电影艺术中一个被忽视方面 —— 声音.docVIP

电影艺术中一个被忽视方面 —— 声音 电影艺术中一个被忽视的方面 —— 声音 周传基 近两年来，我们的电影艺术在探索新的表现形式方面已有所突破，不少电影创作者更加重视电影的特性了，造型上的逼真性问题已提到了更受重视的地位，这是极一可喜的事。 但令人遗憾的是，逼真性的问题，无论在电影创作实践方面或电影评论方面还仅限于视觉范畴。听觉方而依然是老样，甚至是朝着逼真性的反方向去发展。 我们经常听见观众抱怨说，听不见银幕上人物的演变历史。 在默片时代，一方面出于人在现实生活中的习惯，同时为了掩盖放映机的机械噪声，在放映影片时，影院里总有乐队、钢琴或唱片为之伴奏。1927年电影出现了声音，这是电影表现手段的一大变革，电影变成了视觉听觉艺术。 早期的有声电影由于录音设备简陋与笨重，还谈不上声音的逼真性。声音的运用仅限于对白与音乐，以及少量简单的音响效果。甚至由于受到技术设备的限制，导演竟不得不按照录音师的要求把念台词的演员“调度”到那不能移动的话筒跟前去。同时由于无声电影的剧作家不擅长写台词，制片厂纷纷聘请一些不懂电影的舞台剧作家与作家来写“台词本”。于是银幕上的演员不是进行冗长的对话，就是唱歌，只要“有声”就行。难怪那时的美国观众把这种有声片叫作“对白片”（Talkie)与“音乐片”。结果，摄影机只好不动了。默片的视觉表现手段几乎丧失殆尽。这是电影的幼稚时期。 到了三十年代中期，电影创作者认识到了声音在电影中的丰富而多样的表现可能性，但也仅限于要求音响效果和对话之间的平衡，以及这两者合起来和音乐之间的平衡。1935年《纽约时报》的一篇评论充分说明了这一倾向:“现在音乐已成为银幕创作中的重要因素,它为每种情绪与每个动作都提供了突出的背景。”这就是后来被称为“米老鼠音乐”(mickey mousing)①的背景音乐。它被用来填了音响效果的真空。据统计，在有声电影出现后的头 二十五年，很少有几部影片使用的音乐长度少于全片的三分之一，亦即至少有三十分钟的音乐!甚至连战后意大利新现实主义最初的一些影片，如《偷自行车的人》等主要在外景与实景中拍摄的影片也缺乏真实的背景音响，而代之以大量背景音乐。这大概是由于他们的设备简陋所致。就在这一时期，电影作曲家纷纷追求完善的电影音乐形式。他们不是根据电影的特性，而是根据戏剧性电影的结构，采用了华格纳、普契尼、维尔第歌剧的结构形式，赋予每个主要人物以一个主导动机((leitmotif )或主题的音乐形象，并根据影片的故事结构，按照歌剧的形式创作出近乎独立完整的乐曲。当时的一篇评论对此做了生动的说明:“每个人物都有一个主题。……盲人看电影也能知道某个人物何时出现在银幕上。音乐帮助观众清楚地认识每个人物。”这种手法虽然对人物性格的刻划有一定作用，但是在电影这一视觉性极强的艺术中，又另外出现一个形式严谨的因素，这势必要分散观众的注意力，或干扰了故事的叙述。它一方面排挤了其他声音因素的表现可能性，另一方面，往往会“泄露天机”与破坏悬念。音乐不仅先把好人、坏人点明了，而且观众可以凭借这种音乐判断出“要谈恋爱了”，“要打仗了”，“呀，要出现恐怖场面啦，我可不敢看”……实际上这是用音乐来讲故事，但是，如果影片讲不出故事来，那么它的音乐多半也无能为力。至于音响效果的运用，由于那时主要在摄影棚内搭景拍摄，自然声源较贫乏，加之受戏剧概念的束缚，每个音响都要象舞台上那样必须有涵义，又由于受录音技术水平的限制，要求尽量避免因声音失真所造成的误解(比如说，脚步声失真可能使人感到它带有凶兆等)，因此对音响效果的运用较贫乏，背景音乐取代了背景音响。不过一些具有远见的作曲家认为，“电影作曲家应该从整个声带的构成来考虑电影音乐。”这种见解就是要求把人声、音响效果与音乐作为一个有机的整体来考虑。 上述情况并不意味着在三、四十年代就没有出现过在声音处理上极其出色的影片，如苏联影片《我们来自喀琅施塔德》与美国影片《公民凯恩》，它们在声音上的富有创造性的运用，至今依然堪称为典范。 大约从六十年代开始，随着电声学及录音技术的进一步发展，电影声音的质量与表现力也大为提高。从技术上说，声音的“清晰度”已达到画面“清晰度”的水平，亦即从声场(录音场所)、电声设备以及录音技巧上来说，这已不成间题。同时，由于新现实主义遍及全球的影响，电影中外景和实景的比重越来越大，画面背景上出现的自然声源也更丰富了。同期录音以及对逼真性的日益重视，音响效果的比重自然地增加了。创作者对它的艺术表现力进行了更深入的探索，而音乐的量〔不是质)便相对缩小。在欧洲曾一度出现过完全使用音响效果而不用假定性音乐的倾向。一位欧洲的电影作曲家说:“许多