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中国画创作对于情感的抒发 中国画的创作过程，是艺术家借以抒发思想感情，表达画者审美感受的一种活动方式。“情充于内，而成像于外”是中国传统艺术思想在感情精神层次对艺术的深入认识。因此，凡优秀的国画作品，无不寄托、承载着画者丰富的情感色彩和思想内涵，和画者对自然、人生的莫忠态度。画家通过中国所特有的绘画语言——笔墨、构图、透视、色彩等，把自己的思想情感传达给观赏者，以表达作者的审美感受和人生态度。 一、线 线是中国画最主要的绘画语言，通过不同的线条来传达不同的思想情感是中国画所特有的艺术语言。“怒写竹，喜写兰”是以线传情达意的真实写照。毛笔作为中国画特有的作画工具，它由富有弹性的兽毛制成，一它可以存储一定量的水，方便画出持续的线条，而不枯竭；二制成毛笔的兽毛的弹性，可以根据用笔者提按顿挫，描绘出丰富的线条痕迹，不同的线条诠释着画家不同的思想情感，线条的粗细、长短、曲直、顿挫、浓淡、刚柔、虚实等，使人们的心理产生快慢、刚柔、节奏等不同的感受，因此，凭借绘画作品中线的形态，便可洞察画家的内心丰富的情感状态。 例如顾恺之在他的《洛神赋》中，用线起伏、绵延，均和、舒缓，细若游丝，成功地刻画出了曹植对洛神可望不可及，无奈离去的悲情。 梁楷性格豪放不羁，嗜酒自乐，性情不拘小节，他在《泼墨仙人图》中，用水墨挥洒的手法描绘出先仙人修后步履蹒跚的癫狂醉态，有寥寥数笔勾绘出吸纳人面部沉醉的申请，表现出了丰富的幽默感。寄托了画家狂放不羁，超然世外的性格。 徐渭在他的《墨葡萄图》中行笔豪放泼辣，用墨痛快淋漓，画中动荡不安的线条，柔中带刚，瘦劲而有力，它们看上去似乎不胜重负，枝枝下偃，却给人以后总挣扎向上弹起的趋势，体现了画家不安的心境，和画家倔强不求，不附不阿的个性，而那一团团泼墨叶子，狂肆洒脱，墨色斑驳，透露着一股冷逸惨淡的气息，仿佛在诉说着画家内心备份痛苦的感受。 二、色彩 不同的色彩，带给人们不同的情绪。人们在感知色彩的同时通过自己的生活经验产生相对应的心理感受。北宋画家郭熙在《林泉高致》中提出“春山淡冶而如笑，夏山苍翠而滴，秋山明净而如妆，冬山惨淡而如睡。”便是一种对色彩产生的联想于情感。春天，万物复苏，大自然一片嫩绿，给人一中生机勃勃的气象；秋天落叶缤纷，万物萧条，给人一种悲凉，沧桑的情绪感受。 中国艺术家一向注重情感的抒发，谢赫在其《六法论》中提出的“随类赋彩”一法，表面可理解为根据对象固有色来着色，但是自古及今，中国画的大师及其经典名作的色彩，也并不是简单地以所表现对象的固有色来“赋彩”的。更多的艺术家为了寄托自己的思想情感而采用的是“意足而不求颜色似”的绘画观，选用最原始的黑白来代替客观存在中的色彩。 从唐代的青绿、金碧山水，苏东坡的朱竹，到齐白石的红花墨叶，充分体现了“色之来，发乎于性情”的艺术思想。齐白石的红花墨叶，表面上看是齐白石独创的绘画语言，但更深层的是表达了他毒热的审美情趣，更体现了他对大自然、对家乡一草一木的热爱之情。这些画家的创作完全是以情入画，以趣入胜，在绘画创作过程中，画家从情感体悟出发，对所表现对象的本色，进行主观提炼、夸张、借以抒发画家的审美情感，成为画家寄托情感的又一手段。 色彩可以传达丰富的情感，画家也通过色彩来表达内心细腻的情感活动，而观赏者也是通过色彩来理解画家的真实的内心感受，达到观赏者与画家的心灵的交流。 三、造型 中国画作品中的造型，往往加入了作者更多的主观情感因素。画家把他在现实生活中看到的对象，经过头脑加工、提炼，或变形，或夸张，以传达自己内心的情感状态，寄托自己的情意。画家在不求形似，只求神似的花鸟画中，多半也不是所画对象的神，而是画者心中的“神”。如：倪玉林就称自己所画之竹，不管是像芦还是像麻，只是单纯为了抒发自己心中逸气。又如，郑板桥的“胸有成竹”，可见画者画的更是胸中之竹了。白石老先生曾经说过“太似为媚俗，不似为欺世，妙在似与不似之间。”那么怎样才是最好的呢？白石老人认为画应该“妙在似与不似之间”，那怎么样才算是“似与不似之间呢？应该是形不甚似，而神甚似。就拿他画的虾来说，虾的身段像海里的对虾，而又长了一对大钳，像河虾，二者结合，便成了白石老人笔下的虾了，虽不符合客观对象，但这种似与不似之间的灵动感，更胜却客观对象。它从生活中来，而高于生活，这才是真正的艺术。 四、构图 构图是指根据绘画题材和肢体思想的要求，将所表现的对象各个部分加以组织和布局，构成一个协调、完整的画面的过程，在国画中也被称作“章法”“布局”。画家在考虑画面布局时必然对所描绘对象进行取舍、提炼，从而来传达作画者的内心感受。古人提出画面应“疏可走马，密不透风”，意思是说疏的地方可以让马驰骋，密的地方连风也透