了可能 作为舞台的语言，最基本的艺术要求和标准是“气沉丹田”“字正腔圆”，台词必须说得语音纯正、吐字清晰、声音圆润响亮、达远持久，才能让观众听清、听懂、感人。音乐剧声乐演唱首先要让观众听清、听懂，就必须首先做到吐字清晰，有气息支持的规范发声 二、“情动于衷而形于外”的戏剧表演技巧 作为舞台的语言，另一个重要的艺术要求和标准就是要把剧本台词的思想感情准确的表达出来，才能使台词变成演员发自内心的舞台语言，才能塑造性格鲜明的人物形象。在音乐剧声乐作品中，歌词就是台词、就是剧本，如果仅是做到口齿清楚、声音洪亮，是不足以准确表达人物情感的，像一个歌手那样，简单站在那里的演唱方式，缺少了语言与思维的内在联系，演唱便成为缺乏戏剧内容的外在形式 （一）运用舞台