国外造型艺术光使用.docVIP

国外造型艺术光使用作者：王毛子 单位：河南师范大学美术学院 在油彩步入西方美术舞台之前，色彩斑驳的镶嵌画是中世纪绘画的主流，玻璃、陶片和彩色石块因光而设，相互铺陈，具有强烈的象征意义。在意大利拉文纳的圣维塔尔教堂中，《皇帝查士丁尼与他的廷臣们》和《皇后迪奥多拉与她的侍从们》堪称马赛克镶嵌画中的杰作，画中人物均成正面横排、没有表情的程式化造型，直立在灿烂的金黄色背景上。查士丁尼大帝头部的光圈造型隐喻了其对基督的信仰，并借助马赛克材质的闪亮光泽，夸张色彩与明暗变化，象征性的表达了王权的庄重、神圣与永恒。在艺术创作中，画家们总是梦想能够用纯粹的光线来绘画，中世纪的教堂玻璃彩画工似乎首先做到了这一点。当光线通过彩画玻璃窗穿透教堂浓厚的阴影投射在圣像之时，折射出壮观、震撼的光影效果，预示着明、暗、投影将组成萦绕整个西方绘画史的三位一体。 理性之光随着对光线传播等物理特性的进一步了解以及透视法则的利用，中世纪晚期的绘画中开始出现深度与投影。在意大利画家乔托于1306年创作的湿壁画《哀悼基督》中，作者在画面中展现了某种令观者身临其境之感的幻觉真实。1452年，意大利人法兰切斯卡在阿雷佐壁画中第一次出色的诠释了光与影的关系，在《康斯坦丁之梦》中，天使手中十字架的光线在年轻人的面庞上投射出一道影子，盔甲的影子投射在士兵脸上，逆光突出了士兵昏暗的身影。中世纪末期壁画画法的性质不能很好表达光亮，但是绘画中光与影的运用得到进一步强调，预示着艺术家对光的追求将贯穿西方绘画发展历程。 尼德兰早期文艺复兴画家杨凡爱克在前人的基础上对绘画材料进行革新，创制了一种更加完善的油彩溶剂。他在对光与空细致入微的描绘中，画面完美的表现出光线流漫其间的空间。作品《阿尔诺菲尼夫妇》中，杨凡爱克运用细密画的写实形式和微妙的光线处理，真实细致的刻画了一对年轻的新婚夫妇和房间内的陈设，从窗外斜射入的光线照亮了分支吊灯，吊灯上燃着的蜡烛在天花板上投下一小片暖光，挂在墙壁上的凸透镜投射出的影子反映了新房的整个内景，从投影中可以看到房间内还有画家和另一个在场者。 杨凡爱克对自然光线的研究表现，成功丰富了油画写实技巧，进一步开发了绘画的光、色视觉效果，把15世纪尼德兰绘画推向崭新的历史高度。文艺复兴盛期意大利艺术巨匠莱奥纳多达芬奇在《绘画论》中对光、影、色的关系有着深入的研究理论:“坐在暗室门口的人面部的明暗显得格外迷人，人们看到的是他的面部阴影引入室内的幽暗之中，而受光部分出现的微光，使面部的明暗加强，从而大大地增强了立体感和美感。”《蒙娜丽莎》之所以具有超时空的神秘魅力，也许正是由于作者在画面中明暗法(光与影的对比)的成功运用，完美的诠释了光与影。在壁画《最后的晚餐》中，达芬奇独具匠心地运用光线来处理塑造故事发生瞬间的人物的精神状态，犹大处于阴影之中的面部以及退缩的动作都暗示着叛徒的阴暗心理。尤其值得注意的是，作者并没有在耶稣和其门徒的头上画上光环，这在当时的宗教题材画作中属于首创，证明达芬奇将耶稣拉下了神坛，认为他是和我们一样的凡人。但是耶稣身后溢满光线的门窗仍然暗示着光之子的精神象征，由神到人的人文主义思想的勃兴在达芬奇的画作中初露端倪，瞬间与永恒、现实与理想在其作品中得到高度的统一。 随着19世纪现代光学理论和实践的进步，印象主义画派以创新的姿态登上历史舞台。以莫奈为代表的画家们一头扑进大自然的怀抱，直接在户外阳光下写生，在绘画中研究和表现外光的瞬间变化。印象主义画家通过眼睛的直接观察和感受，在画布上表现自然界微妙的光色变化，而新印象主义根据“色彩分割”的光学原理启示，对光的研究倾注了更加科学、机械的注意力。乔治修拉的点彩画法将光与色彩之间的视觉联系在绘画中的分析推到了极致，力在寻求一个纯粹由光与色构成的视觉世界。对色彩的成因与光的物理性能的科学掌握以及摄影术的发明，使人们掌握了通过机械快速捕捉现实光影的技术。绘画艺术何去何从、绘画模拟自然的功能是否还有其价值等等，这些工业革命之后凸现出来的问题，带给传统西方美术观念的是史无前例的挑战和剧变。 心灵之光几乎与印象主义同时，现代艺术的大门悄悄地被三位后印象主义画家共同开启了。塞尚、高更和梵高都认为绘画不能仅仅像自然主义那样去模仿客观世界，他们认为艺术应该更多地表现艺术家对客观事物的主观感受。文森特梵高早年同情挣扎于底层社会的劳苦大众，立志于传播福音来解救受难的灵魂，由于屡遭挫折而投向艺术的怀抱。这个具有圣徒素质的艺术家如同扑火的飞蛾，在短暂的艺术生涯中不断释放心灵的光芒，以其独有的纯真、偏执及其宗教的悲悯精神开辟现代艺术的可能性。在梵高的画作中充满了光的能量，这种力量直击观者的心灵，使文艺复兴以来西方美术中闪耀的理性之光升华为现代社会人类的感性精神之光。后印象主义画家们将绘画引向一个更加新奇、更加渗透着强