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林延：与纸的随意及宽容性对话 　　2016年4月，台北诚品画廊推出旅美华人艺术家林延的个人画展，30多件作品年代从1996至今横跨20多年，呈现出艺术家将宣纸转化为艺术媒介的实验历程。首次在台湾举办个展，林延认为台湾是一个熟悉纸传统、不熟悉我的作品、既保留传统又具有开放自由的环境的地方，她希望观众能根据自己的生活体验感受作品。 　　林延1961年出生于北京的艺术世家，外祖父庞熏?l和外祖母丘堤都是国内现代艺术的先驱人物，父母林岗、庞涛分别为国内第一代留学俄罗斯及高等美术教育出身的艺术家。林延从小便耳儒目染了亲人的艺术精神，并建立起与其他亲人截然不同的艺术语汇。中央美术学院油画系毕业后，林延于1985年前往巴黎国立高等美术学院绘画材料研究室进修，后于宾州布鲁斯堡大学视觉艺术系取得硕士学位。在家乡处于社会动荡的期间，旅居纽约的林延得以享受创作的自由，专注于自身的媒材探索和实验。 　　作为家族的第三代画家，林延继承了外公和母亲对形式有感于设计的偏爱，也继承了父亲浑厚的绘画感觉及对色彩的深刻理解，她那些模糊了抽象与具象、装置于绘画界限的独特语言，代表了今天年轻画家跳脱出现实空间的超凡想象力。 　　北京现代化之前的传统建筑，简朴的灰砖、瓦房是林延成长的背景，也是她的主要记忆，并不断地出现在她的作品中。对林延来说，每次创作都是和纸的随意及宽容性对话的过程。她运用脆弱的材料来表达坚韧的情感。如在《致北京》（1996～1997）、《胡同》（2012）等作品中，纸作为某种记忆底片凝结了创作者对于家乡、文化、历史的情感，细腻的肌理层次传达出艺术家感觉的真实。 　　1989年的首次个展《绘画中的太极》，林延已将中国哲学融入其创作之中，她的作品充满东方哲学的概念，如阴阳、太极、对立与统一的道家思想。她用中国传统书画的宣纸创作，以最简单的黑白将宣纸塑形，简洁安静地表达自然和文化中的挣扎与生命力、美与创伤。 　　1994年至2004年是林延的黑色时期，这段时期的作品强调黑色的幽微层次。她认为：“掌握好单色的层次、材质变化、冷暖差别时，画面才会有色彩感，不会单调。” 　　1998年，林延与母亲和外婆在纽约、温哥华、北京举办了“三代红果现代主义――丘堤、庞涛、林延”画展，表现出中国二十世纪现代艺术作品的感染力，作品在中国美术馆“世纪――女性特展”中获艺术家批评家奖。 　　2005年开始，林延将宣纸转为媒材，创造出具有建筑性格的绘画雕塑，拓展了当代艺术的审美领域。她改变了纸墨的传统角色，皱、破、撕、贴成为她的创作语汇，而“墨分五色”的传统则因空间的光影元素有了新的表现方式。林延认为，当所有因素微妙地兼容并蓄时，便会互相交响、发出能量。“手上的每一个变化如同笔触，是作品叙说的方式。”林延如此描述作品中纸的独特触觉和感性。 　　2014年，家乡环境污染的问题又触动她创作了大型装置《天》，以争取正常呼吸的权利，倾诉对美好生活的渴求。 　　…… 　　林延的艺术成果受到广泛关注，曾于世界各大美术馆展出，包括纽约、中国国家美术馆，北京、德累斯顿国家艺术收藏馆，德国、成都当代美术馆、何香凝美术馆等，作品曾于纽约时报、艺术新闻、美国艺术、亚太艺术、中央电视台等发表。 　　《纽约时报》评论林延的作品：“它不是纽约环境中一般的后极简的样子，而是以多种风格元素让历史、过去和现在融为一体，展览真正的对话存在于这种对话中。” 　　色彩、材料与表达方式，体现了心灵的独特性 　　一次偶然的机会，笔者有幸采访了这位旅美艺术家。 　　问：你的作品在美国包括西方已有藏家支持，你认为他们收藏的理由是什么？你不同时期的作品各有什么特点？ 　　林延：我还没有固定的藏家，谁喜欢谁就买，他们收藏的理由是喜欢吧。 　　八十年代我重视绘画和展示空间的关系，开始将绘画变成空间中的一个物体，把自己喜欢的太极理念融入到绘画中。 　　九十年代宣扬从被拆的老房子中找到北京现代化建设的基因，同时体验墨与各种材料建设中的黑在作品中的色彩关系。1994年，离开祖国九年后，我回来看到的是现代化开始时大兴土木建设中的破坏性，因此在北京做了表面极简含蓄、实际很暴力的立体作品《弃，契，弃》，呐喊我们正在彻底抛弃的老城是北京的文化，是我们自己现代建设最重要的生命源泉。 　　1997年又创作了《致北京#4#5》，那是我回到纽约情绪平和一些后展现的更多怀念的作品。这些作品中，我对不同黑色的掌握和对墙面空白的利用都受到了国画的影响。 　　有了孩子以后，作品更多体现女性生活的角色与人本身发展的冲突，画面切入到三维作品中。九十年代中期，我更关注中国文化自尊的危机，感性的东西与极简主义形式的运用，完善了自己作品中阴阳关系的跨界处理，在各种矛盾中找到了平衡。 　　问：你一直是做装置艺术的，从厚重的门框、铁器