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谈美术和音乐的相通性 　　摘要：美术和音乐是现在人们日常生活中最常见的艺术表现，美术通过颜色，明暗，结构等等手段进行创做。观赏者则通过眼睛或触觉来感觉它的美的存在。音乐通过一些乐器来完成创作。听众通过耳朵来欣赏它。但一些好的音乐和美术的深层次的美都是在意境或心灵上给人们产生共鸣。所以美术与音乐相互渗透与融合 　　关键词：美术；音乐；颜色；明暗；乐器；相通性 　　一副美术作品的创作是通过颜色，明暗，结构。来表现这就像一个人一样，一个人要有血，肉，筋骨。但是评价一个人的好坏并不是看他的血液，肉体，筋骨是否有毛病，而是看人的本质。同样一幅画也是这样，颜色，明暗，结构的组成是它的表面现象，主要的是画的内涵。在西画中就是画家的感受，在中画中就是意境。西画大都是焦点透视，就是说，在现实中一个人能从某一个视角看到什么东西，在画中就是如此，光与色彩的运用是有据可循的，即使到了印象派，画家也是捕捉自己在现实中用眼睛感受到的真实的光影。西方的艺术都是有程式可循的，都是可以拆分的，讲的就是一个规矩中的审美，所以西方很直白；中国的水墨画则不尽然，采用散点透视的作画风格可以把咫尺天涯尽汇于一张宣纸上，可是人们观赏时却并不觉空间错位。国画讲的就是个意境，无光，无影的胸怀却是辽阔无边的。东方的艺术大都没有什么固定的公式去套，讲的就是个意境，味道与悟性，所以东方很神秘。 　　但是不论是中国的水墨画，还是西方的油画，蛋彩画。画面上的元素都不是最重要的，它们都只是画家来表达自己的感想的手段和媒介。 　　一曲好的音乐也是这样的，它的创作通过乐器来完成，一个个音符，都是无机的，没有任何生命，然而组合在一起就不同，演奏者通过这些音符把自己得情感完全表达出来。《中国音乐审美导论》中提到：“在审美追求上，中国音乐艺术以‘和’为理想，尚虚无，求空灵，讲韵味，求深邃，讲意境，求气韵生动，强调直觉与领悟，注重生命本体。这与西方音乐求深刻，强调理性与思想，把实有，意义与情感作为精神支柱的音乐审美特点形成鲜明的对比”。但是，这也表明了不论东方音乐还是西方音乐。他们表达的都是隐藏在音符之后的东西。只是隐藏方式和表达方式不同罢了。最终打动人心的还是这些情感而不是音符。 　　一幅优秀的绘画作品能给人以美的享受，从画面的色彩、线条、结构中感受到音乐般的韵律和节奏；而一部优秀的音乐作品同时也是一幅美丽的图画，他用音符做色彩，用旋律做线条，画出一幅用心灵去感受的心灵之画。俄国着名的抽象派画家瓦西里.康定斯基曾经说“色彩好比琴键，眼睛好比音槌，心灵仿佛是绷满弦的的钢琴，画家是弹钢琴的手，他有目的的弹奏各个琴键来使人的精神产生各种波澜和反响。”因此，音乐和美术的相互渗透和相互融合将是一个多美妙的感受。 　　为了找到不同的创作灵感和激情，已经有些画家和音乐家都从对方的艺术形式出发看来进行创作。试图把绘画艺术与音乐艺术巧妙地结合为一体，如惠德勒把作品《白衣少女》称为《白色交响曲第一》，《茫茫之夜》称为《夜曲》等等；在他的绘画作品中还有许多直接用音乐术语和素材命名的画作，如:《钢琴房》、《小提琴》、《二重唱》等。俄国的着名作曲家莫索尔斯基在观看了亡友画家贾尔特曼绘画遗作展后，为悼念亡友创作出了《图画展览会》这部钢琴组曲。而美国的早期画家华尔特迪斯纳，也曾根据贝多芬的《第六交响曲》创作出它的三幅绘画作品。印象派的另一着名画家荷兰人蒙德里安，由于晚年居住在美国的纽约，对纽约的百老汇街非常熟悉，同时又非常喜欢当时街面流行的美国爵士乐，于是蒙德里安利用生活中对爵士乐的感受创作出名画《百老汇爵士音乐》，在他的这幅画作中画家探索了不依靠具体形象，只通过线条、构成和色彩，使人联想到爵士音乐特有的那种节奏感。俄国着名的抽象派画家康定斯基更是将美术与音乐的关系发挥到极致，他认为:“绘画和音乐之间的关系，你可以“听”到色彩，看到声音，黄色好比一只发出‘尖锐’声音的喇叭；浅蓝色好比长笛发出的声音；深蓝色好似低音大提琴的声音及宽厚低沉的双重贝司声；绿色接近小提琴纤弱的中间音调；红色使用得当时，给人以强有力的击鼓印象……”画家的这种感觉在他的画作《第七乐章》中表现得淋漓尽致。人们赏他们这些画作或音乐，画中因为各种视觉要素的不同组合所产生的或强烈、或舒缓、或沉重、或轻松的感受中所包含的节奏和韵律所感染，增强学生对画作的理解，增加了审美经验，拓宽了审美视野，提高了学生的艺术感悟力。 　　通过上面的论述，我们可以发现，不论是东方美术还是西方美术，不论是东方音乐还是西方音乐。他们所表达的都是作者的想法。最后被审美者所接受的也是这种想法而不是表面的创作元素。这就是美术和音乐的相通性。 　　参考文献： 　　[1]孙梅兰.艺术概论[M].高等教育出版社. 　　 - 3 -