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现代舞台服装设计继承与创新 　　现代舞台服装设计是相对于传统舞台服装设计而言的，现代舞台服装设计是从传统舞台服装设计中发展过来的，但这种发展不是完全的继承，而是一种创新式的继承，它随舞台艺术的发展而发展。 　　一、关于继承 　　1、样式的继承 　　这里所指的传统舞台服装主要是指戏曲服装，传统的戏曲服装表现了典型的“写意性”和“符号性”，其服饰的造型、色彩的寓意，深刻的人物形象刻画，极大地提高了表演艺术的内涵。可以通过以下几点来进行总结：一是强调民族性的体现，通过服装的造型、色彩、装饰工艺等各方面，体现中华民族的传统兴趣与爱好。如：京剧服饰及各地方戏曲服饰等；二是突出独特的符号性语言，有许多戏曲服装的款式、纹饰、图案以及色彩，都具有其深厚的含义，并形成了其独特的形象符号，以京剧服饰为例，如：通过服装的色彩可以辨认出人物的性格和忠奸，也可分辨出官员的官阶；通过服装的造型、款式、色彩、图案可以分辨出生角、旦角、净角、末角、丑角；通过服装的款式、装饰可以辨出青衣、花旦、武旦等；通过服装的图案、装饰可辨出文官与武官等。京剧服装的纹样还多采用双关寓意的手法，这些标志性的符号，是历史的沉淀，也是人们长期以来通过对角色形象、色彩、图案的心理感觉进行综合提炼形成的视觉符号，它的符号语言体现了色彩学、美学、心理学、人类学、民俗学、哲学等内容。三是突出艺术性的典型装饰，如武将的靠、文官的蟒以及水袖等，并运用刺绣、染织、晕染等多种装饰工艺手法，配合表演艺术获得独特的视觉美感。四是色彩的有机搭配，传统的戏曲服装将对比强烈的颜色，有机的装饰在一起，如红、绿、黄、白、黑、紫、粉、蓝、湖、秋香等色在黑、白、灰、金、银的调和下“和谐共处”，色彩浓艳而不失庄重，淡雅而不失娇媚。 　　在现代舞台服装设计中，有很多的创新元素，但不是每一种舞台服装都可以任意创新的，它取决于表演艺术的要求和表现形式。一些传统戏曲的舞台服装，无论是款式、色彩、图案、调配、使用及审美都是经过一个较长的发展阶段固定下来的“经典样式”，服饰本身除??具备符合观众的观赏习惯和审美标准外，还与戏曲表演的功夫紧密结合，如翎子功、帽翅功、水袖功等，并体现了其美学、符号学、社会学、历史学、民俗学、哲学等价值。所以在一些传统的历史剧目中依然继承其传统的基本形制，不进行任意改变，它与中国传统艺术中的中国画、中国书法一样耐人寻味，意蕴悠长。 　　2、审美观点的继承 　　传统戏曲服装在戏曲艺术的形式美表现中占有很重要的地位。服装常用一些对比手法来烘托舞台气氛，塑造人物的个性美。一是黑白对比，我国民间流传着“男要俏，一身皂（黑），女要俏，一身孝（白）”的说法。“俏”是指俊美、俏丽。过去如此，现在更是如此，不管流行色怎样变，黑、白两色始终是现代国际性的流行色。京剧《霸王别姬》是一出净、旦为主的折子戏，男主角项羽穿黑甲黑靠旗，高大威猛，女主角虞姬素色绣花衣裙、纤细柔美，从服饰的整体风格上就将人物的性格典型勾勒。二是同调对比，在同一出折子戏中，角色的服饰色彩统一在同一个色调内，形成一定的色彩气氛。京剧《白蛇传》“断桥”一折中，白娘子是白衣白裙，纯洁淡雅，小青是青花打衣裤，英武潇洒；许仙穿湖蓝色褶子，戴鸭尾巾，三人既有各自的色彩倾向，又统一在蓝白色的冷调子内。白娘子和小青虽是素色打扮，但淡而不觉柔弱，雅而不失刚勇。素淡的色调将断桥这一幕中蕴含的“爱、怜、怨、恨、悔、怕”等多种情感交织在了一起，形成了一种幽怨的色彩情感。三是华素对比，华丽与朴素对比的服饰特点，如京剧《铡美案》中秦香莲是一个恪守妇道、清贫淳朴的女子，穿着不加修饰、没有任何花纹图案的青灰褶子，造型端庄素雅，与剧中的陈世美穿华丽的红蟒，戴着花翅形成了强烈的对比，秦香莲清贫简朴的服饰反衬出陈世美的薄情与卑劣。四是援例对比，在京剧传统戏中有三个异性结拜为生死之交的，有二人关系密不可分的。在这些人物为主的的剧目中，在服饰上渐渐形成了一种固定的格式，前者称为“桃园例”，后者称为“黑红例”，如《三国演义》中，刘备为沉稳庄重，能文能武，与白色吻合；关羽中正耿直，与红色相符；张飞剽悍暴烈，与黑色恰合；“白、红、黑”将人物的性格典型勾勒。五是文武对比，为了深化角色性格，在戏曲中有文官和武官，着不同的服饰，如京剧《长坂坡》中，为了体现曹操的威武气魄和雄才大略，曹操坐大帐点兵，穿红蟒，戴黑相纱，一副文官宰辅的威仪，张辽等八员虎将一律上下五色长靠，全副戎装，衬得他们威武勇猛，全台花团锦簇，气氛热烈。 　　以上的几种审美观点都是传统戏曲服装设计在长期发展过程中遵循下来的一些设计法则，尤其在色彩运用方面非常独到。现代的一些服装设计师很怕用色，也很怕舞台“花”，究其原因，是因为对色彩的情感、气氛把握不好，对传统的色彩审美观点理解不透，所以在今天，传统的审美观点对我们现代设计仍有很大的帮