油画专业课程设置与创作的关联研讨(共4985字).docVIP

油画专业课程设置与创作的关联研讨(共4985字) 本文 就专业艺术院校的学生而言，学习绘画的过程，既是绘画技能的学习过程，也是创作能力形成和提升的过程。然而，当下高校的油画教学却常常出现这样一种现象：大部分学生即便能顺利完成各门基础课程中的相关作业，毕业时却很难完成一幅比较完整、理想的创作作品。究其原因，一方面，专业基础训练和创作之间脱节的现象日益突出，另一方面学生的作品意识和创作能力的缺失日益显现。它从一个侧面折射出艺术院校油画教学体系存在着明显的缺陷，也为油画基础教学的系统化与科学化提出了一个亟待解决的课题。 绘画作品是创作主体对艺术认知的直观反应，它涵盖了个人的学识修养、思想观念以及审美认知，从构思立意到作品呈现是一个集感性和理性交互作用于一体，并最终以特定手段表现某种视觉形态的综合过程。可以说，一幅作品应是从观念到形式的系统集合体，而作品创作的过程亦是一个系统的制作过程，作为为油画创作而设置的基础教学训练系统，应当遵循创作规律的需要，合理、科学地进行课程设置，为学生创作出优秀作品奠定扎实的基础。 我们不妨以一般油画作品生成的过程来分析创作的基本规律，及其与基础教学的对应关系，进而指出科学合理的基础课程设置的重要性与必要性。通常来讲，油画作品的生成离不开构思、构图、画面制作三个重要阶段。构思阶段，根据个人审美认知选择命题，确保作品从内容到形式趣味统一于一根主线；构图阶段，明确造型和形态的意趣、造型与层次的分布，同时将黑白灰和色彩构成依据审美需要加以安排，使画面构成诸要素协调于整体构架之中；制作阶段，明确作品所要表现的终极形式，从处理基底、分布色层、塑造深入直至作品完成，创作主体始终遵循自我的审美追求选择材料，并采用与材料特性相应的制作方法和制作程序，使作品最终呈现出预先定位的风格样式。由此可以说，从创作思路的形成到作品的完成，审美认知（或审美判断）、画面构成与制作是创作中的规律性要素，这三大要素在整个创作过程中各司其职又协调统一。 一、审美判断 所谓审美判断，就是主体对各种美的自我认知，是有目的、有意识的对审美产生结果的定位。画家通过对客体、自然以及内心世界的审视，借助造型与色彩等绘画构成要素加以表现，并对视觉感受形成明确而果断的指向。构思过程的主题确定，构图过程形式趣味、造型表现原则的确立，画面制作程序和制作手段的定位，甚至各种工具材料的选取和运用等等，无不包含着审美判断，它贯穿于创作的全过程并起着统领作品整体形式美感的作用，主要表现在以下两个方面：首先，通过审美判断对美的形式规律的解读开启创作意识。在创作中认识美的形式规律，亦即意味着对题材的选择、构图的把握、造型的处理有着鲜明的自我认知和个性化判断。例如，在普通人眼中司空见惯的器皿，乔治?莫兰迪（GiorgioMorandi，1890-1964）能够赋予它们孑然独处的美。他常常将咖啡杯、花瓶、罐子等器皿并置，且一再重复，以此形式规律作为处理画面构成诸要素的主导因素，这种极具特色的“冥想”式的静物造型也因此成为莫兰迪绘画题材和风格的标签。而画面中的造型、色彩、色层、肌理等的表现趋向，诸多要素之间的相互关系，都以审美判断作为开启创作风格走向的重要引导手段。艺术家们自我审美判断所带来作品面貌的差异，印证了审美判断在风格形成过程中的掌控作用，同时，作品中流露出的形式美感亦无不印证其重要的导向作用。其次，通过审美判断提升作品的绘画性，树立“作品意识”。黑格尔说“艺术要把偶然性和外在形状玷污的事物，还原到它和它的真正概念的和谐……才能把理想美表现出来”。[1] 对于“理想美”的审美判断从某种意义上说也就是对艺术的本质特征的把握，是绘画性、艺术性的终极体现。绘画作品需要完成从视觉认知到画面构成的艺术转换，需要有意识地处理所观察到的物象，并以风格化的绘画手段重组造型、色彩以及空间。相反，一旦停留在描摹的阶段，就很难从艺术的高度驾驭绘画，亦不可能把作品从表面自然形态提升到体现内在精神、形成具有审美功能的“自我意识”的作品。审美判断的确立，有助于形成“先验性”的审美与预知，使创作中造型的自然形态转化为艺术形态成为可能，是创作主体对创作方向和制作过程具备良好操控能力的先决条件。 二、画面构成 所谓画面构成，即作品中造型、色彩、黑白灰以及笔触、肌理等视觉组成要素在画面中的排列组合。造型、材料的构成形式，它在一定程度上决定了产生不同的视觉效果和风格样式，在当下日趋重视展示空间的环境里，画面构成与外部环境构成之间的联系也日益紧密，不同风格，不同尺幅的作品在不同空间里也会形成迥异的视觉感受。就创作本身而言，画面构成是体现个性审美认知与创造性思维的载体，由于人的思维体系极其复杂，在转化为具体的形态之前充满着动态性与模糊性，种