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勋伯格《乐队变奏曲》：十二音处理与配器技术的革新交融

一、引言

1.1勋伯格及其音乐创作地位

阿诺德?勋伯格（ArnoldSch?nberg），这位美籍奥地利作曲家、音乐教育家与音乐理论家，在音乐史上占据着举足轻重的地位，被誉为“现代音乐之父”。他于1874年出生在奥地利维也纳的一个犹太家庭，自幼便展现出对音乐的浓厚兴趣，8岁开始学习小提琴，尽管家庭经济条件并不宽裕，甚至在16岁时因父亲早亡而不得不前往银行担任小职员以维持生计，但他始终未曾放弃对音乐的热爱与追求，坚持自学作曲和大提琴。在20岁时，他师从亚历山大?策姆林斯基（AlexandervonZemlinsky）学习复调，这也是他一生中唯一接受过的正统音乐教育课程。

勋伯格的音乐创作生涯横跨了多个重要的音乐发展阶段，对20世纪音乐的走向产生了深远且不可磨灭的影响。他的早期作品深受19世纪末德奥浪漫派作曲家的熏陶，风格倾向于浪漫派晚期的半音主义。像弦乐六重奏《升华之夜》，其变化音体系的乐汇明显能看到瓦格纳《特里斯坦与依索尔德》的影子；交响诗《佩利亚斯与梅丽桑德》的部分音乐也带有理查德?施特劳斯的特征，乐队编制更是与《英雄的一生》如出一辙。这些作品不仅展现了他对传统音乐的深刻理解与传承，也体现出他在音乐创作上的独特天赋和创新精神。

随着对音乐探索的不断深入，勋伯格逐渐不满足于传统音乐的形式和技巧束缚。在1908年前后，他开始了音乐风格的重大转变，逐步抛弃了调性和传统的依赖于调式的作曲技法，进入了无调性音乐时期。这一时期的作品，如《五首管弦乐曲》《室内交响曲》《第二弦乐四重奏》等，摒弃了浪漫主义自传性、抒情性的特征，充斥着复杂的和弦，调性缺位，刻意追求对位，着重表达人的恐惧与梦幻的内心世界，是弗洛伊德式潜意识的体现。在《五首管弦乐曲》的第三乐章“夏晨的湖边，色彩”中，勋伯格还提出了“音色旋律”的概念，他认为即便同一个音，在不同乐器上发出的音高不同，这些不同音高连接起来便可组成旋律，进一步拓展了音乐的表现维度。

1923年，勋伯格正式提出了具有革命性的“十二音列理论”，开启了他音乐创作的十二音时期。十二音技法打破了传统的调性音乐规则，它要求作曲家将一个八度内的12个半音按照任意顺序排成一个序列（原形序列），在作品中，这个原形序列需以原形、逆形、倒影、倒影逆形的形式依次出现，且在十二个音全部出现以前，不得重复其中任何一个音，每个音出现的位置、高度、声部不受约束，它们既可以相继出现形成曲调，也能以音程或和弦的形式同时出现。这种全新的创作方法为音乐创作提供了更为自由和抽象的表达方式，极大地拓展了音乐的可能性，也引发了音乐界的广泛争议与讨论，但不可否认的是，它对20世纪乃至后世的音乐创作产生了深远影响，众多作曲家纷纷受其启发，探索新的音乐创作路径。

除了在音乐创作上的卓越成就，勋伯格还是一位杰出的音乐教育家和音乐理论家。他撰写的《和声学》《和声的结构功能》《风格与思想》《作曲基本原理》等论著，不仅是当代重要的音乐理论文献，也为后世音乐学习者和研究者提供了宝贵的理论基础和创作指导。在教学过程中，他培养出了如安东?韦伯恩（AntonFriedrichWilhelmvonWebern）和阿尔班?贝尔格（AlbanMariaJohannesBerg）等优秀的作曲家，他们与勋伯格一同被称作“第二维也纳乐派”，在音乐史上留下了浓墨重彩的一笔，对现代音乐的发展起到了极大的推动作用。

1.2《乐队变奏曲》的创作背景与意义

《乐队变奏曲》创作于1926-1928年，作品编号为Op.31，这一时期正值勋伯格音乐创作的十二音时期。20世纪初，西方社会发生了巨大变革，两次世界大战的爆发，改变了人们的生活方式和思想观念，社会处于动荡不安之中。在这样的时代背景下，传统的音乐形式和审美观念受到了前所未有的冲击。音乐领域中，作曲家们开始寻求突破传统的创作方法，以适应新时代人们的精神需求和审美趣味，勋伯格的十二音技法便是在这样的音乐发展趋势下应运而生。

在勋伯格的创作生涯里，《乐队变奏曲》占据着极为重要的地位。它是勋伯格运用十二音序列技术创作的唯一一部大型管弦乐作品，是勋伯格对十二音技法在大型乐队作品创作中应用的一次大胆且深入的探索与实践。在这之前，虽然勋伯格已经提出了十二音列理论，但如何将这种强调音高平等、摒弃传统调性的创作技术应用于结构庞大、声部繁多的管弦乐作品中，仍然是一个亟待解决的问题。《乐队变奏曲》的出现，成功地解决了这一难题，为他后续的音乐创作以及其他作曲家运用十二音技法创作大型作品提供了宝贵的经验和范例。

从现代音乐发展的角度来看，《乐队变奏曲》同样具有不可忽视的重要意义。这部作品的诞生，标志着十二音技法不仅