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岭南美版七年级美术下册第8课中西艺术时空对话教学有感

备课时翻到岭南美版七年级美术下册第8课“中西艺术时空对话”，指尖触到课本上《蒙娜丽莎》与《簪花仕女图》并置的页面，忽然想起去年带学生看画展时，有孩子指着文艺复兴时期的油画问“为什么她们的衣服没有花纹呀”，那时便觉得，要让十三四岁的孩子理解两种截然不同的艺术体系，不能只讲流派和技法，得先帮他们找到能“踮脚够到”的对话支点。

上课那天，我没先讲课本里的理论，而是抱了个纸箱进教室。打开时学生们都凑过来——里面是我提前准备的道具：仿照《韩熙载夜宴图》做的纸质团扇、打印的《最后的晚餐》人物卡片，还有几支不同粗细的毛笔和油画笔。“今天我们不做观众，做‘艺术翻译官’。”我把团扇分给小组，让他们试着用毛笔在扇面上画《最后的晚餐》里的餐桌布局，又让另一组用油画笔临摹仕女图的衣褶线条。刚开始教室里满是细碎的议论：“毛笔太滑了，画不出西餐的刀叉”“油画笔涂不出丝绸的软劲儿”，可慢慢的，讨论声变成了发现：“老师，我觉得《韩熙载夜宴图》里的人好像都在一个房间里说话，而《最后的晚餐》里的人是围着桌子看向中间！”这个发现像颗小石子，在课堂上溅起了涟漪。

我顺势拿出提前制作的对比课件，没有罗列“散点透视”“焦点透视”的定义，而是放了两段动画：一段把《清明上河图》的长卷缓缓展开，标注出画中人物从城外到城内的行走路线；另一段用3D模型还原《蒙娜丽莎》所在的房间，让学生看到背景中消失的地平线。讲到色彩时，我让学生观察自己水彩笔里的“赭石色”和“群青色”，再对比课本上《千里江山图》的石青、石绿与《向日葵》的明黄——有个平时不爱发言的女生突然举手：“老师，我发现中国画的颜色好像是从石头里来的，而西方画的颜色更像太阳晒出来的！”这句话让我心里一暖，想起建构主义教学理论里说的“学生不是空着脑袋走进教室的”，他们对世界的感知，往往藏在这些朴素又鲜活的表达里。

课堂后半段的创作环节，我没有规定“必须画一幅中西结合的画”，而是让学生选择“用一种艺术语言翻译另一种艺术”。有小组用毛笔在宣纸上画了戴着皇冠的“蒙娜丽莎”，背景是水墨山水；还有小组用油画棒临摹《簪花仕女图》，给仕女的衣服添上了文艺复兴时期的花纹。批改作业时，我看到一张特别的作品：纸上左边是用铅笔勾勒的《大卫》雕像，右边是用墨线画的《观音像》，中间画了一条弯弯的线，旁边写着“他们都在看着远方”。我在作业本上回复：“这条线像座小桥，让两个不同时空的人相遇了。”

这堂课结束后，我在教学日志里写道：所谓“时空对话”，不是让学生记住两种艺术的区别，而是让他们学会用自己的眼睛搭建一座桥——桥的这头是课本上的名画，那头是他们自己的生活体验。就像有个学生课后跟我说：“现在看我家墙上挂的《梅花图》，会想起老师讲的《向日葵》，它们虽然不一样，但都让人觉得心里暖暖的。”听到这话，我忽然明白，美术课教的不是画画技巧，而是让学生拥有“感受美的能力”，这种能力，会让他们在未来的日子里，无论看到什么，都能找到与世界对话的温柔方式。

想起刚开始备这课时，我总担心自己讲不透那些专业术语，后来才发现，真正重要的不是“讲透”，而是“留白”——给学生留出观察的时间，留出表达的空间，留出犯错的机会。就像中国画里的留白，不是空着，而是为了让画面更有呼吸感；课堂上的“留白”，也不是放任，而是为了让学生的思考能自然生长。这或许就是“中西艺术时空对话”这堂课教给我的，比知识更重要的东西：教育，也需要一种“时空观”——既要看到学生当下的成长，也要相信这些课堂上的点滴感悟，会在他们未来的生命里，慢慢绽放出属于自己的色彩。