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水墨酣畅戏曲画教学有感

教完岭南美版八年级美术上册第17课“水墨酣畅戏曲画”，指尖似乎还残留着墨汁的清润，耳边也总回响着学生们蘸取颜料时“哗啦”的水声。这堂将传统戏曲与水墨艺术结合的课，像一幅慢慢晕染开的宣纸画，藏着太多超出预期的惊喜与值得沉淀的思考。

开课之初，我没有直接讲笔墨技巧，而是搬来家里珍藏的几个戏曲人偶——红脸的关公、青衣的虞姬，还有戴着翎子的穆桂英。当这些色彩鲜明、造型精致的人偶摆在讲台上时，原本有些躁动的教室瞬间安静下来，后排的学生甚至踮起脚尖往前排凑。“大家先看看，这些人偶的衣服褶皱和我们平时画的人物有什么不一样？”我故意放慢语速，看着学生们伸出手指在空中模仿人偶裙摆的弧度。有个平时不爱发言的男生突然说：“老师，这个穆桂英的衣服边像波浪，但是又比波浪硬一点，好像有劲儿。”这话一下子点透了戏曲服饰的“程式化”特点，我顺势拿出准备好的戏曲片段视频，让学生观察演员的水袖翻飞、身段转折，再对比课本里的水墨戏曲画，学生们很快就明白了“以形写神”在戏曲画中的体现——原来水墨的浓淡干湿，能把戏曲里的刚柔并济表现得这么妙。

在实践环节，我没有一开始就要求学生画完整的人物，而是先让他们玩“墨色游戏”。有的学生用大笔蘸淡墨，在纸上快速扫过，说这是“武将的披风在刮风”；有的学生用小笔蘸浓墨，细细勾勒，说这是“青衣的发簪”。看着他们从一开始小心翼翼地怕画错，到后来放开手脚大胆尝试，我想起建构主义学习理论里说的“学生是知识的主动建构者”，原来当学生真正参与到创作中，而不是被动接受技巧时，他们对艺术的理解会这么深刻。有个学生一开始总觉得自己画的“花旦”眼睛不像，急得快哭了，我没有直接帮她改，而是拿出镜子让她观察自己笑起来时眼睛的弧度，再对比戏曲里花旦的眼部造型，告诉她“不用完全一样，画出你心里花旦的灵动就好”。后来她画的花旦，眼睛虽然不是传统的“丹凤眼”，但圆圆的，带着笑意，反而格外生动。这件事让我明白，美术教学不是培养“复制高手”，而是要保护学生的独特视角，让他们在水墨里找到自己的表达。

课程快结束时，我让学生把自己的作品贴在教室后面的“戏曲水墨墙”上，大家围在一起点评。有个学生指着一幅用浓墨画的包公说：“他的脸用了很多墨，看起来特别严肃，就像真的在断案一样。”另一个学生补充道：“我觉得他的袍子用淡墨和浓墨搭配，有层次感，好像能看到他走路的样子。”听着他们用自己的语言解读作品里的墨色、线条，我突然觉得特别温暖。这些平时爱闹的孩子，在接触传统艺术时，展现出了难得的认真与细腻。我跟他们说：“其实水墨戏曲画就像我们的生活，有浓有淡才有意思，就像你们今天画的画，每一幅都有自己的故事，这就是最珍贵的。”

这堂水墨课，与其说是我在教学生，不如说是学生在陪我重新感受传统艺术的魅力。我想起之前备课时，总担心八年级的学生会不会觉得戏曲画“老气”，会不会坐不住，但事实证明，当我们用学生能触摸、能感受的方式打开艺术之门，传统就不再是遥远的符号，而是能融入他们画笔、走进他们心里的鲜活存在。以后的教学里，我想多做这样的“尝试”——少一些刻板的技巧讲解，多一些让学生动手、动脑的体验，让美术课不仅有笔墨的香气，更有成长的温度。或许这就是美术教育的意义：不是让每个学生都成为画家，而是让他们在接触艺术的过程中，学会用美的眼睛看世界，用真诚的心表达自己，而水墨里的浓淡干湿，会成为他们成长里一段难忘的色彩记忆。