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钢琴艺术的表演之道 音乐是人类最亲密的东西。音乐的美感是钢琴艺术的最高追求。作为第二度创作的钢琴演奏是一门体现美的艺术，赋予了钢琴作品生命力，它把乐谱中的音符组合变成了能打动人的有灵魂的音乐表演，展示了纸上音符无法体现的情感，令潜藏的乐思得以丰富和发展。而钢琴演奏者的最高艺术境界就是：演奏中能够完全表达出作曲家的所思所想。而达到这种境界的过程中充分体现了表现艺术的重要性。 表现艺术贯穿于钢琴演奏中的本质“演”和“奏”中。“奏”偏重于技术，而“演”则是指的表演。正如娜迪雅·布朗热所说的：“一个人只有在能够彻底地、熟练地掌握必不可少的技巧后，才能自如地、随心所欲地表达音乐，而丰富的表演经验，也对演奏技巧的提升有着重大作用。”“演”和“奏”是相互依存，不可分割的整体。 表现艺术要求演奏者掌握基本的技术技巧，能深刻的研究了解作品为基础的同时，还要求演奏者在演奏中能发挥自己的想象力、创造力，使听众通过欣赏演奏不仅能理解乐曲的内涵，更能通过对钢琴曲的演奏来欣赏、了解演奏家演奏的个人风格。两者相结合使演奏家、听众与作曲家融入作品中的心理感受与情感态度相一致。在钢琴演奏的表现上，主要应注意以下几个方面： 一、正确地理解作品 要想成功地演奏一首作品，即把它的内容实质完整地表现出来，需要对该作品的创作情况、作曲家的创作意图等先有深入的了解，能掌握作曲家希望通过作品展现出的情感与追求，然后再用熟练的技巧来表现，以丰富的内涵为底蕴，以熟练的技巧为支撑的音乐演奏，无疑将产生强烈的感染力。 对于不同的音乐作品来说，由于其作者所处的时代、民族、流派以及各地人们欣赏习惯等因素的不同，而产生的风格特色也各不相同。如古典主义时期的作品崇尚理性，强调道德观念，在理性处于主导地位的前提下，追求内容与形式的统一与协调。而到了以情感为主的浪漫主义时期的演奏风格为：声音如歌，富有感染力的主调音乐为主，强调细腻的变化，拉开旋律和伴奏间的层次；节奏灵活，随音乐的需要允许一定的伸缩性，力度变化增强、幅度扩大；开始用手臂重量弹奏法的技巧；更多地运用踏板来表现和声的衬托作用等。而同一时期成熟作曲家的个人风格也不尽相同。如：海顿的幽默风趣，莫扎特情感的真挚、作品的典雅、注重崇尚道德和心灵刻画，贝多芬塑造的宏伟的音乐形象以及展现的的英雄性、戏剧性、抒情性等。还有一些作品有悲剧性和喜剧性风格之分；有注重于描述与注重于抒情之分，有的则是二者兼具。因此，在面对一部作品时，需要演奏者认真地研读它，并且能够了解与这部作品有关的其他知识，比如作曲家的经历、创作环境、情感态度、作曲风格、作品动机等方面的内容。 具体到一首作品，要仔细分析这首作品与其他作品的异同。风格相距甚远的作品比较容易掌握。较难的是风格虽有差异，但差异却很微小，这就需要表演者高度的理解能力了。举个例子，同一种作品，同是悲剧风格的，有的可能要表现出悲上加悲，有的可能表达的是喜中有悲。因此，能从细微处分辨出差异尤其是相似之处的差异是件很不容易的事。演奏者一定要培养对作品的理解力，做到游刃有余，才能把作品高度的表现出来。 二、整体把握恰到好处 一位出色的钢琴演奏家所演奏的曲子之所以悦耳动听，扣人心弦，其原因就是他能把所涉及的问题处理得恰到好处。一首乐曲中的速度、节奏、旋律、力度，甚至对作品内容意义的分析理解都是如此。比如乐曲的速度，像是进行曲，就有急速与缓慢之分，并不是简单的以一个速度进行。比如乐曲的力度，在整首曲子中，轻、重是有机地结合在一起的，也就是一个轻重相宜的过程。风格上也是如此，喜的、悲的、夸张的、朴质的等等是相比较而言的。乐曲中的所有涉及量变的因素（如节奏、力度等）都不是绝对的，是相对的，弹奏时一定要把握一定的“量”。 （一）正确处理好局部与整体的关系 演奏音乐作品时，要注意把握整体和局部的关系，不能只专注于局部，要学会总览全局，通览始终。就像写文章时的标点符号和分段的作用一样，整体观看乐曲时，要合理的划分音乐句子和处理句子之间的关系，学会分句、分段，找出气口。分句是对旋律客观合理的分割与再分割，合理的分句能够使乐句旋律更容易理解。音乐的表达具有整体性，作品的表现是一个完整的整体，但事实上在分析演奏时乐曲又被划分成无数的细节个体，演奏时注意细节的展现，能使表演更加细致化，所以在把握整体的同时，也不能忽视局部的处理。在哲学范畴中，整体和局部两者既有联系又有区别，互为一个统一体，在音乐上同样适用。 （二）风格表现中的变化与恒一 对于乐曲风格的表现，既要保证乐曲展现整体统一的风格，又要做到在不同细节处展现细微的变化，流露情感的起伏，以体现风格的丰富性，充实乐曲，而不是从头至尾一成不变，令人感觉单调、呆板。如康斯坦丁涅斯库托卡塔《