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跨越历史长河的对话 第 84 届奥斯卡金像奖上，《艺术家》一举拿下最佳影片、最佳导演、最佳男主角等五项重奖，成为当之无愧的大赢家。这部采用荒废多年的黑白默片形式拍摄的影片也使电影界时隔八十余载后重新提及默片电影美学。有趣的是，其创作时间是自《阿凡达》以来，3D技术日嚣尘上，技术改变或创造新的电影美学的呼声层出不穷的20XX，如此时机显得导演的创作动机相当“不纯”，与其说这是对奥斯卡的一次试探性的投机取巧，不如说这是技术垄断下电影人严肃认真的人文思考——技术革新并不代表电影 “幻象式”这一本体属性的改变，重新审视电影艺术的传统手法，去粗取精，才是维系这门艺术长久生命力的根本所在。 一、《艺术家》与传统默片的联系 1.温暖而非猎奇 本片讲述1927年的好莱坞，著名男演员乔治·瓦伦丁和想要进军电影界的平民女孩米勒一见钟情，米勒在乔治提携下逐渐成名的同时，乔治却由于拒绝接受有声电影即将取代无声片的事实，被电影公司解雇。他企图独自投资拍摄默片，以证明自己的艺术价值，结果恰逢经济大萧条时期，遭遇惨败。经历了颓废、焦躁以及自杀事件之后的他最终接受了已成为巨星的米勒的帮助，并且也接受了有声影片。在一片欢呼喝彩声中，乔治与米勒主演的歌舞片放映，宣告新的电影时代的来临。这是典型的好莱坞式的情节剧再现，导演创作剧本时曾提到大部分经典默片都采用了情节剧的叙事模式——依赖故事的曲折性吸引观众，靠情节的内在驱动力以及人物塑造的丰满性取悦大众，使观众的情绪跟随剧中人物的命运跌宕起伏，最终得到情感的宣泄。 在电影诞生至今一百多年的历史长河中，电影的类型也在逐步变化。现代观众无论是对各种镜头语言的熟悉程度、对人物造型的审美态度，还是对叙事结构多样化的接受程度都已经远远超越了电影最初呈现的单一性。观众见多识广，更加敏锐和聪明，各种视听奇观往往已不能达到猎奇的效果，加速频率的审美疲劳几乎成了电影创造各种“奇葩”的外在推动力，让创作者们无一不绞尽脑汁，只求达到惊奇、惊艳甚至惊悚至极的效果，仿佛这样才能凸显不同，满足观众一时的谈论欲望。 《艺术家》反其道而行之，其无论是形式还是内容都力求“怀旧”，如同默片时代惯用的在女演员轮廓外打上一层迷雾般的柔光，使其显出高贵如珍珠般的光晕，只有此时，才让人感受到本雅明《机械复制时代的艺术》中提到的Aura也许不仅仅存在于传统艺术，电影当中我们依然能够感受到这种沉静而温暖的高洁。 在此我们必须提出，《艺术家》中体现的怀旧，并非其他很多影视作品中造作的商业性质的“复古”。那种复古体现的是物质性的奢靡，是迎合观众对于未知历史的充满欲望般幻觉的一种猎奇（如《黄金甲》中的大唐盛世，如大量旧上海黑帮片中十里洋场的糜烂奢华、腐朽之气），观众往往沉浸在华丽的物恋感受之中，这种消费性质的庸俗化怀旧往往成为炒作的催化剂，是商业上的诡计而已。《艺术家》之所以温暖，是在于它怀旧的诗兴，重在思考电影生存的意义和价值，体现一种终极关怀，回顾历史，着眼于现在，并展望未来。 2.熟悉而又陌生 在《艺术家》中，我们总能找到好莱坞全盛时期的影子。除了情节本身以外，时常有类似的经典片段让观众回忆起有关好莱坞的点点滴滴。自影片开场响起，《艺术家》带着我们集体回头，《雨中曲》《佐罗》《一个明星的诞生》《日落大道》《人猿泰山》等一系列的经典默片在影片中依稀显现。表现乔治夫妻逐渐疏远冷淡时，我们看到了《公民凯恩》最负盛名的剪辑手法;结尾男女主角共跳踢踏舞的场景可以说是好莱坞曾经名噪一时的歌舞组合弗雷德·阿斯泰尔与琴吉·罗杰斯的翻版;片中聪明伶俐的宠物狗杰克或许是导演在向比利时漫画家埃尔热致敬，当然也让人想起卓别林的《狗的生涯》;而米勒唇边的美人痣以及俏皮的小白裙无疑是对玛丽莲·梦露的特别追忆。我们感受到的不仅仅是影片的内容，还有我们观看默片的那份记忆。 《艺术家》对经典的膜拜，还在于创作初期就已经无处不在的渲染情怀。此片导演做了大量的有关好莱坞20世纪二三十年代的研究，于他而言，此类研究并非为了再现一个历史复制品，而只是创作与想象的起点，就像是房屋的地基。拍摄阶段，为了制造怀旧而典雅的情绪，他曾在片场播放大量好莱坞四五十年代的音乐：Bernard Herrmann、Max Steiner、 Franz Waxman、《日落大道》和《往日情怀》等的原声。音乐的作用在于帮助演员寻找情绪，从导演访谈录里我们可以看到，他要求演员尽量忘却对白与台词，这于默片时代的演员来说并非难事，但经历了八十余载的发展，电影演员早已适应当今的有声技术，尽可能还原当时的表演风格显然不易。尽管进行了大量的前期研讨，他们依然很容易将自己长期以来的表演风格自然而然地表现出来，对成熟的演员更是如此。因此，强烈时代感的音乐使演员和表演的关系变得不同，