《爱乐之城》色彩设计的美学初探.doc

《爱乐之城》色彩设计的美学初探 电影是光的艺术，早期电影使用黑白胶片拍摄，只能呈现出影像的明与暗。色彩的出现无疑丰富了画面中的视觉信息，成为镜头语言的重要表意方式。通过电影史上各类影片的不断尝试和探索，色彩逐渐成为电影美学的重要组成部分。2016年上映的影片《爱乐之城》在电影色彩的设计上独具匠心。作为一部带有自我反射性质的影片，电影吸取了好莱坞经典家庭情节剧中运用色彩进行表意的方式，同时在此之上进行了创新，如将大制片厂时代摄影棚中的美术布景替换成实景拍摄，再进行后期的调色加工。本文将对电影色彩的历史发展做一简单梳理，在此基础上对《爱乐之城》的色彩设计进行一个初步的分析。 一、色彩的属性特征 色彩的产生来自于光的折射。早在17世纪，英国科学家牛顿用三棱镜将太阳光分离成色彩的光谱，即一条连续的标准色带，有红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七色。这种试验发现并明确了色与光的关系。色彩是由光产生的，而光则是一种以电磁波形式存在的辐射能。人能看到不同的色彩，其实是人眼对于不同光的波长(或相对应的频率)的一种主观感受。颜色只是人眼视网膜上的视锥细胞收集到不同可见光，转化成电信号，又传递到大脑中形成的概念。波长不同的电磁波，引起人眼的颜色感觉不同。 色相是有彩色的最大特征，所谓色相是指能够比较确切地表示某种颜色色别的名称。如赤橙黄绿青蓝紫从光学物理上讲，各种色相是由射入人眼的光线的光谱成分决定的。不同的波长或者几种波长的叠加形成不同的色相。色彩的纯度是指色彩的纯净程度，它表示颜色中所含有色成分的比例。含有色彩成分的比例愈大，则色彩的纯度愈高，含有色成分的比例愈小，则色彩的纯度也愈低。而明度是指色彩的明亮程度。各种有色物体由于它们的反射光量的区别而产生颜色的明暗强弱。[1]体现在色彩设计上，便是各种色相、纯度、明度不同的颜色搭配营造出的不同视觉效果。在电影中，不同的视觉效果则会传达不同的环境气氛、人物性格、视觉主题。 电影中经常会看到红黄蓝绿四色的运用，这是三原色用法。光的三原色是红绿蓝，颜色的三原色是红黄蓝，四色因为波长的不同，并列使用时将对视网膜造成刺激，让观众感受到强烈的对比效果。通过在场景道具和人物服饰上安排三原色，可以突显人物与其他人物和背景环境的差别。在戈达尔的电影中就经常出现纯度较高的三原色，这种风格化的设计其实是一种布莱希特式的间离手法。反差与对比会减少观众的代入与认同，色彩由此成为独立于叙事的电影元素，从而实现作品的自我指涉目的。 二、色彩在电影史中的发展 纵观电影史不难发现，色彩的运用经历了以下三个阶段。 (一)色彩的艺术化表现 美国导演罗本马莫里安于1935年推出了世界上第一部彩色影片《浮华世界》，使得电影艺术从此走向了缤纷绚丽的彩色世界。在此之前各个导演和制片公司曾尝试通过给胶片添色的方式来吸引观众。梅里爱、百代和高蒙等电影公司曾雇用一些女工用手工或套版给影片上色。这种色彩大多带有象征的手法，蓝色代表夜晚，绿色表现自然景观，红色象征灾难或革命等等。[2]例如爱森斯坦在《战舰波将金号》里对于红色旗帜的运用。彩色电影诞生后，全新的技术手段和艺术表达提高了电影画面所能承载的视觉信息，给视听语言的运用增添了一个新的维度。如果说默片向有声片的转换使得电影拓展了画面的表意能力与空间使用，那么彩色片的出现便使电影从光影的艺术，彻底转变为一种可以全方位传达导演意图的自来水笔。 (二)色彩的情绪化表意 随着彩色胶片的广泛应用，一些导演开始在色彩的情绪化表意方面作出尝试，例如美国导演道格拉斯瑟克拍摄的一系列家庭情节剧，但此时色彩表意还仅限于用冷暖色调形成反差来烘托气氛。1964年意大利导演安东尼奥尼的《红色沙漠》，改变了色彩对于影像复原现实的追求，将色彩的运用延展至主人公情绪的外化，这极大地冲击了原有彩色电影的观念，甚至在一定程度上带有表现主义电影的特征。例如电影开场，白色的烟雾与灰色的混凝土建筑象征着工业社会的污染与病态。女主角茱莉亚娜身穿绿衣出场，隐喻着生命和希望。片中黑色的丛林与泥土都充满着绝望和异化的意象，而红色的墙以及栏杆则预示着主角情欲的爆发和警示这部电影的色彩不再仅仅是吸引观众兴趣的方式，更是一种特殊的表意方式，将人物所处的环境氛围和女主角无法具象化的情绪进行视觉上的象征性表现。导演把色彩从视网膜映像中解放出来，并将其推入情绪的竞技场[3]。此后，将色彩用作一种独特造型手段的影片愈来愈普遍，如费里尼的《朱丽叶和精灵》(1965年)，路易斯布努艾尔的《白日美人》(1967年)，安东尼奥尼的《放大》(1966年)以及维斯康蒂的《被诅咒的人》(1969年)，《魂断威尼斯》(1970年)等[2]。1977年意大利导演达里奥阿基多执导的惊悚片《阴风阵阵》，