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论文人画历史发展及意义 　　【摘 要】“文人画”作为国画的一种重要艺术表现形式，在中国绘画史及艺术史上获得了非常高的艺术成就。本文在界定“文人画”概念及特征基础上，回顾了“文人画”的历史发展，并指出了其对现代绘画艺术的重要审美意义。 　　【关键词】文人画 历史发展 审美意义 　　 　　一、“文人画”的概念及特征 　　 　　1.概念的界定 　　“文人画”为国画的一种，其独特之处在于创作主体为中国封建社会中文人、士大夫，所以又称之为“士夫画”。其创始者是有南宗之祖之称的唐代诗人及画家王维。“文人画”在历史上又称“士夫画”和“文人之画”，区别于宫廷画家和民间画工的绘画，不仅带有文人的清高，还带有士大夫“庙堂之高”的色彩。 　　2.“文人画”的特征 　　（1）高文化素养的创作主体 　　“文人画”的创作主体为中国传统社会的文人，更确切地说，多???身负官职或者与官场有着千丝万缕联系的“士大夫”或“御用文人”。这些人不仅具有较高的文化修养，并且博学多才，兼通“六艺”，其创作的艺术成就及艺术特色和民间画坊迥然异趣。同时，这些人又具有相对独立的人格和艺术追求，不同于“宫廷画师”的“匠人”角色，因而与二者区别开来。 　　（2）高格调的创作题材 　　近代陈衡恪认为文人画有四个要素，即人品、学问、才情和思想。这个观点充分肯定了文人画相对综合的艺术内涵。在这群“文人”的创作主体那里，艺术题材的选择显得“至关重要”。尽管与其它国画形式一样，文人画也多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，但这些题材多用来借以彰显文人高格调或大抱负，往往被寄予“举世皆浊我独清”的文人清高，对民族压迫、对腐朽政治的愤慨之情。 　　（3）高意境的艺术追求 　　与民间画家和宫廷画家的“工匠”气质不同，文人画重意境而轻技巧。以意驭气，以写意抒心胸，追求“此地无声胜有声”、形有尽而意无穷的境界，甚至力图使“境生像外”。文人画重书，也是为了以言尽意，衬托意境，其能够做到书画一体，相得益彰。 　　 　　二、“文人画”在绘画历史上的发展 　　 　　1.开端 　　尽管关于文人画的肇始年代尚有争议，但不可否认的是，“文人画”至少可以追溯到汉代。因为汉代的张衡、菜邕皆有画名，其画作虽不传世但是典籍皆有所记载。之后的魏晋南北朝时期，名士姚最倡导“不学为人，自娱而已”，一时成为文人画的中心论调，充分体现了文人画“高格调”的艺术追求。宗炳寄情山水，“澄怀观道，卧以游之”，充分体现了文人自娱自得的艺术情怀。唐代南宗之祖、大诗人王维以诗入画，诗中有画，画中有诗，开一代文人画之先河，对后世国画影响深远。 　　2.兴盛 　　元代文人画成为画坛主流，并对后继的元、明、清三朝产生了深远影响。在元代，出现了后世所说的元四家：黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇。他们的画多表现“隐居”“高隐”“小隐”“渔隐”，以“出世成仙”的态度表达一种士大夫阶层的孤傲、空虚的情感。艺术上提倡“高雅”“平淡天真”“天真幽淡”，理论上主张“逸笔草草”“不求形似”“聊写胸中逸气”等。这一时期诗文印信也逐步正式进入画面。不但成为布局的组成部分，而且更直接地抒发作者的心声。诗、书、画、印始成一体，诗画相联，诗是无形画，画是有形诗，诗情贯注于画意之中相辅相成，这也标志着文人画形式的完善。北宋时期，文人画集中反映了士人在文化转型期的独立意识，苏轼可以作为这种士人独立意识最典型的代表。作为文人画的主将，苏轼形成了一整套与士人独立性最相默契的绘画形式和绘画理论，具有很强的包容性的理论，为后世文人画的多元发展奠定了基础。 　　明代前期文人画处在继承发展时期，出现了“吴门画派”和“浙派”，沈周、文征明、戴进等是这一时期的重要代表人物。直到明代中后期身为理论家、画家的董其昌根据苏轼的“士人画”理论进一步提出画分南北宗和文人画理论，文人画的名字也正式被提出和使用。同时，作为南宗的文人画地位得到确立乃至成为中国绘画观念的最高认识。 　　3.顶峰 　　清代到了文人画鼎盛的时期，涌现了诸多顶极文人画家，最突出的是“四僧”。“四僧”中又以八大、石涛最为突出。身为明末遗民，他们在书画中寄寓国破家亡之痛，八大笔法恣肆、放纵、简括、凝练，造形夸张，意境冷寂。石涛努力体察自然，鄙视陈陈相因，亦步亦趋的画家，主张“笔墨当随时代”“法自我立”，面向生活“搜尽奇峰打草稿”。他的主张对后世的“扬州画派”、“扬州八怪”、虚谷、赵之谦、任伯年，吴昌硕等都起到了深刻的影响。 　　必须着重一提的是，文人画对心灵和个性的发扬在徐渭那里达到了一个质的高峰。在徐渭的作品里，蔬菜鱼蟹已经成为画家心灵的体现。对于徐渭来说，物象的客观性质已经不重要了，重要的是自己的主观情感，极大地突出了以“我”之眼观物，以“我”之笔写物，任何物都变成了以“我”为中心的情感符号