具象与抽象语境之间的水彩艺术.docVIP

具象与抽象语境之间的水彩艺术 　　水彩画之所以吸引众多画家去尝试，在我看来是因为其表达上的直接性，和画面效果抒意、雅致的趣味，甚至于水性材料效果的多变习性所带来的诱惑才使得人们乐此不疲，这一点符合艺术创作中随机捕捉灵感的规律，成也乐，败也乐，醉心其中是喜爱这一画种的朋友们的一种心态。正因为如此，许多人在了解过国、油、版各个画种之后，仍然对水彩材料、语言情有独钟，就有了一个比较合理的解释。同许多朋友一样，本人通过不断享受作画过程中提笔而立、踌躇满志所带来的怡然，同时又经常体会覆水难收、前功尽弃的怅然之后，也就有了一些个人的思考，有些仍是至今也未完全解决或正探索之中的问题，但不妨拿出来与大家一起探讨，抛砖引玉也是一种交流方式。 　　 　　一、 材料、技法与水彩语境的关系 　　任何一种艺术形式都有其相适应的语境，我们在这里称其为语言表达的适用范围。熟练的运用一种语境，可以准确地传达自己的审美观和思想情感，甚至能影响到作品的品位。语境是受形式和材料限制的，不同艺术形式下的语境各有所长，可以相互借鉴但不可被动模仿，否则就会失去这一艺术形式的特长和魅力，从而失去这一形式存在的必要性，中西绘画的相互影响就是这种关系。随着社会的发展和人们文化习惯的改变，语境也在不断变化，这其中技法的改变对语境的拓展起到了推波助澜的作用。 　　然而，绘画技法是永远替代不了语境的，技法如同人们的谈话技巧，只能影响语言的表达方式的准确性和功效，而谈话方式会因为人的个性、习惯、诚信度等多种条件所决定，语境只是限制了这些条件的范围，即所有的条件共同构成了语境。 　　水彩画作为以水为媒介的画种，其作画条件自然受到水的性质的限制，同时也发挥出水这一媒介的优势如：酣畅、轻松自然、明快等，同时又因伴有难以驾驭的弊端，对技法的熟练程度要求更高。由于水彩材料的限制，水彩画的创作很容易被限制在某些难以逾越的条件范围内，如作品的尺寸、作品的题材、内容、自然环境条件的干湿度等等。正是因为技法的熟练度会直接影响作品的成败，一些水彩爱好者往往会将许多的精力、时间花在对材料、技法的研究上，也就是放在拓宽水彩画的语境的探索上，这样往往会误导观众的审美――即忘记了作品所要表现的是内容，而技法毕竟属于作画的手段不是艺术表现的最终目的。 　　艺术作品所要传达的是审美和感情思想等精神层面的要素，这一点仅靠技法纯熟是做不到的，这如同一个说话技巧高超的人仍可以口不对心，以谎话骗人，这启发了一些艺术家抛弃多年积累的所谓技巧，返璞归真地从原始美术和儿童画中寻找灵感。因此从艺术规律上讲，作品技法的熟练程度不应成为艺术价值的主要标准，艺术作品最重要的是情感、思想的真挚，真情实感可以使艺术作品鲜活、充满生命力和冲击力，给观者带来最本真的震撼。技法脱离了精神层面的东西就成了肤浅的、哗众取宠的炫耀，从而会失去作品真正的艺术价值，这一点，在我们传统的诗歌中可以得到证明，自古以来，言情、咏物，或铭志且词藻华丽的诗歌数不胜数，为什么朴素的杜公能流芳百世？真情实感使然。美国画家怀斯在听到别人大夸其绘画技巧的高超时却不悦地说：“他们看我的作品的角度错了，我所关心的是，我能否表达出我在某一特定时期对生命的感受。” 　　由此可见，一幅优秀的水彩作品，是在水彩语境条件限制下的形式、内容、技巧关系的结合体，在创作过程中，我们也常常因为技法问题而达不到形式和内容的完整，也常常待技法臻于纯熟的程度后，又不知不觉地远离了真情实感，因“感觉”凋零而遗憾。要“形”的真实完美，还是重感觉的质朴纯真，这个“形”而上还是“形”而下的问题，其实古人早已给我们作了认真的界定，在艺术创作中，古人对绘画的评价向来是以神似为上品。记起王维新老师曾在一次水彩画研讨会上说过“太完美就是不完美”的话，细想很有道理。艺术作品要给人留有想象空间，话都让你说尽了，人家还看什么想什么？所以古人所推崇的‘形应在似与非似’之间也是这个道理。 　　 　　二、 写生与创作 　　艺术创作可以说是一项快乐又艰苦的工作，尤其水彩画由于材料的特殊性更是如此，一幅完整的水彩画应该是技巧，思想、表现形式的有机结合，但因为材料的限制，一幅成功的水彩作品，首先要解决技法问题，而问题常常出现在，解决技法问题的过程中经过多次的反复，我们的感觉却迟钝了，灵感和鲜活的东西离我们而去，画面会变得繁琐无味，这时就体现出写生的重要性，人们常常在技法熟练后习惯于闭门造车，却懒于以写生的方式接触自然，继续去发现生活中的感动，不愿再面对烈日阳光和经受风吹雨打，不自觉地养成惰性，使得画面也慢慢失去了色彩、灵气和鲜活度。 　　实际上艺术的灵感需要经过生活的不断冲击才会涌现，无论身体的历练还是心智的陶冶对艺术家来讲都是素质的积累，写生不仅锻炼了我们的技巧，为我们积累素材，同时激发人们的灵感和创造力，更