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西方自画像价值层面探究 　　摘 要: 自画像是一种特殊的肖像画体裁。西方画家的自画像在世界艺术画坛中独树一帜。本文从自画像的价值层面进行深入的发掘,探讨西方画家的自画像所具有的特别重要的意义。 　　关键词: 自画像 自我意识 救赎 　　 　　自画像是画家描绘自我形象的一种特殊的肖像画。一提到自画像,人们就会很自然地想到西方绘画中那些既具有强烈的时代感和生命力,又有画家精神显现和灵魂展示的杰作。因为在中国美术史上,人们很难发现自画肖像的踪迹。中国自有水墨人物画以来,较少有记载画家画自画像的。而在西方,自欧洲文艺复兴以来,几乎每个知名的画家都有自画像传世,少有例外。到了16世纪,自画像成为欧洲绘画的一个重要体裁。 　　西方画家如此热衷于画自画像,足以使我们认识到,画家喜欢画自画像已不仅仅是一个有传统意义的现象。从某种意义上说,艺术家的自画像其实只是一种手段,其中包含着艺术家强烈的自我意识。本文从自画像的价值层面进行深入的发掘,探讨西方画家的自画像所具有的特别重要的意义。 　　一、艺术家自我意识的觉醒 　　艺术家自画像是文艺复兴时期出现的一种艺术类型。它的出现与文艺复兴时期新艺术观的产生密切相关。在欧洲中世纪,绘画、雕塑和建筑分散在相关手工行业内。一般被视为体力劳动性质的“机械学科”,画家、雕塑家和建筑师也只是与鞋匠、理发师等一样地位卑微的手艺人。他们穷困潦倒、目不识丁、举止粗俗,为上等人士所鄙视。意大利文艺复兴时期的艺术冲破了黑暗时代的神学禁锢,找回了古希腊、古罗马的写实主义精神,赋予艺术作品以人文主义内涵。13世纪,意大利诗人但丁首先将画家奇马布埃和乔托的名字写进《神曲》,并将他们与两位诗人相提并论,这显示了人们对艺术和艺术家态度的某种变化。在新观念的影响下,艺术家们逐渐意识到艺术和自身的价值。从14世纪晚期到16世纪,艺术家的自画像从无到有,从艺术作品中不起眼的角落逐渐靠近画面中心,并最终发展出独立的自画像,这本身就体现了艺术家阶层对艺术和自身价值的不断觉醒。在这些自我肖像中,艺术家借助服饰、仪态、风度、财富、古典文化修养,以及艺术与教学等自由学科和科学知识的联系,表达了他们关于艺术和自身的新观念及其重塑自身社会形象的愿望。 　　二、对自我的多角度开掘 　　从绘画的角度来看,画家研究和创作自画像,是画家在绘画过程中对自我的多角度开掘。画家在画自画像的时候,首先要观察自己。因为多少存在着自恋倾向,自画像的客观性就得不到保证,事实上,要求自画像做到客观也是不可能的。那喀索斯在水中看到自己的倒影,爱恋不已,最终化为水仙花的神话,颇能反映人与自我的关系。人、用来看到自己的媒介、媒介中自我的形象,这三者之间构成了一个复杂的相互关系。 　　一方面,我们喜欢镜子,喜欢水面上映出的自己的影像。这如巴赫金在分析人与镜子的关系时所说的:对镜自顾是观看自己外貌的一种完全特殊的情况。这时我们看来是在直接观看自己,但事实并非如此,我们依然是我们自己,我们观看的只是自己的影像,他不能成为我们对世界的观察和体验的直接因素;我们看到的是自己外貌的影像,而不是自己外貌中的自己,外貌并没有包容整个我,我是在镜前,而不是在镜中,镜子只能为自我客体化过程提供材料,甚至还不是纯质材料。实际上,我们在镜前的状态总是有些虚假,因为我们没有可以从外部观察自己的角度,所以这时我们也是化身为某人不确定的、可能的他人,我们试图借助于这个人来找到对待自己本身的价值立场。这时,我们也是试图通过他人来赋予自己生命和对自己进行形式加工。所以,我们在镜中才会看到自己脸上那种特有的不自然的和我们生活中不会有的表情。 　　另一方面,我们又是无法直接面对自己。当镜子变得越来越普遍的时候,镜子文明却让我们无处躲藏,甚至不能躲藏自己。不少影片令人恐怖的镜头之一是主人公进入了一个有很多镜子的房间。我们无法同时面对多个自我。镜子本身过于客观,将我们的外表乃至内心自我和盘托出。当画家站在镜子面前,面对自我,从客观的角度观察和分析自己不同时期、不同心境下自己面部的不同表现时,他对自己的内在气质就有了一种客观的认识和批评。当画家从模特的角度细心体味自己不同的动态动作所能传达的不同情感和心境,并接受着自己从画家角度的自我认识、分析与评判时,他对自己的外在情态和内在状态就有了一种崇美的修正和表现。这是一个主观体验的过程。 　　我们注视着自己的影像,把自己当作另外一个完全陌生的人来打量、审视,从而理解他;或者,想象是一个陌生人在观察自己,从而认识自己。 　　三、艺术创作中思想和情感真正意义上的投入 　　从艺术创作的意识和态度来看,画家研究和创作自画像时多重角色的体验,有助于画家艺术创作中思想和情感的真正意义上的投入。 　　人的内在其实是无限广阔、深远的。它始终在吸引艺术家通过自画像来发