装置艺术的发展.pptVIP

裝置藝術 李方浩 呂嘉賢 ? 2003 何謂「裝置藝術」 「裝置藝術」是由傳統雕塑的三度空間，發展至四度空間。將展出的環境、空間和時間因素，加添作品內。有時候，甚至需要觀眾的參與，繼續發展變化，作品才能成立。 裝置藝術的發展 「裝置」本來並不算是一種藝術形式，它只有安裝、擺置的意思。一般多用於談論室內設計，有如：安裝、擺置家具陳設等日常活動。 到了歐洲啟蒙時代，當時盛行的「珍品閣」(curiosity cabinet) 現今博物館的前身，收藏者蒐集各類的自然及人造珍品，再加以系統化的分類、整理，然後擺置其中作欣賞之用。 在一個人為空間裡，人們把蒐集回來的物件加以安排放置，重新分類和研究，無形中把自然界的形而上意義加上了人類的理性詮釋，為物件套上人為的意義。 「裝置」被認定為一種「藝術活動」，還是二十世紀初的現象。 在1920至1930年間，德國藝術家舒華特 (Kurt Schwitters)，把大量從生活中撿來的零碎物件裝砌到自己的畫室中，把畫室的空間不斷處理和改變，形成了一個立體的裝置空間。 嚴格來說，這些只是一些較特別的手法展示作品的前衛實驗。 從「裝置活動」到被認定為一種「裝置藝術」，套用近代美國美學家狄奇 (George Dickie) 的說法： 「裝置」這活動被某個藝術機制賦予一種藝術地位，以供(機制內的)人鑑賞。 某類「裝置活動」不斷被藝術機制所同化，變成藝術界內的產物之一。 據美國 藝術索引 (Art Index) 的目錄分類， 「裝置」一詞在1978年以前仍屬「展覽方法」(exhibition methods) 一環。 直到第廿七卷 (1978年11月至1979年10月的一期)開始，「裝置」一詞才添上一重新意義。目錄上除了刊有 installation (methods) 一欄外，還增加了 installation (art) 一項。 並指出相關範疇包括「環境藝術」(enviornment art)；「合成製作」(assemblage)；「地境」(earthwork) 和「觀念藝術」(conceptual art)等項目。 香港藝術館在1994年雙年展，也正式增設了「裝置」之比賽類別，直接認可了它的藝術地位。 裝置藝術的特質 「非永恆性」和「非商品性」的創作觀念 六十年代末，藝術家跟畫廊和藝術館的鬥爭。否定了藝術的「永恆價值」和「商品價值」，承接了自杜象 (Duchamp)以來的反美學傳統。 歐美藝壇一致深信：只有作品的「非永恆性」和「非商品性」得以確定後，藝術家才可以保障創作的「純粹性」和「自由」，免得被時下的商品文化和藝術建制所操控。 強調「展示 / 創作策略」 畫廊的承襲，加上藝術家的怠惰，似乎一開始便把「創作」與「展示」的邏輯分割開來，「裝置藝術」的出現，某程度卻把兩者再次連繫起來，把展示的邏輯再次納入藝術家創作領域。 「裝置藝術」把追求「完美作品」的目標，轉移至探討多方面的「展示 / 創作」策略去。 忽略傳統藝術創作「技巧」 傳統藝術形式的創作核心，很大程度上都集中於處理「作品」的內在特質，作品的精煉程度亦等同於藝術家的成就。 「裝置」多是「混合素材」的產物，沒有一套特定的技術規範，藝術家大可自由地運用各種物料、物件或物象，利用相應合適的「技術」，甚至以自創的手法把媒介物取捨、併合、重組過來，令展示物以展示空間變成一組意義生產的處境 (site)。 「裝置」的反收藏和「非永久」特質，說明了它忽略「技巧」的原因。 觀眾角色的轉變 觀眾去看「裝置藝術」展覽，是一個意義塑造的過程。觀眾不是被動的接收者，在有限的展覽時空，他們要對本身的感應與經驗加以詮釋，否則他們便與該裝置的物象空間絕緣。 「裝置藝術」所強調的，就是它與涉獵的社群和文化環境之關係。這些關係除了由藝術家首先透過其創作建立外，還須由觀眾去協助發揚。若觀眾也接受這個看法，觀眾也成為裝置的創作人之一。 Robert Street The Children of Commodore John Daniel Danels (1796-1865). 本港裝置藝術家：文晶瑩 「裝置藝術」對小學美術教學的啟示 學生學習方面 「裝置藝術」追求創作的「純粹性」和「自由」讓學生能盡情發揮自己的創意，以表達自己的看法和感受。 「裝置藝術」忽略傳統藝術創作技巧，對於提升觸覺型及綜合型學生的美術興趣有很大幫助。 「裝置藝術」強調與社群和文化環境之關係，能加強學生對身處社會文化和問題的關注。 教師教學方面 「裝置藝術」透過特定的場景、空間設計、創作，帶給參與的人群藝術的氣氛和感動。若教師於日常教學中，也能運用相關的理念進行教學，將更能推動與學生的學習互動關係，提升教學效能。 * 例如：1915年，俄國構成主義藝術家達連 (Tatlin)於牆角的位置安裝了一組立體的構成