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油画材料的精神表述(共4961字) 本文 在油画艺术中，艺术家运用材料创作作品的过程，即是精神表达的过程，在油画艺术的发展过程中，艺术家不断对油画材料技法的拓展，同时也是艺术家精神表达的延续。因此，油画艺术中材料的运用和精神的表达是共存的，它们在创作过程中是相互促进的。没有物质材料便无法传播艺术精神，艺术的神秘性就蕴含在这种物质与精神的结合之中。无论是国外还是国内，油画艺术是许多艺术家喜爱的表达自身情感和精神的绘画形式，其材料的运用也是许多艺术家研究的对象，对艺术新的审美追求促使艺术家对油画材料进行不断地探索和发展。 一、油画艺术中材料运用的传统精神表达 油画艺术直接来源于以蛋彩为主的坦培拉绘画。坦培拉是英语Tempera的音译，来源于古意大利语，意为调和、搅拌，泛指一切由水溶性、胶性颜料及结合剂组成的绘画，也常用于鸡蛋等乳性胶结合剂组成的绘画［1］。坦培拉的特殊性质在于它是一种乳液结合剂，乳液是一种多水而不透明的乳状混合物，含有油和水两种成分，多使用蛋黄或全蛋为乳化剂，然后加入适量的亚麻仁油和树脂油。在乳液中，油分子稳定地分散于水中，两者结合可以得到一种强有力的乳浊液，将这种乳浊液调和色粉加水稀释描绘于画面，数秒钟后就能变干，随着时间的推移结膜、变硬，坚韧牢固不再为水所溶。欧洲中世纪在拜占庭的教堂建筑内部，盛行绘制在木板上关于基督教题材的圣像画，而坦培拉这种特殊的属性很适于表现圣像画中神的光华和永恒精神。画师在圣像画的制作过程中，运用多层叠色法，使颜色在不断的叠加过程中逐渐丰富、饱和，从而产生一种内在的光的感觉。绘制这种画受到教规的严格限制，每幅画都是按照一定的规格模式完成，没有丝毫的个体精神，传达给观者的只有神的永恒的绝对精神。 到了文艺复兴时期，由于人文主义思想的兴起，绘画的重点也从永恒不变的神逐渐向充满感性的人转变。15世纪，尼德兰画家凡?艾克等人研制了油画材料和松节油，达?芬奇、弗兰切斯卡、米开朗基罗、丢勒、荷尔拜因，都采用了鸡蛋坦培拉加油彩混合剂。这种混合材料使得绘画作品的造型准确生动，色彩透明和谐，具有强烈的空间感、体积感，直到现在，这些画家的作品水准仍然令我们赞叹不已。最为人们熟知的达?芬奇的作品《蒙娜丽莎》是最富盛名的肖像杰作。在人文主义思想的影响下，蒙娜丽莎的微笑被刻画得非常自然轻松，不再像中世纪那样面部表情呆板僵硬。从画面中蒙娜丽莎柔嫩的双手可以看出画家精湛的画技，再加上背景的处理运用烟雾状“渐隐法”技巧，把后面的山崖、小径、石桥、树丛与潺潺的流水都推向遥远的深处，仿佛一切都被笼罩在薄雾中，人物与背景融为一体［2］。由此可以看出，材料的运用和精神表达的发展是紧密相连的。在后来的艺术发展史中，随着人类精神的传承，古典传统艺术一步步发展到后来的现代主义艺术，这也就显得不足为奇了。伦勃朗善于在画面中运用肌理，因为肌理能够直接传达艺术家的心理感受，影响着作品的感染力度。伦勃朗是17世纪杰出的现实主义大师，一生画过多幅自画像，这些自画像可以亲切地向后人诉说其一生遭遇。 从他20岁的自画像上，人们看到的是一个满怀信心的潇洒的莱顿大学生，而在最后一张自画像中，他的笔法更显苍劲老练，厚涂的肌理色彩像铸铜一般闪闪发光。他本人在这幅画中显得那么苍老，嘴唇边露出了一丝无可奈何的笑意，运用一种“紫金色的黑暗”渲染法，来加强形象的情绪，画家把自己从肉体到精神的形象都勾画在这幅画上了［3］。伦勃朗的自画像堪称是这位艺术巨匠对其一生的艺术写照。19世纪中叶，由于大部分画家都使用了铅锡管颜料，不再自己动手磨制绘画材料，而把更多的精力放在画面的色彩和精神的表现上。因而在西方艺术史上出现了具有个人独特风格的众多艺术流派的面貌。后印象派画家梵高作品中的短促而厚重的笔触表达出画家强烈的内心感情，画面上不仅仅是笔触、色彩的组合，也是画家在用绘画如饥似渴地表达自己的精神状态和心灵的呼喊。克里姆特使用工艺的手法，采用羽毛、金属、玻璃、宝石等材料，以平面化的装饰图案组成他的艺术品，使作品具有华丽的装饰效果。但是，在那绚烂豪华的外表里边，却也蕴含着人类苦闷、悲痛、沉默与死亡的悲剧气氛。马蒂斯后期的拼贴画将色彩的现成物即色彩纸替代了调和的颜料色彩，以更单纯、更纯粹的色彩代替常规使用的材料，表现出艺术家单纯性和愉悦性的审美追求。现代派画家波洛克作品中运用多种材料以及滴洒等方式直接让材料以本身语言来说话。作品舍弃了具体的形象，呈现的是丰富的层次和强烈的形式感，让观者过目不忘。美国现代著名画家德库宁的作品“女人系列”，用看上去杂乱而粗率的笔触，描绘女人各种象征性动势，似乎蕴含着讥讽，富于性的象征。可见，材料运用在艺术史上占有重要的历史地位，它承载着艺术家的情感和精神表达。生命是短暂的，而艺术是恒久的，为什么