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论音乐剧词创作中评论式唱段 　　摘要：文章以概念音乐剧的“评论式唱段”的主要特征为研究对象，通过分析它的起源、功能，以及对音乐剧文本改革的推动，探讨了概念音乐剧新的唱段形式带来的音乐剧革新，以及这种革新对于中国当前音乐剧实践的意义。 关键词：音乐剧；概念音乐剧；“评论式唱段”；间离效果 中图分类号：J617.2文献标识码：ADOI：10.3969/j.issn1003-7721.2013.02.020 西方在六十年代兴起，高度强调艺术性与实验性的“概念音乐剧”流派的重要特征之一，是“评论式唱段”在文本中的运用。概念音乐剧流派“以概念贯穿驱动为核心，片段化结构和评论性唱段为手段，对线性叙事和时空整一的破坏为特征”[1]，其主张催生了《伴》（Company）、《富丽秀》（Follies）、《群舞演员》（A Chorus Line）、《星期天与乔治在公园》（Sunday in The Park With George）等一批经典作品。其中的评论式唱段推动了六十年代的词创作观念与技巧的改革，以唱词的“剧场化”为方向，引入潜台词、陌生化等观念，最终使西方音乐剧文本由成熟期进入了探索期。 目前，我国学术界对概念音乐剧流派的研究尚未展开，以之为研究对象公开发表的论文仅有三篇（其中包括笔者的一篇），无疑，这与概念音乐剧在西方音乐剧史上的地位很不相称。诚然，评论式唱段作为音乐剧创作手法也未能得到足够的重视。值得庆幸的是，我国已有成熟的音乐剧创作者开始有意识的运用此技法，例如三宝先生的《钢的琴》。实际上，西方六十年代的评论式唱段不仅是作为一种音乐剧作词技巧，而且是明确的作为一种音乐剧改革的方向和观念的载体。本文将尝试着分析评论式唱段的艺术特征与创作主张，以期从梳理现代音乐剧史的角度，为我国原创音乐剧的创作提供具有理论价值的参考依据。 一、评论式唱段及音乐剧风格的转向 评论式唱段，所指的是西方音乐剧发展到概念音乐剧时期出现的有意识地使用间离效果，让演员跳出情节甚至角色之外，以非现实主义的方式唱出内心，对舞台上正在发生的人物行动或事件进行评论的唱段形式。评论式唱段的关键词是“评论”，它与传统音乐剧唱段的“叙事”（或者更早的“抒情”）相对立，强调主体体验的表达和人物为中心。这一唱段形式的核心是对传统音乐剧现实主义和浪漫主义为主的音乐剧风格、以叙事为目的的唱段创作、以单纯诉诸情感和追求共鸣为基础的剧场效果进行反思和颠覆。其唱段的主要观念体现在以下方面： 其一，唱段功能的改革。主张提升唱段的戏剧性和复杂性，真正使唱段由“歌词”转向“音乐化的台词”。要求唱词内容直接表述角色的内心体验，带有强烈主观性和情绪性。唱词不再仅仅承担叙事和抒情的功能，不再仅仅是展示音韵美或者角色自我解释的工具，而成为角色内心和潜意识外化的载体。 其二，唱段风格的改革。主张摆脱旧音乐剧现实主义+浪漫主义的保守风格，引入现代派戏剧和精神分析的理论和技巧。唱段不再简单地在叙事层面上推动情节，而是在非现实主义时空、以歌唱的形式展现人物碎片式的体验和思维，以表现人物相对静止的“状态”，以致取消情节的线性发展。 其三，对“潜台词”观念的强调。评论式唱段的改革，催生了对后世音乐剧影响深远的“潜台词”观念。这一观念由概念音乐剧创始者、著名词曲作家史蒂芬·桑德海姆（Stephen Sondheim）针对音乐剧重心（从叙事向心理）在六十年代末发生的转移而提出。它主张在处理评论性唱词时，在语言下设置隐藏的深层含义，在音乐剧审美中引入更多理性成分，以扩展唱段唱词的表现力与情感深度。 评论式唱段是在布莱希特舞台观念的影响下产生的，它“以情节之外的元素来参与戏剧行动并对戏剧行动进行评论，使用先锋派的戏剧技巧来取消传统的时间、地点、行动整一。”[2]它不仅仅是一种唱段创作技巧，更重要的是它表明西方音乐剧试图打破现实主义传统，从而在六十年代探索非现实主义的舞台形式和以“个体体验与内心自省”为核心的音乐剧发展方向。评论式唱段在1947年音乐剧《快板》（Allegro）中就已经出现，尽管“它打开了通向概念音乐剧之门”[3]，但此时的评论式唱段只是一次并不成功的尝试。它被作为一种唱词创作技巧，被有意识地用来反叛旧的整体音乐剧唱段，被用来表现人物的精神领域，要等到1966年音乐剧《夜总会》（Cabaret）的问世。而评论式唱段的体系化与影响力的达到顶峰，则要等到1970年史蒂芬·桑德海姆《伴》和1975年《群舞演员》的问世。那么，为什么评论式唱段的出现意味着现代音乐剧走向的一次转变？它在概念音乐剧体系内对整体音乐剧进行了什么样的革新，以及如何理解评论式唱段对后世音乐剧的影响？ 二、评论式唱段及音乐剧文本的革新 唱段作为音乐剧“文本”的主要组成成分，对其