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斯特拉文斯基早期作品中的空间概念 　　摘 要：本文通过对斯特拉文斯基早期作品中的节拍节奏、音色配器以及音乐平面分层三个方面的分析，对其音乐创作里的空间概念进行探讨。分析他如何通过巧妙的安排音乐材料，有意识的通过丰富的作曲手法构成立体的音乐空间，使得看似多种成分的组织中存在着令人赞叹的统一性的作曲手法。 　　关键词：空间概念；节拍节奏；音色音区；平面构成 　　 　　空间艺术，实际上是运用 空间感 的艺术效果来进行 造型,即根据透视原理, 运用明暗、色彩的深浅和冷暖差别, 来表现物体之间的远近层次关系，使人在平面作品上获得立体的、深度的空间感觉。大多数人把绘画，摄影等艺术表现形式归纳为空间艺术，其实在音乐作品中同样也隐藏着空间因素。它的作用不仅在于理解和接受音乐，而且存在于音乐形象的创作之中。例如发音进行就被看作是一种运动，是在可以想象得到的空间中的一种位移。又如力度水平被看作是或远或近的音乐立体布景，而高音比则被看作纵向度之比。 　　空间因素在音乐中起着重大作用。早在巴洛克时代，作曲家就创造出独特的音乐象征主义。它建立在对外部运动的联想表达基础之上――升高或是下降，向上或是向下。这些呼吁空间概念的“运动场景”在巴赫的音乐中有丰富的体现。如上升的旋律表示的词义是“上山”、光明，低声区的旋律运动通常表示“罪恶”和“不道德”等等。 　　当19 世纪浪漫主义音乐使人们对描写和造型音乐倍感兴趣时，空间概念包含了另外的内容，描写性表现手法被感性所替代，于是空间声音效果开始不是当作造型艺术的象征，而是类似于视觉的感觉被接受。与绘画这门十分讲究绘画构图的艺术相比，音乐与之最接近地方是二者皆是通过感官上的雷同去欣赏作品。和视觉一样，听觉可以辨别空间的“较近――较远”层次，根据力的强度，单独的声音或一组声音辨别音乐是接近我们，或是远离我们。如拉威尔的《波莱罗舞曲》，作品中从头反复到尾的旋律作为空间增长的“对象”是不动的，仅仅是靠音乐中潜在的力量在增长。它们在不断增长的同时，似乎正在向我们靠近，最后巨大的能量全面释放，继而转向E 大调的高潮结尾。 　　由上述可见，决定音乐空间感的要素来自于音的“重量”，这其中又包括了声音的密度，稀疏程度；力度的不同层次；节拍和节奏的变换以及和声音程的宽广或狭窄配置几个方面。在斯特拉文斯基的早期作品里，音的“重量”主要体现在以下各点： 　　1、节拍节奏的主导作用 　　斯特拉文斯基的创作是20 世纪最难指挥的作品之一，不仅在于音色难以把握，更令指挥家头痛是其复杂的节奏节拍。节奏是斯特拉文斯基成就的主要领域，他的创作在早期就已经形成依据变态重复原则的节拍节奏技法体系。与大多数作曲家通过改变拍号来体现节拍转变不同的是，斯特拉文斯基更多情况下是以改换重音、增减句子长短来改变旋律节拍。最经典的例子是《春之祭》里的变态重复和在《春天的预兆》中首次出现的不规则固定音型。 　　 　　０１ 　　 　　上例中，弦乐声部简单的不断重复一个由降F 大调主三和弦与降E大调属七和弦构成的复和弦，加上节奏重音的移位和圆号的阻塞音使音乐显得粗犷、原始；铜管声部的加入同时打破了2/4 拍的重音规律，大部分出现在弱音位置的重音所产生的不规则节奏率动使节拍变成3/8、2/4 及5/8 拍组成的混合拍子。作者大胆使用了复杂而不对称、不平衡的节奏，在力度上造成异常猛烈但有控制的气势，不规则的重音创造出前所未闻的充满动力的时代脉搏感，其精致的运用与固定音型音型重复的简单结合产生了《春之祭》特有的唯美与粗野风格的结合。另外一种变态的重复产生在旋律结构的基础上。 　　在例2 里，大号始终演奏着延续两个乐章的固定旋律，短小的三小节乐句重复高达九次之多。从上乐章尾段开始固定旋律出现并一直为高声部的旋律做陪衬，并延续到后一乐章固定旋律演变成乐曲发展的主要主题。作曲家在创作前期就已经细致地对整个乐章进行规划，固定旋律主题从上一乐章就已埋伏在高音旋律之下。同样是这个固定旋律，在《智者的行列》乐章尾段与乐队全奏构成多节拍的混合形式。 　　从编号70 开始，作曲家运用了许多彼此形成错杂节奏关系的层次来描绘这一场面。弦乐、木管声部的多种固定音型反复基本保持着4/4 拍的节奏律动；定音鼓以不规则重音造成三连音的效果、大鼓和锣为二连音，铃鼓为二连音；大号的固定旋律在6/4 拍号下依然保持4/4 拍的节拍运动，第一、二、三小号分成六度上行的强调动机和第四小号二度下行的声部两组，巧妙的组合成2/4 的快速节奏律动与大号缓慢的固定旋律作出强烈对比。诸多不规则节拍复合在一个规则的律动之中，不同时值的各种节奏持续音型和不同声部的连续重复形成一种特殊的“固定复节奏”，使这段处于高潮的音乐充满了强烈的气氛和冲动，形成一种独特手法处理乐队全奏高潮时的特殊效果。节拍的对位在