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油画写生和情感传达浅论 　　摘要：写生是艺术创造的重要组成部分，要求画家对所面对的客观事物进行认真观察和思考，具体分析和取舍，使画面结构与表现语言整体概括，富有生气，达到形体与色彩、刻画与表现的和谐统一。在油画写生中要充分发挥自己的主观能动性，主动经营画面，运用光与色、明与暗、节奏与韵律等视觉语言，充分发挥主观表现功能，把对客观物象的认识转化为主题的感受和情感的抒发。 　　关键词：写生；色彩；构图；理解；调配 　　写生是直接面对对象进行描绘的一种绘画方法，是艺术创造的重要组成部分。基本有“风景写生”、“静物写生”和“人像写生”等多种根据描绘对象不同的分类。一般写生不作为成品绘画，只是为作品搜集素材，但逐渐发展也有的画家直接用写生的方法创作，尤其是印象派的画家，经常利用风景写生，直接描绘瞬间即逝的光影变化，所以有时也被称为“外光派画家”。通过写生可以使画家很快地抓住事物变化中最美好的瞬间，把最美好的东西呈现在画面上。画画和做别的事情一样，一样会遇到一系列的问题，比如说在油画写生中的构图与色彩等问题。下面我们就分别来谈一下色彩和构图及对象。 　　一、写生中的色彩 　　油画是色彩的语言。中国是世界上最早懂得使用色彩的国家之一，最早确定了自己的色彩结构。周代曾创造性地提出了“五彩”之说。《周礼》最早提及五色的记述。中国历代思想文化中的色彩有各自的符号涵义，在几千年文化的传承和发展以及融合中形成了自己独特的色彩观。 　　中国古代艺术家在运用色彩方面，强调主体情感的抒发，强调色彩的意向性、装饰性。如西魏北周的沉郁，唐代的艳丽富贵，金碧辉煌，敦煌壁画色彩的独树一帜，宋代院画写实色彩的活用，均是色彩语言极富表现力的典范。还有丰富多彩的民间文化艺术，都是我们吸取传统艺术营养，形成新的艺术境界的土壤。中国油画就是在这片土地上生根、发芽、成长起来的。中国油画的发展离不开色彩，色彩是油画最革命的因素。色彩从生活中来，而自然本身是美好的，变化丰富的，也是和谐的。不美的颜色在光线，空气等种种因素的影响下也可能成为和谐而美的。自然中很多现象启发我们用色，培养对色彩的美感。只是表现不好才把它弄糟了。即使对色彩很在经验的人，一旦不在接触自然，那么他的绘画很快就没有了生机。要在自然和生活中研究色彩。只有认真地研究对象，才能更好地搞自己的绘画。 　　艺术中感受非常重要，它的表现形式有两种：“渐悟”与“顿悟”。顿悟是建立在渐悟的基础上的，没有长期的生活体验和艺术积累，没有逐渐的渐悟的过程，是不能可出现奇迹般的“顿悟”与“突破”的。色彩作为绘画表现的因素之一，在正确的运用下，能够明确地表现一定的构思。加强主题的感染力，强烈的影响观者的情绪。 　　关于颜色调配这样的问题。不同的画家擅用不同的色调来表现对象，比如，毕加索根据表现不同时期、不同对象的需要，就产生出“蓝色时期”、“玫瑰红时期”、“黑人时期”，分别运用了忧郁的蓝色调、诙谐的粉红色调、粗犷的黑色调来表现下层人民的荒凉与悲伤，传达了画家对平民深深的同情和关注。又如，法国印象派画家莫奈也是一位创造色调的大师。他坚持户外对景写生，善于捕捉光色气氛和瞬间印象，他经常面对同一景物按不同时间、季节、光线的变化而随时调换画布，并对同一对象作出了准确的记录。他画了《草垛》、《鲁昂教堂》等系列组画，每组都多达30多幅，且每一幅都能表现出不同的色调和情绪。又如《巴黎圣母院》中色彩变化很明亮的黄色，和暗面的蓝紫色形成的微妙的对比，把阳光描绘得十分生动，符合自然规律。色彩运用是否合适，必须从整体来看，凡是用色合乎整体，通常就是很协调的。色彩固然要求丰富，但要分主次，有的能起到支配作用，而有的就只是从属作用。这样有助于表达内容的主次强弱，使观者在看画的过程中加深印象时用色不当，效果就适得其反了。 　　二、写生中的构图 　　构图是造型艺术的形式结构。“它是指画家在有限的空间或平面里，对自己所要表现的形象进行组织，或形象在画面中占有的位置和空间所形成的画面分割，从而形成整个空间或平面的特定结构”。构图对于一幅画来说，就好像一座建筑的地基。如果没有这个坚实的基础，整幅画可能就散架了。即使最简单的主题也需要构图，这样才能有效地利用画面的局限，更重要的是，这样才能有效地强调作品背后的信息。马蒂斯曾说“构图是一种装饰性的艺术，它通过组织艺术家手边各种各样的元素表现艺术家的感情。” 　　构图的基本原则讲究的是：均衡、对称、对比。均衡与对称是构图的基础，主要作用是使画面具有稳定性。均衡与对称本不是一个概念，但两者具有内在的同一性――稳定。稳定感是人类在长期观察自然中形成的一种视觉习惯和审美观念。因此，凡符合这种审美观念的造型艺术才能产生美感，违背这个原则的，看起来就不舒服。均衡与对称都不是平均，它是一种合乎逻辑的比例关系。平均虽是