探析“反类型”青春电影《闪光少女》的语境突破.docVIP

探析“反类型”青春电影《闪光少女》的语境突破 　　随着市场经济的不断发展，电影产业也逐渐形成了一套成熟的创作模式。青春题材的影片作为针对中青年女性的目标型电影也随着市场的不断发展而逐渐繁荣。庞大的市场需求决定了各种各样的校园电影应运而生。然而过高的产量却导致了质量的低下：创作者难以摆脱传统观念的禁锢，所有的校园青春片都似乎无法突破固定的叙事模式和相似的故事主题。单一的题材限制了创作者的想象与发挥，单调的模式也极大地影响了电影的发展。《闪光少女》的横空出世，为校园青春题材影片的发展提供了新思路，拒绝伤感的无病呻吟，避免一味地怀念过去。影片以轻松的笔调、流行的元素展现当代人真实的青春，通过声光的完美结合造就绝妙的视听体验，结合时代的要求实现真实性与艺术性的完美统一，为中国的青春电影市场提供了绝佳的借鉴。 　　一、 创新民乐题材，激荡情绪化表达 　　当今的校园青春电影难以摆脱类型化和模式化。电影的背景基本设定在20年前的校园，电影的内容也难以逃脱高考、友情、爱情等话题，陈词滥调的轮番轰炸使观众产生了审美疲劳，而观众愈发挑剔的审美品味也导致其再难与影片产生共鸣。不专注于剧情的创新和细节的打磨，反而依靠邀请当红明星来撑场面，一再鼓吹“青春”“情怀”来吸引人气是当前国产校园青春题材电影的通病。这也是校园青春题材影片饱受诟病、叫座却不叫好的原因。《闪光少女》完全打破了传统青春片的模式，反类型的形式使该片不再局限于展现传统的高中生活，而是将目光投向了音乐专业的高中学生，没有疼痛伤感、打架斗殴而是着力刻画一群民俗乐学生与西洋乐学生的音乐较量。通过直面的对比、激烈的矛盾冲突给观众带来震撼的视听感受，牢牢抓住观众的注意力。 　　美国著名的心理学家W?詹姆士的情绪理论认为：“情绪是人体对身体机能变化的感知。”[1]当外界的刺激对人体的感官产生极大的冲击，就会更加充分地调动观众的情绪。例如，在影片开始，导演便巧妙地使用了长镜头的拍摄方式。根据安德烈?巴赞的长面调度理论，“长镜头能真实地再现完整的时空线，营造更加真实的氛围”[2]，影片充分使用长镜头的手法，通过一镜到底，将长笛、小提琴、大提琴等西洋乐器和唢呐、扬琴、大唐鼓等民俗乐器依次展现，西洋音乐的悠扬优雅和民俗乐的穿透喜庆无缝衔接，让观众产生强烈的听觉反差，给观众带来极强的观感体验。随之而来的民俗西乐大混战更是将西洋乐和民俗乐的矛盾推向了一个小高潮。通过镜头慢放的形式，将本来紧张激烈的气氛放缓。时间的放大将动作的节奏变慢，形成一种失重感，从而更加有利于动作的展现和情绪的表达。慢镜头的展示和具体的故事情节相配合，为本来暴力的场景增添了一丝喜感，使原本沉重的气氛得到了一定缓解，可谓一举多得。 　　相较于同类校园青春题材电影，《闪光少女》最大的特点便在于民俗乐的引入。在中国电影市场上，以音乐为题材的电影十分稀少，以民俗乐为主题的影片更是屈指可数，音乐作为故事的润饰和情绪的扩展在很多电影中都未能受到充分重视。因为受众范围狭窄，民俗乐作为小众音乐一直得不到大众的了解和认可，一些人甚至对民俗乐存在着偏见和歧视，认为民俗乐是上不得台面的音乐。电影中，钢琴首席王文就曾直言不讳地对陈惊说：“扬琴也能算乐器？”影片以这一小众的题材为切入点，以新取胜，将音乐作为电影的主要元素而非配角来增强电影的感染力，利用人们对新鲜事物的好奇心来增强电影的吸引力，为民俗乐正名。同时通过隐形叙述的手法，将音乐元素与故事内容完美地融合在一起。不同于传统电影偏向使用的线性叙述手法，隐性叙事带有的颠覆感更加浓厚：它并不刻意营造固定形式，而是强调灵活性和多变性，叙事手段只是为内容服务，使整体形成多个自足结构。多个自足结构让影片能够独立地使用反复、漫画插入、闪回等手段而不显突兀，实现内在的和谐一致。恰到好处的音乐投放令观众在享受一场音乐盛宴的同时，也能增强对民俗乐的感知，提高电影的观赏性，增强电影的完成度。 　　二、 引入二元时空，穿插动漫风镜头 　　如果说剧情是一部电影的基础，那么人物就是一部影片的核心和灵魂。受市场因素的影响，校园青春题材的电影基本上都带有浓重的商业运作痕迹，普遍选择当红明星出演，通过明星的影响力和号召力来提高电影的票房。必须承认，当红明星的加盟的确有利于电影的营销，但是过分关注演员而忽略电影角色就是本末倒置了。《?W光少女》作为一部反传统的颠覆性青春电影，并没有将注意力专注在明星的选择上，而是坚实地扎根于角色创作，让每一个角色都具有符号性，让观众能感受到每个角色的成长，在角色中发现自己的影子。例如片中精灵古怪、敢爱敢恨的“神经女”陈惊，不是柔弱无助的“灰姑娘”，也不是光芒万丈的“小公主”，而是一个学习扬琴的普通女生：从最开始调皮捣蛋遭到全校批评，告白师兄却被无情拒绝，到后来当自己喜欢的事物受到威胁时能直面困难、