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中西方绘画艺术对比

前不久同事的女儿高一，老师给了一个论文题目：中国的画为何

“不美”。就这个题目写一篇论文。同事很发愁，他和女儿都不知该

如何写。多谢同事能给我这个题目，借这个题目，将我最近对中国美

术史、世界美术史的了解总结一下。

首先，对这个命题进行解剖，这个命题完全正确么？中国的画真

滴就“不美”么？

翻开中国美术史的长卷，从“准艺术”的彩陶文化、青铜文化，

到秦汉时期的画像石、画像砖，到敦煌壁画，到为宫廷所作的宫廷画，

到民间的年画、最后到文人画，从第一个有名字有作品留下的画家

《洛神赋》的作者顾恺之，到“诗中有画，画中有诗”的王维，到

“画臻三昧境”的风流才子唐伯虎，到艺术史上的奇人徐文长，到

“心与境寂、道随悟深”的八大山人，到难得糊涂的郑板桥，到搭起

中西方艺术桥梁的先行者徐悲鸿，还有大器晚成的传奇人物齐白石

难道说他们的画都不美么？

非也！

那为何会有此“不美”的论调呢？“美”在我看来是一种感觉，

我想此“不美”论调，是与西方绘画对比后而产生出视觉上、心理上

的反差感而造成的。

为何对比起来，我们的画就“不美”呢？我并不认为我们的“不

美”，而是当一种艺术从兴起、到发展、到高潮、到没落的时候，何

去何从的思索；而是西方的绘画和中国的绘画的不同而造成的一种假

象。

那么，我们的画和西方的画有何不同呢？我们现在能看到的绘画

作品，因为年代久远，主要看到最古老的原作，就是宋朝的画（当然

还有一些壁画）。我们现在所说的中国画，多半是指宋元以后的文人

画。

其实中国的画在宋朝之前和西方的画发展基本类似，彼时，西方

正在进行如火如荼的文艺复兴。

文艺复兴、宋朝之后，中西方的画走上了不同的道路。这种不同，

与政治经济文化传统宗教信仰等各方面都有着非常紧密的联系，并不

是孤立存在的。

在我看来，不同主要体现在以下几个方面：

1、技巧不同

中国绘画的工具是毛笔，载体在宋朝之前主要是绢，后来才慢慢

过渡到宣纸。对于中国画来说，先调试基本造型手段，色彩是从属性

的。而且从不画光影明暗。中国画不论描绘上水、花鸟人物都离不开

线条的运用。画家们总是靠粗粗细细的线条来勾勒造型，然后敷以颜

色。这些颜色有时是单黑的，有时是五彩的，它们往往也会被精心区

分出干、湿与浓，而这些差别一般都不会被明显地强调。中国画常常

是要让观赏者从并不丰富的色彩层次中去领略世界的五彩斑斓，去想

象物体的凹凸远近。这种感受不是来自视觉直观，而是依靠了联想和

想象的参与。然后加上留白，以墨调色。在宋朝以后，中国的画颜色

慢慢被拿掉了，甚至推崇笔墨少。

笔墨看似并不很多，大量留白表现山水的空旷渺茫，似山似水似

雾，水天一色。留给观众无数的想象。

西洋的绘画，早期是蛋彩画、湿壁画，后来是油画，我们现在多

看到的是油画。油画是由油画笔、松节水调制油画颜料在麻布上完成。

西洋画注重写实。以透视和明暗方法表现物象的质感、体积和空间感，

并要求物体在一定的光源照射下所呈现的色彩效果。西画中的物象界

限不适用线条来区分，而是用色彩的深浅、光线的明暗来表现，就像

我们眼见得实物一样。西方绘画用亚麻籽油来调和各种颜料，色彩十

分丰富。通过这些色彩的精心运用，画家可以表现出物体的明暗差异，

物象的体积、质感和空间感，以及物体在一定光源照射下所呈现出来

的视觉效果。这就也是说，西方绘画总是刻意强调色彩的丰富性与结

构上的差别。它所追求的，是在色彩的冷与暖、厚与薄、深与浅、淡

与浓等多组关系中，营造出直观的视觉效果。从整体上看，这种美学

追求更有光学意义，更富于几何精神和理性思考。

古希腊艺术是现代西方艺术的鼻祖，从古希腊开始，西方美术的

基调就是：美！真实！（当然19世纪后，从印象派开始，现代西方美

术史渐渐革命了这两点）在漫漫西方美术史中，西方人用了各种方式

让自己的作品做到这两点。

在文艺复兴之后，西洋美术将科学用到了美术之中，运用几何学

的焦点透视，画者的视点固定不变，表现的是瞬间的、静态的和三维

的效果.他们研究色彩，深入分析各种光谱的波长和振幅等；他们画人

物从解剖尸体入手，画鸟、兽要做成标本，并称之为写生。达芬奇

为了画出人体的真实，甚至会冒着违法的危险，去墓地偷尸体进行解

剖，研究人体的肌肉、肋骨、血脉，以求将人体画的最真实最美。蒙

娜丽莎，这个我们就不用说了，那个在全世界传神的似笑非笑的表情，

绝对是对